Punto de Encuentro...

Danza Contemporánea en el Foro de la UdeC.

2012-01-15T16:50:00.000-08:00

"Ay de mí Violeta"
Calaukalis Colectivo

En la ciudad de Concepción se presentó este Jueves 12 recién pasado una muestra de danza contemporánea a cargo de agrupaciones locales. Tres creaciones de autores penquistas dieron muestra del quehacer creativo en materia de danza moderno/contemporánea, teniendo como escenario el Foro de la Universidad de Concepción. En general pudimos advertir un manejo correcto del lenguaje y carácter del estilo en cuestión,además de aspectos interesantes en cuanto a composición coreográfica, exceptuando eso sí, la presencia de algunos físicos no cuidados para la escena danzada.

En primer término se nos entregó la muestra de Pie Tra Pie Colectivo de Danza, dirigido por Reinaldo Araneda y su propuesta titulada “Par-Ke”. Obra con un marcado sentido lineal en lo estrictamente danzado utilizando el suelo mas bien de pasada - lo cual se agradece - y acertado diseño del espacio escénico y planimetría. En cuanto a los intérpretes, es necesario el equilibrio en lo relativo al soporte técnico y su lenguaje para unificar el estilo del Colectivo.

“Ay de mi Violeta”, creación de Paola Aste en interpretación de Calaukalis Colectivo fue la siguiente participación en el programa. Dicha composición en contraposición a la anterior, aborda aspectos más dramáticos en cuanto a desarrollo coreográfico, argumental e interpretativo. Correcta definición y ejecución del movimiento propuesto por la coreógrafa en cuanto calidad, fluidez y dinámica. Al igual que la agrupación anterior,la resta de kilos excedentes sin duda optimizará la apreciación de las composiciones danzadas.

Finalmente correspondió a la Compañía de Danza Teatro Banda Rodilein y su trabajo creativo “Parrandeando”. Leonardo Iturra nos entrega su creación, la cual si bien cuenta con elementos interesantes y bastante jugados incorporando otras expresiones escénicas, esta misma se diluye por la extensión de su narrativa, no dejando en claro que lo mostrado corresponda realmente al concepto estético de danza teatro como estilo; aquella danza, que nace desde la percepción y la emotividad para concluir en el movimiento expresivo, y no transformándose en una mezcla de danza y teatro por separado.

¿Es así como opera la danza?

2012-01-08T16:52:00.000-08:00

Este viernes 06 del corriente asistimos a la puesta en escena de “Espinocho”, versión libre del clásico infantil y concebido por René Ulloa a fin de acercar el arte de la danza y el ballet a un público masivo y familiar. El espectáculo, desarrollado en el Foro de la Universidad de Concepción, tuvo como objetivo final mostrar cómo opera la danza y los requerimientos para el montaje de un ballet. La puesta en escena involucró a la Orquesta Sinfónica de Concepción, más actores locales y alumnos de la Academia de la Sra. Juanita Toro. Si bien la idea es buena, la concepción del argumento propuesto y montaje resulta un tanto confusa, quedando sólo en el esbozo.

Sin duda la oportunidad de gestionar y ejecutar conciertos educativos dirigidos a la familia y con especial enfoque en el público infanto-adolescente son de gran valía; sin embargo, debe cuidarse con celo la información entregada, a fin de salvaguardar la esencia y principios del arte involucrado en este caso: la danza.
El texto narrado nos contaba acerca de los requerimientos necesarios para el montaje de un ballet; no obstante ya todo estaba puesto en escena… por lo mismo, se perdió la gran oportunidad de mostrar brevemente el trabajo de los escenógrafos, vestuaristas, maestros, bailarines y coreógrafos en su quehacer in situ. De esta forma, aunque breve, habría cumplido un fin didáctico. Por otra parte, lo extenso de un texto - que deja en stand by desde el inicio a bailarines y músicos de la orquesta - pierde sentido de continuidad, además de un tiempo precioso para contar en segundo plano lo que es la preparación y arte del ballet.

Del texto y línea argumental y actores
La elección de un cuento infantil no nos cabe duda que es una apuesta certera; pero definitivamente aquí faltó la presencia de un dramaturgo que hilara el contenido total para no perder la esencia del cuento y, a través del mismo, mostrar el arte de la danza con un Pinocho o Espinocho bailarín. Línea argumental confusa, con tropiezos en cuanto a enlaces y transiciones. En cuanto a la participación actoral, es recomendable la buena articulación y dicción clara; como también así, la modulación en cuanto a altura de la voz emitida.

De la escenografía y vestuario
Acertada concepción de los módulos como elemento escenográfico; sin embargo, la inamovilidad de los mismos restó magia y ambientación al desarrollo de la obra; sobre todo, si dentro de los personajes propuestos se contaba con la presencia de duendecillos. Logrados los vestuarios de Golondrina y Espinocho, el resto nos pareció inconexos.

De la coreografía e intérpretes
La ausencia de coreógrafo(a) experimentado(a) deja en evidencia la concepción dramatúrgica de la obra en cuanto a danza y composición, más aun cuando no se potencia el elemento dúctil y preparado como lo es Gabriel Valencia (Espinocho), de quien ya hemos hablado en comentarios pasados. El conocimiento y dominio del lenguaje de la danza escénica de carácter, es necesario a la hora de abordar una danza característica (rusos); de lo contrario sólo queda en el estereotipo.

De la orquesta y dirección
Con todo el respeto que merece dicha institución, la agrupación musical nos pareció improvisada y sin cuerpo. Quizás la dirección orquestal no tiene injerencia permanente sobre el elenco de músicos… y si ello es así, esto no permite el fiato entre director y músico, siendo bastante notorio al momento de la ejecución. Sonido plano, sin solidez ni cambio de atmósferas.

Conclusiones
Rescatamos lo positivo de la idea y valoramos que se haga este tipo de actos masivos. No obstante, la asesoría con especialistas conocedores en cada materia será necesaria para el éxito y avance de las propuestas. La responsabilidad corporativa de tal empresa debe analizar y proveer los mejores elementos para que la difusión cultural y educativa sea la correcta. Se pretende, a través de estos conciertos, la formación de un público específico y, por lo mismo, no debe quedar sólo en la información. Todo concierto, sea de temporada en sala o al aire libre, merece el mayor compromiso por parte de los artistas de la Orquesta Sinfónica de Concepción.

Arte Ballet y su apuesta por El Cascanueces...

2011-12-27T17:56:00.000-08:00

Escena de "Cascanueces"
Cindy Carreño y Valentina Martínez
Fotografía: Archivo Arte Ballet

Sin duda el ballet “Cascanueces” es un clásico del repertorio universal que siempre genera buenos dividendos a la hora del balance general. Por ello, agrupaciones profesionales como también escuelas formativas y academias no se restan ante la tentación de realizar alguna propuesta al respecto. Este es el caso de la novel agrupación capitalina Escuela Arte Ballet - dirigida por el maestro y coreógrafo Johann Ortiz -, quienes cosechan por estos días un éxito rotundo que no admite discusión en términos artísticos, económicos y de público asistente. Una temporada de 10 funciones a tablero vuelto realizada entre los días 16 al 18 del corriente en el Teatro Municipal de las Condes, nos dejó la clara impresión de que este montaje daba para mucho más. Lamentablemente por compromisos ya contraídos, la espectacular sala de Av. Apoquindo no pudo mantener en cartelera al “Cascanueces” de Arte Ballet.

La pregunta surge de inmediato: ¿En qué radica el exitazo para esta puesta en escena a cargo de una agrupación medianamente conocida y aún en proceso de formación? Dos cosas a nuestro entender: ¡Seriedad en la propuesta y convicción de apostar a ganador! No nos cabe duda que el título elegido es un caballito de batalla muy seguro para cualquier conjunto de baile, pero de allí a convocar a más de 8000 personas en 10 representaciones…¡¡merece un análisis riguroso!!
No es desconocido para el mundo de la danza nacional, que existen opiniones señalando que el arte del ballet clásico está pasado de moda y decadente, curiosamente estos jóvenes artistas de Arte Ballet, dan un buen ejemplo de lo contrario pues debemos sumar además, a 3.000 almas que congregaron al aire libre en la representación de “Cascanueces” este 23 de diciembre recién pasado en la explanada de la Plaza de Maipú. ¡Aleluya! El ballet clásico y su mundo de encantamientos, hadas, gnomos y príncipes… ¡Continúa más vigente que nunca! Por otra parte, señalar que los artistas de Arte Ballet, pertenecientes a la llamada danza independiente; no tan sólo bailan, sino que además son autores de su propia escenografía, composición de vestuario, utileros, tramoyas, etc. ¡Simplemente… dignos de todo reconocimiento!

De la coreografía
Johann Ortiz, muestra una veta creadora de alto vuelo y gran imaginación donde el sentido argumental y drama danzado fluyen sin tropiezos en la concepción para este “Cascanueces”. Si bien en rigor no es la obra en cuanto a orden de las danzas concebida por Marius Petipa, la presente versión -refrescada- con inclusión de otras partitas de Tchaikovsky e incluso con temas de la Big Band, no pierde en sí, la esencia del cuento de Hoffmann para la narrativa argumental. El autor coreográfico propone un Drosselmeyer con parlamento en la obra, lo cual podría generar ciertas aprehensiones para aquellos más tradicionalistas, no obstante esta avanzada hace más cercano el argumento para quienes se inician como espectadores del ballet, y especialmente para los más pequeños de la familia, quienes se permitieron interactuar con el personaje como así también, con un papá Noel y su esposa incluidos en esta versión.

De los intérpretes
Valentina Martínez, responsable de dar vida a Clarita - hilo conductor en la historia-, nos entregó un personaje creíble desde la teatralidad y mejor resuelta en cuanto a danza por su fluidez técnica y trabajo en las puntas. Eduardo Reyes (Tío Drosselmeyer) compone un personaje mágico, enigmático… distante y cercano a la vez., donde el peso actoral y solidez interpretativa lo lleva el registro baritonal que el actor posee. Odette Mercado, en el doble papel de madre de Clarita - acto primero -- y Reina Odeluz en al acto segundo, da muestras de una bailarina con oficio, bella línea y limpieza técnica; no obstante algo plana en lo estrictamente interpretativo. Cristian Ulloa, quien desempeña los roles de padre de Clarita, Papa Noel y Rey Crisol, es sin duda uno de los pilares masculinos de la agrupación, quien posee potenciales atributos que le permiten desarrollar los diferentes personajes sin estereotipos. Su técnica es limpia y un sólido partenaire. Quizás una mayor atención a la conclusión de ciertos pasajes coreográficos, permitirán una clara lectura a su danzar.

Andrés Barrientos en los roles de sobrino de Drosselmeyer y Príncipe Cascanueces es sin duda un bailarín del llamado registro danseur noble. Poseedor de una técnica limpia, giros brillantes y saltos con suave ballon. Resuelve además con elegancia el fraseo danzado y sólido como partenaire; sin embargo se aconseja atender a lo estrictamente interpretativo y permanencia del personaje en escena, a fin de que florezca el artista en el contexto de la obra. Cindy Carreño, primera figura de corte lírico representa al Hada de los Confites en la producción de Johann Ortiz.. Sólida, convincente y de fuerte personalidad artística. Permite su danza lucir un amplio registro de emociones donde la transición de una a la otra, fluye en ritmo adecuado.

Conclusiones
El principio de la siembra y la cosecha vale para moros y cristianos. El tiempo de la siega ha llegado para Arte Ballet. El tren se ha puesto en marcha, sólo debe cuidar su velocidad.
Finalmente decir: Corresponde a los críticos, aparte de acudir a estas muestras de arte, realizar un análisis respetuoso de tales expresiones, como así también, destacar el aporte de esta agrupación al desarrollo del ballet clásico, disciplina que sin duda, cada día gana mayor cantidad de adeptos tanto al interior de las aulas de clases como en las salas de espectáculos.

Hugo Zárate y "El Sueño de Clara"

2011-12-21T12:42:00.000-08:00

Estudio Hugo Zárate

Desde el año 2010, Hugo Zárate, bailarín de nacionalidad argentina y ex - solista del Ballet de Santiago; asienta raíces en la ciudad de Chillán donde mantiene actualmente su centro de operaciones formativo artísticas en materia de danza y ballet clásico. Este viernes 9 y sábado 10 de Noviembre el Estudio Hugo Zárate, realizó la muestra final de año convocando numerosa cantidad de espectadores en la Gran Sala del Centro Cultural de Chillán. Sin duda los progresos de los discípulos del maestro Zárate son evidentes quedando demostrado en la ajustada y bien lograda puesta en escena “El Sueño de Clara”, versión libre del ballet “El Cascanueces” de Tchaikovsky.

La primera parte del programa contó con danzas de corte moderno en coreografías de Ma. José Espejo - integrante del Ballet Juvenil de Chillán -, y profesora del Estudio Hugo Zárate. Propuestas simples y efectistas logran su cometido… mover a los alumnos haciéndoles partícipes de la alegría de bailar. Seguido de ello, las variaciones femeninas de “La Bayadera” destacando Victoria Peralta, Ma. José Espejo y Camila Matus. La variación de “Esmeralda” interpretada por Monserrat Villar y el Pas de Deux “Los Aldeanos” (ballet Giselle); bailado por Victoria Peralta y Gabriel Valencia, en una muy buena exposición en cuanto a técnica y estilo.

La segunda parte del programa nos brindó la puesta en escena “El Sueño de Clara”; una versión libre del maestro Hugo Zárate para “El Cascanueces”. Una producción digna, respetuosa en cuanto a tradición y esencia del argumento conservando momentos álgidos de la narrativa Petipa - Tchaikovsky. Una suite donde muestra las escenas más relevantes del acto primero unidas al divertissement del acto segundo y conclusión del viaje de Clara. Un desafío de proporciones para el alumnado chillanense en una producción no menor. La ambientación y atmósfera lograda para el desarrollo de la obra; en rigor cumplió el objetivo. El árbol navideño creciendo en medio del jolgorio festivo, arrancó aplausos de la asistencia.

Por otra parte, Clarita, representado por la juvenil Monserrat Villar sorprende y agrada desde lo puramente técnico hacia lo teatral. A pesar de su corta edad, logra impregnarse del personaje entregándolo con autenticidad. El Hada de los Sueños bailada por Victoria Peralta muestra su mayor desempeño y compromiso durante la ejecución del Gran Pas de Deux junto al joven Gabriel Valencia, quien exhibe un buen dominio en cuanto al manejo de partenaire y solidez técnica en el arte del baile… su rol de Principesco en cuanto a interpretación lució algo distante en el contexto total de la obra. Estamos claros que se trata de un alumno, pero es un muy buen elemento que pinta para profesionalizarse, de allí la exigencia de este comentario.

Contigo Pan y Cebolla...

2011-12-14T16:50:00.000-08:00

Compañía Creadanza

Fotografía: Archivo Creadanza

Con el respaldo del Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes a través de la convocatoria Fondart 2011, la Compañía Creadanza de Viña del Mar concluyó este domingo 11 del corriente un ciclo de doce funciones en el Dispositivo Cultural Los Lagos de Valparaíso con la puesta en escena “Contigo Pan y Cebolla”, del coreógrafo Arturo Martínez y director de la agrupación viñamarina. Temática latente y compleja, presente en cualquier sociedad del globo la cual nos da cuenta de lo enfermiza que puede llegar a ser una relación en la que la mujer definitivamente lleva las de perder por el abuso del poder físico y psicológico del hombre amante.

La vulnerabilidad, la baja autoestima y la admiración equívoca por el ser amado, más otras condicionantes, suelen dar curso a esta obra que de principio a fin, invade y golpea los sentidos del espectador. Sin duda la expresión popular “contigo pan y cebolla” o su equivalente francés” “vivre d’amour et d’eau fraîche”, refleja una condición humana más allá de la frase literaria. ¿Qué lleva a una mujer a soportar tales vejaciones dentro de una relación? ¿Será acaso los efectos de la feniletilamina - droga generada por el propio organismo como una respuesta neurofisiológica al estado de enamoramiento -, o el temor a la soledad o quizás al sentimiento de protección y seguridad? En fin, no tenemos respuesta para ello, pero si pudimos advertir a través de la puesta en escena, patrones comunes que suelen afectar a este tipo de mujeres como lo son: la violencia física, la violación dentro de las relaciones íntimas y la tortura psicológica permanente y sostenida por parte del hombre, quien generalmente posee una personalidad adornada de cierta inteligencia que lo hace atractivo a la mujeres provocando la seducción de cuanta fémina le circunde.

La dramaturgia danzada es clara y bien delineada por parte del autor coreográfico, quien propone fraseos cortos y algo reiterativos significando el círculo y encierro que envuelve a la protagónica. El reducido espacio coreográfico da cuenta de la estrecha libertad que poseen las mujeres violentadas cuyo espacio físico y emocional se ve reducido por el temor, la vergüenza y quizás la justificación equivoca de qué talvez pudieran ser merecedoras de tal flagelo. Las transiciones y perfiles psicológicos de los intérpretes son bastante logrados en el transcurso de la obra. La carga emotiva a veces descontrolada, justifica el desborde emocional propio de la temática expuesta. Nelson Concha, compone un personaje sólido, oscuro y complejo a la vez, Mariela Peralta quien lleva el peso más bien protagónico, resuelve desde la emotividad en concordancia con la danza momentos de alto contenido dramático. Anita Riquelme exhibe un agudo sentido danzante en contraposición a Paola Gamboa, quien hace lo suyo desde la teatralidad. La escenografía propuesta por Ricardo Ogalde, el vestuario diseñado por Graciela Rojas y la música compuesta por Víctor Manuel Choque y Jorge Cárcamo, respaldan la idea concebida por el autor coreográfico constituyéndose en un muy buen soporte complementario.

Chillán, la danza y sus bemoles...

2011-10-23T18:58:00.000-07:00

Por sexto año consecutivo centenas de cultores del arte coreográfico se han reunido en la ciudad de Chillán - “Cuna de la patria y cuna de artistas” -, que año tras año son convocados por el Centro Cultural Vivadanza que preside la Sra. Edith Hernández. Para ello, el escenario de la Gran Sala del Centro Cultural Municipal de la ciudad, recibe las diversas propuestas de maestros y creadores invitados de toda la nación en sus diversas manifestaciones y estilos. Un homenaje a la persona del ex-bailarín ruso y actual maestro avecindado en Chile Vladimir Guelbet, coronó la noche de clausura del evento chillanense.

Durante cuatro jornadas la danza se apoderó de la Gran Sala del Centro Cultural Municipal de Chillán acaparando la atención del público amante del arte bailado. Sin embargo, las muestras según programa de mano se aprecian un tanto maratónicas por lo extenso de cada jornada; por lo mismo será necesario atender a una mayor selección en rigor, a fin de privilegiar y salvaguardar la calidad antes que la cantidad. La gestión y organización del Encuentro por parte de Vivadanza es sin duda bastante eficiente y ejecutiva; pero sabio sería a futuro, considerar un consejo asesor que tuviese competencia artística en la materia con criterios profesionales asegurando de este modo una información correcta al público en formación, de lo que es el arte de la danza y específicamente el ballet clásico.

Por otra parte, tales expresiones requieren de un físico trabajado y figura armónica; por lo mismo la permisividad de kilos excedentes, resta seriedad a la competencia. Ahora bien, si el profesorado insiste en realizar muestras de alta complejidad técnica y artística como lo es el ballet clásico; entonces deberá prepararse para la competencia formativa en rigor (técnica, estilo y carácter), de lo contrario será sólo una triste aproximación y por ende una información equívoca al espectador.

En cuanto a la actividad creadora podemos decir que es bastante más complejo. Toda creación antes de subirla a escena, requiere de una investigación. En seguida viene el trabajo de composición donde no podrá perderse de vista la exposición de la idea, el desarrollo de la misma y la reexposición y conclusión de la obra. Hay pues, una gran diferencia entre un compositor de pasos - aquel que junta un paso al lado de otro según una métrica determinada -, y aquel que tiene una idea concreta y fluida para llevar a escena con contenido argumental (aún en lo estrictamente lineal) dinámico y capacidad de síntesis en los fraseos propuestos. Lamentablemente observamos en la mayoría de los cultores contemporáneos - salvo honrosas excepciones – una exposición de ideas muy variadas con transiciones truncas e indefinidas y conclusiones esfumadas. Tales aspectos ameritan conversarse, revisar y analizar en pos de una creación mejorada.

No podemos pasar por alto a quienes tuvieron en la jornada de clausura una alta competencia artística, nos referimos a: Jaime Jory y sus creaciones “El Gallinero” y “Duelo”; este último un solo interpretado con calidad danzante y control técnico por la joven Casandra Muñoz; el maestro Hugo Zárate en un estilo diferente y con alta demanda técnica para sus tres bailarinas, nos entregó “Divertimento”; José Luis Sobarzo, conocedor en propiedad del arte flamenco y su propuesta grupal “Ritmos Flamencos de Hoy”; y finalmente la concepción coreográfica “F.I.D. Bach”, del bailarín y maestro Edison Araya; quien propone un trío ajustadamente musical, buen uso del fraseo rítmico y coreográfico; más la rapidez de piernas y fluidez de torso-brazos.

Conclusiones: En lo positivo, rescatamos el entusiasta apoyo y compromiso del municipio, especialmente de su Alcalde señor Sergio Zarzar Andonie para la actividad artístico-cultural; la perseverancia de sus organizadores: el Centro Cultural Vivadanza y su presidenta, la Sra. Edith Hernández y por supuesto, el interés de tantos profesores por estar en el Encuentro; mientras que en lo inmediatamente a corregir: restar todo síntoma no profesional a la muestra en Pro de una consolidación férrea con carácter de excelencia.

Los amantes de Verona y el Ballet de Santiago

2011-10-13T13:41:00.000-07:00

Rodrigo Guzmán, Nicolás Caudullo y Andreza Randisek
Escena de “Romeo y Julieta”
Ballet de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

Cuatro representaciones de abono, dos repartos titulares y una gran convocatoria de público acaparó la trágica historia de “Romeo y Julieta” en versión coreográfica de John Cranko y música de Sergei Prokofiev en el Teatro Municipal capitalino. El Ballet de Santiago que dirige Marcia Haydée, compromete para enero próximo seis representaciones adicionales, dado el gran éxito de este título en la presente Temporada Artística del Teatro Municipal.

El desaparecido coreógrafo sudafricano John Cranko, autor de esta magistral escenificación bailada, no dejó nada al azar ni a la improvisación en cuanto a la composición de los personajes y la responsabilidad que les cabía según su concepción creadora. Más allá de los protagónicos como eje central de la trama, el coreógrafo entrega una gran importancia y responsabilidad a los co-primarios como al cuerpo de baile, situándolos como un todo necesario para el desarrollo y desenlace del clásico de Shakespeare. Una obra danzada que fluye de principio a fin sin trabas ni entuertos sin resolver.

Los protagónicos Rodrigo Guzmán (Romeo) y Andreza Randisek (Julieta) si bien se inician algo contenidos en el acto I, a medida que avanza la historia fluyen libremente en complicidad hacia los actos II y III. Ambos bailarines bien complementados y sólidos en cuanto a danza, técnica e interpretación, poseen fortalezas que ponen al servicio de sus respectivos personajes antes que la propia personalidad escénica, ello nos permite asistir a una historia convincente y disfrutarla a plenitud. Andreza Randisek sostiene el ritmo emocional del personaje sin decaer aún en los momentos más dramáticos de la historia y Rodrigo Guzmán, traspasa el foso orquesta incorporando a su personaje una calidez bastante jugada

Agustín Cañulef (Mercutio) se muestra soberbio en la interpretación y composición de su rol. El peso que lleva su personaje dentro de la narrativa, es fuertemente respaldada por este artista. La técnica al servicio del rol nos deja claro que ésta es un medio y no un fin. Agustín Cañulef es secundado correctamente por Enmanuel Vásquez en el rol de Benvolio. Miroslav Pejic, bastante concreto y sólido en su desempeño como Teobaldo, sumado a la elegancia que le es propia convence siendo un muy buen oponente para Guzmán desde la teatralidad. Nicolás Caudullo, nos ofrece un Paris bastante correcto, pero un tanto distante de la historia en sí.

Elegante e imponente cuya presencia escénica equivale a una Prima Donna, es la participación de Valentina Tchepatcheva como Lady Capuleto. La carga emotiva inyectada a su rol corre por la sala del municipal. Toda su corporalidad es un permanente diálogo en compromiso con la contraparte escénica y el espectador a distancia. Mención especial merece Francisca Moya y su lograda Nodriza, cuya actuación en complicidad con los protagónicos, deja en claro la importancia y responsabilidad escénica de este rol dentro de la trama. Así también la participación de Cyril de Marval con un muy bien logrado Fray Lorenzo.

En líneas generales el comportamiento actoral del cuerpo de baile es correcto y responsable; no obstante, la “Danza de las Lilis” se vio particularmente bien ejecutada, muy sincronizadas las ocho bailarinas y bella línea.

Por alguna razón, la Orquesta Filarmónica dirigida por el maestro José Luis Domínguez no entró en vereda derecha en el acto I. Los aspectos sonoros, la riqueza de esta partitura y sus armonías, se apreciaban algo distante… quizás sin sentido de cuerpo orquestal, sin embargo hacia el III acto, los artistas de la Filarmónica de Santiago sacaron todo el temple y se escucharon impecables y resueltos en sonido y tempo.

El Banch y su carta creadora nacional…

2011-10-05T12:14:00.000-07:00

"Liaison", Coreografía: Beatriz Alcalde

Fotografía: Archivo Banch

Beatriz Alcalde e Isabel Croxatto, dos reconocidas creadoras de la escena nacional se dan la mano para llevar sus apuestas coreográficas al Ballet Nacional Chileno que dirige Gigi Caciuleanu. Por estos días y hasta el 09 de octubre los artistas del Banch nos entregarán en la sala de Plaza Italia “Liaison” y Simulacro de Alta Costura”. Ambas creadoras dan rienda suelta a su inspiración en temas relacionados a Chile y Francia; requisitos que les demandara el director de la compañía al momento de invitarlas a crear para el conjunto del Teatro Baquedano.

“Liaison”, de Beatriz Alcalde es una obra que basa su desarrollo en imágenes de efecto reconocible a primera vista, pues las mismas están presentes en el consciente colectivo nacional y a ultramar. Si bien no advertimos una búsqueda novedosa en lo relativo al lenguaje danzado, la concepción del movimiento utilizado por la coreógrafa, permite una lectura fluida visualmente de la idea propuesta. En cuanto a la planimetría, Beatriz Alcalde diseña, compone y traslada bien a los bailarines en escena utilizando la figura del ocho como una constante, más un buen uso del tempo y el ritmo en una dinámica ascendente.

Logradas son las estampas del transantiago, la pelea de gallos y el chinchinero; sin embargo, nos faltó desarrollo y profundidad al collage total de la diapositiva danzada. El variado aporte musical “en off” compuesto por Henry Torgue, Serge Houppin, Pierre Henry, Carlos Guastavino, Gilbert Becaud, Edith Piaf, Violeta Parra, Organilleros de Chile y Baguette Quartette, no justifica la presencia en escena de “Las Condenadas” La coreógrafa y creadora Beatriz Alcalde, si bien resuelve acertadamente en el plano del movimiento y la danza, se nota un tanto débil en cuanto a la reexposición y conclusión narrativa de su propia idea.

Isabel Croxatto y la apuesta variada en colores inicialmente para “Simulacro de Alta Costura” es una obra diametralmente opuesta a la anterior. La coreógrafa trabaja en base a conceptos, análisis y denuncia del mundo y sus cambios vertiginosos, lo político y social, tecnológico y la globalización. Su apuesta es a través del cambiante mundo de la moda y el transitar del ser humano actual en esta aldea global cada vez más digitalizada. Ahora bien, lo reciclable, reutilizable y/o desechable cobra ampliamente su significación en “Simulacro de Alta Costura”. Si bien advertimos una clara intelectualidad en su exposición primera, avanzada la propuesta suma ideas y pensamientos, que los mismos no se ven cuajados de manera consistente y con la fluidez deseada para los aspectos narrativo danzado.

“Simulacro de Alta Costura” transcurre lenta y a veces reiterativamente dejando algunos planteamientos sólo en el esbozo; sin embargo es hacia el final de la obra donde logra fluir y conectar dinámicamente concluyendo su mirada crítica en propiedad. Es allí donde quisiéramos ahondar, pero ya todo acabó. Valioso aporte de los diseñadores Ana López, Gerardo Tyrer, Bernardita Riquelme y Sebastián del Real.

Más allá de lo que nos pareciera correcto o inmediato a corregir; se acepta con agrado el cambio de mano en lo creativo y nuevos desafíos que ello conlleva a los artistas del Banch. El nivel artístico y técnico de sus bailarines respaldan ampliamente dichas obras en compromiso y disciplina.

MacMillan - Yedro, y el Ballet de Santiago...

2011-09-06T20:58:00.000-07:00

“Voces de siempre” – Ballet de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

Un programa doble compuesto por “La canción de la tierra” del escocés Kenneth MacMillan y música de Gustav Mahler y “Voces de siempre” del coreógrafo argentino Eduardo Yedro sobre la base musical de canciones e intérpretes populares del repertorio internacional, han conformado la tercera Temporada Artística del Ballet de Santiago dirigido por Marcia Haydée; la cual concluyó este martes 06 del corriente en el Teatro Municipal de Santiago. La primera, a 45 años de su creación y la segunda más cercana al vodevil o varietés que a la danza de culto, nos deja la impresión que se debe reorientar el norte de la compañía en sus futuras programaciones de temporada evitando de esta forma, caer en la miopía artística.

“La canción de la tierra” de Gustav Mahler y coreografía de Kenneth MacMillan creado para el Ballet de Stuttgart, nos llega casi medio siglo después de su estreno en 1965. Tomando en cuenta la gran evolución y nivel que ha alcanzado el ballet mundial en cuanto a la fusión del ballet académico con las técnicas modernas y contemporáneas y la riqueza del lenguaje desarrollado por noveles coreógrafos en las últimas décadas; con gran respeto, podemos decir que la obra de MacMillan nos parece anticuada.

Ahora bien, la propuesta de Kenneth Macmillan corresponde a una concepción más cercana a lo sensorial que a lo narrativo. Compone con fuerte base académica en fusión con lo contemporáneo, pero a la vez con escasa variedad en el lenguaje danzado. Es posible que en su época tuviera gran resonancia esta mezcla de técnicas de danza y estilo danzado sinfónico que el creador nos entrega, más hoy día se percibe algo básico. No obstante rescatando lo positivo, decir que la creación advierte fluidez de movimientos, sensibilidad y buen uso del pulso y fraseo de los trozos musicales, lo cual permite generar matices interesantísimos que se traducen en un sentir abstracto-expresivo llegando al clímax total hacia el final de la composición coreográfica. Los intérpretes danzantes Luis Ortigoza, Rodrigo Guzmán y Natalia Berríos ofrecen sin duda, un sólido respaldo a la obra coreográfica. La actuación de la mezzosoprano Evelyn Ramírez evidencia una buena articulación, dicción y fraseo para la partita de Gustav Mahler ofreciendo una emisión clara del sonido hacia las notas centrales de su registro. El tenor argentino Enrique Folger entrega una actuación sólida y correcta colocación hacia los agudos. La Orquesta Filarmónica de Santiago, reducida por exigencias de la partitura y dirigida por José Luis Domínguez nos entrega una lectura algo contenida e interpretación cuidada.

“Voces de siempre” con coreografía de Eduardo Yedro y respaldo sonoro del cancionero popular e intérpretes varios, intenta reflejar los sentimientos y emociones que provocan en el autor coreográfico los temas elegidos. Concepción válida y respetable; sin embargo notamos una escasez en cuanto a la búsqueda de un lenguaje danzado cuyo aporte vaya más allá de un evidente musical. Destacan por su desempeño y compromiso Andreza Randisek, Lidia Olmos, Miroslav Pejic, Rodrigo Guzmán y Esdras Hernández.

Boris Godunov, soberbia puesta en escena.

2011-07-31T14:09:00.000-07:00

Escena de la ópera Boris Godunov - Teatro Municipal de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

Una magistral producción de la ópera “Boris Godunov” de Modesto Mussorgsky entrega por estos días hasta el 30 del corriente el Teatro Municipal de Santiago en su tercer título de la Temporada lírica 2011. “Boris Godunov”, obra monumental cuyo montaje ofrece grandes complejidades y despliegue técnico a la hora de ponerla en escena, dicha producción sale airosa y triunfante bajo la espectacular régie, escenografía, vestuario e iluminación de Hugo de Ana; secundado por grandes voces solistas y un coro cuya fortaleza actoral y vocal está plenamente demostrado.

De la régie, escenografía, iluminación y vestuario
Dos enormes placas que girando sobre sí mismas y/o trasladándose sitúan al espectador en escenarios tan diferentes como la Plaza Roja, un salón del Krémlin, una fría celda, una posada o un palacio Polonés, todo sólo en cuestión de segundos. La concepción visual, escénica y teatral de Hugo de Ana para esta ópera es completa y redonda cuyo dinamismo fluye ágilmente a través del montaje. La acertada funcionalidad planteada por Hugo de Ana para la escenografía permite sin mayor demora el cambio de atmósferas, lugares y situaciones.
El movimiento escénico de los cantantes y su compromiso actoral, más un coro protagónico resultan plenamente convincente justificando los porque y para que de cada movimiento. La ambientación situada en el siglo XVII es reflejada por el elegante diseño y cuidado vestuario atendiendo al colorido y textura de la época. Como iluminador, Hugo de Ana nos detalla delicadamente el cromatismo de la luz y sombra independiente de los matices y atmósferas logrados a través de la composición lumino-técnica.

De las voces principales e intérpretes
Un elenco verdaderamente parejo compone esta mega producción en cuanto a lo vocal y actoral ofreciendo un justo equilibrio. Las voces seleccionadas para los roles coprimarios se complementan con los estelares respaldando a cabalidad el montaje de este “Boris Godunov”. El bajo italiano Roberto Scandiuzzi (Boris), nos regala un atribulado Zar de Rusia cuya fuerza dramática impacta por presencia, voz y actuación. Su composición dramática para el monólogo del reloj resulta excepcional. Una voz de emisión clara y bien colocada con sonidos redondos hacia la zona media-baja de su cuerda donde las complejas emociones que exige el rol resultan creíbles a través de todo el drama cantado. Scandiuzzi posee un buen ritmo en el manejo de la transición emotiva la cual ajusta correctamente a la métrica musical. Maxim Paster; tenor ruso quien encarna al Príncipe Shuisky, se potencia como un muy buen actor sin descuidar lo estrictamente vocal. La calidad de su voz permite entregar los distintos matices que el personaje demanda contrastando vocalmente con la fortaleza dramática del protagónico.
Ahora bien, si antes hablamos de lo parejo y equilibrado que resulta el elenco en cuanto a calidad de voces y actuación; capta poderosamente la atención el bajo estoniano Ain Anger, quien cautiva por la sobriedad y gravedad que otorga a su personaje (Pimen, un cronista), tanto desde el aspecto vocal como actoral. Su voz grave y profunda unida a la presencia imponente y ceremoniosa al interior de una fría celda en el acto I, cobra mayor fuerza hacia el acto IV en momentos que el anciano monje devela al Zar los milagros que ocurren en la tumba del heredero. Mikhail Gubsky, tenor ruso de sólidos y bien colocados agudos encarna a Grigori, el falso Dimitri quien nos pasea por distintas facetas emotivas que demandan el rol, sea este como el monje inseguro, el enamorado pretendiente de la princesa polaca o el atrevido líder que conduce al pueblo a Moscú. Desde los aspectos interpretativos, Mikhail Gubsky logra ricas y contrastantes emociones para su personaje unido a una voz con personalidad y carácter. La mezzo rusa Anna Viktorova, nos entrega una princesa Marina fuera de todo estereotipo. Posee una voz con gran caudal que se oye poderosa en la zona media de su registro. Anna Viktorova convincente como actriz nos regala una ambiciosa, fría y calculadora princesa. El barítono ucraniano Vitaliy Bilyy en el rol de Rangoni, se complementa actoral y vocalmente a la mezzo Anna Viktorova en cuya escena muestra el lado oscuro de su personaje. Solventes los roles de Claudia Godoy (la posadera) y Lina Escobedo(la nodriza).

Del coro, orquesta y dirección musical
Definitivamente el coro resulta ser una gran fortaleza para esta mega producción, si bien estamos acostumbrados a la efectividad, solvencia y profesionalismo de los discípulos del maestro Klastornick, en esta oportunidad el coro se potencia aún más por el gran despliegue escénico que la régie le impone. La dirección orquestal del maestro ruso Konstantin Chudovsky resulta poderosa y soberbia extrayendo de la partita el amplio cromatismo sonoro y riqueza rítmica contenida en las páginas de Mussorgsky. La Orquesta Filarmónica de Santiago cumple una excepcional actuación bajo la batuta del director entregándonos un cuerpo sonoro con solidez más allá de lo acostumbrado.

Gaîté Parisienne / Études...

2011-07-07T11:04:00.000-07:00

Marcia Haydée y Luis Ortigoza en Gaîté Parisienne
Ballet de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

El programa doble compuesto por “Gaîté Parisienne” de Offenbach/Béjart y “Études” de Czerny/Lander, ha ofrecido el Ballet de Santiago en días pasados como parte de la Temporada Artística 2011 del Teatro Municipal de Santiago. Ambas obras consideradas como clásicos del repertorio universal tienen en común el esfuerzo, la dedicación y el arduo trabajo que demanda la profesión del bailarín. La una desde la óptica biográfica como es el caso de “Gaîté Parisienne” y la segunda, un reflejo de la belleza y virtuosismo de la técnica en su estado de máxima pureza en “Études”. Invitados del Ballet Nacional de China la solista Guan Wenting y el primer bailarín Hao Bin como figuras centrales junto al bailarín del Ballet de Santiago Nicolás Caudullo en la segunda parte del programa.

Gaîté Parisienne
Ofrece la historia de un joven aspirante a bailarín que llega a manos de una exigente maestra en París quien a su vez de amarlo, lo tiraniza igualmente para lograr lo mejor de él. Bim, el joven estudiante de danza escapa a su realidad soñando con un mundo ficticio que le permite crear un universo mágico en torno a la danza.

Luis Ortigoza (Bim), compone un personaje ofreciendo una rica variedad de matices en cuanto a emociones e interpretación del joven adolescente. Transita por diversos aspectos almáticos que calan en el espectador. La madurez artística a la que ha llegado el bailarín a estas alturas más allá de los títulos que posee; en esta ocasión, se dan la mano con el virtuosismo y la pirotecnia que le es propia al artista.

Marcia Haydée, se impone por la fuerza dramática en justo equilibrio para el desarrollo del rol. Amorosa, oscura y tirana pero maternal a la vez, es la Madame que nos regala esta artista, quien fuera musa inspiradora de geniales coreógrafos como Cranko, Béjart, Neumeier y MacMillan.

Rodrigo Guzmán (Offenbach), de principio a fin vital, sólido y dinámico. Un comediante fino cuyo histrionismo se amalgama en perfecta sincronía a su calidad danzante y evidente musicalidad. Personajes secundarios en correcta ejecución a cargo de Andreza Randisek, Maite Ramírez, Lidia Olmos, Natalia Berríos, José Manuel Ghiso, Esdras Hernández, Patricio Melo y Nicolás Caudullo.

Nos detendremos en la Condesa de Segur interpretado por Jaime Pinto, rol secundario sin mayores aspavientos; no obstante, se impone por la consistencia y carácter que imprime al rol un artista experimentado. Miroslav Pejic (Ludwig), elegante con peso escénico y correcta ejecución, resultante también de la experiencia y solidez artística. Los amigos en interpretación de Agustín Cañulef, Germán Esquibel, Simón Hidalgo, Lucas Alarcón, Gabriel Bucher y Gabriel Martínez correctos y comprometidos en lo demandado a cada uno; pero es el “Benjamín” de la compañía, Simón Hidalgo, quien nos acapara la atención en medio del sexteto. Limpieza y disciplina artística exhibe en sus evoluciones y cierto brillo que ilumina su ser.

Patricia Cifuentes (Soprano), en el rol de la cantante, desarrolla vocal y teatralmente con solvencia el papel asignado. Exhibe una línea de canto nítida con matices claros cuya voz corre fluidamente por la sala.

Études.
Si de perfección se trata en el arte del ballet, “Études” sería la máxima expresión de este vocablo. Disciplina, destreza, perfección técnica, musicalidad y belleza estética son los contenidos para esta joya del repertorio universal. Si estos elementos no se dan en sincronía absoluta, estamos frente a un sucedáneo de... ¡que es bueno! pero no es original. La Coca-Cola sabe bien, es burbujeante y chispeante, pero más fino y delicado es el Champagne.

Hay principios básicos para que esta obra funcione en rigor. Tanto para la danza, como para la música y el canto rigen dos principios fundamentales que son: el agógico y el dinámico (velocidad y fuerza respectivamente); más a la danza le compete un tercer principio: el principio plástico. Ahora bien, ello conducido bajo el dictado del ritmo, da como resultante el gesto sonoro, que es finalmente lo que apreciamos visual y auditivamente en la danza sea cual sea su género o estilo. La capacidad de bailar en música y no con música hace la diferencia radical en esta joya. Études, un brillante de la coreografía mundial, en esta ocasión ha lucido como un zirkón.

La Orquesta Filarmónica de Santiago bajo la batuta de Pedro-Pablo Prudencio, realiza una lectura e interpretación correcta de las partituras de Offenbach y Czerny para el programa referido. El maestro Prudencio condujo con pulso adecuado la ejecución de las obras danzadas. José Luis Fiorruccio, respalda lumínicamente los requerimientos de ambas obras generando interesantes cambios de atmósferas.

Hugo Zárate y su noche de ballet...

2011-06-08T13:22:00.000-07:00

Estudio de Danza “Hugo Zárate” – Chillán

Con motivo de las celebraciones de los 431 años de la fundación de Chillán el 26 de Junio de 1580, este sábado último recién pasado la llamada “Silla del Sol” (en mapudungún), o también conocida como “Cuna de la Patria” o “Ciudad de Artistas”, esta ciudad se vistió de gala para recibir la belleza del ballet y la danza en su principal escenario, el Teatro Municipal de Chillán. Si bien la sala aún luce en pañales para acoger la excelencia de este tipo de espectáculos; los coterráneos de Ramón Vinay, Claudio Arrau, Marta Colbin, Marta Brunet, Victor Jara y Bernardo O'Higgins entre otras celebridades oriundas de aquella localidad, disfrutaron de una gran noche de ballet convocada por Hugo Zárate, hoy maestro y ex-bailarín profesional del Ballet de Santiago.

El “Estudio Hugo Zárate” de Chillán y el Ballet Juvenil dependiente de la misma institución, entregaron a los asistentes a la sala chillanense un trabajo bastante serio y profesional realizado por el maestro argentino avecindado en dicha ciudad. Así también, se contó con invitados especiales como la Escuela Arte Ballet que dirige Johann Ortiz y los bailarines María Lovero y Edison Araya del Ballet de Santiago. La jornada tuvo como principal exponente a los alumnos de la escuela chillanense en sus distintos niveles, desarrollando su quehacer artístico en el estilo clásico preferentemente. Es necesario detenerse en este punto, pues vemos con agrado el elaborado trabajo, fino y documentado de la técnica académico-clásica en manos de un artista formador que tiene a su haber la experiencia de haber sido un profesional del ballet. Ello es notorio al momento de ver a los alumnos en escena; pues reflejan el estilo y profesionalismo de su guía referente. Por lo mismo se puede decir que en Chillán se baila, pues una cosa es moverse y otra muy distinta es ¡bailar! Ahora bien, para un mayor desarrollo y avance del camino iniciado por el maestro Zárate, la pronta subida a las puntas se hace necesaria y de paso eliminar aquellos molestos e incómodos kilos excedentes que hoy día lucen algunas bailarinas del Ballet Juvenil. Destacamos la participación de los adolescentes Monserrat Villar y Gabriel Valencia en la “Pequeña Suite Danzante” - valores formados por el maestro Hugo Zárate -, y especialmente a la juvenil Victoria Peralta por su calidad danzante en las diferentes intervenciones del programa.

María Lovero y Edison Araya, ambos artistas del Ballet de Santiago hicieron lo propio interpretando el Pas de Deux del Acto II del “Lago de los Cisnes”, con música de Piotr Ilich Tchaikovsky y coreografía de Petipa/Ivanov. Si bien, en términos generales se visualizó el Pas de Deux en su diseño original, el mismo se vio un tanto eclipsado por falta de manejo adecuado, firme y seguro en el trabajo de partenaire.

Los solistas de la Escuela Arte Ballet demostraron alta madurez, excelencia técnica y gran compromiso interpretativo en las obras presentadas. “Nuestros Valses”( extracto) de Vicente Nebrada y música de Teresa Carreño, brilló por la fluidez de sus movimientos, musicalidad y elegancia en cada evolución y resolución de los lift. Los bailarines Andrés Barrientos y Cristian Ulloa - fortalezas de la agrupación -, se entregan a la danza con solvencia técnica y dominio escénico; pues la difícil ejecución de la coreografía en cuanto a velocidad, y musicalidad tiene en ambos artistas a dos sólidos partenaires. Las bailarinas Cindy Carreño y Odette Mercado en sus diferentes temperamentos dejan la vara muy alta como bailarinas intérpretes. El gran sentido danzante de ambas y el compromiso escénico aún más allá de cualquier dificultad técnica, les permite fluir en la escena con delicadeza y soberbia a la vez.

Concluyó el programa con la interpretación magistral del Pas de Deux de “Don Quijote” en una particular revisión del director artístico Johann Ortiz, para el clásico de Marius Petipa interpretado por Cindy Carreño y Andrés Barrientos ante los arrebatadores aplausos del respetable. Finalmente acotar, que jornadas artísticas de alto vuelo como las que comentamos en estas líneas, ameritan con urgencia la finalización de la obra en términos concretos y equipamiento del Teatro Municipal de Chillán para albergar en propiedad este tipo de magnos eventos.

Tosca, sólido dúo vocal y fina puesta escénica...

2011-05-26T10:21:00.000-07:00

Archivo Teatro Municipal de Santiago

Transcurridos ya 111 años desde su estreno en el Teatro Constanzi de Roma, la historia de la heroína que muere por amor continua deleitando a los amantes de la ópera como así también suma nuevos adeptos en cada reposición. La intensidad dramática del argumento, el perfil psicológico de sus personajes junto a la belleza armónica de la composición y los antecedentes históricos que llevaron a crear este drama musical, hacen de la ópera Tosca una obra maestra. La partita del maestro Giacomo Puccini con libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa basado en el drama, La Tosca de Victorien Sardou; inauguró exitósamente por estos días la Temporada Lírica 2011 del Teatro Municipal de Santiago.

La régie del maestro italiano Pier F. Maestrini, expone y transparenta los contenidos más oscuros de la trama y los aspectos psicológicos de los personajes para llevar el desarrollo de la obra hacia un final de lógica convincente, sin que nada interrumpa o escape a la lectura fluida por parte del espectador. La soprano portuguesa Elisabete Matos, nos regala la solvencia de una Tosca cuya fuerza dramática mantiene a lo largo del drama cantado. Los aspectos técnicos de su voz dan cuenta de una fina línea de canto y gran caudal logrando los agudos con naturalidad y adecuada colocación. Un sentido lamento nos entrega en su interpretación del “Vissi d'arte” acaparando arrebatadores y sostenidos aplausos de la audiencia. El tenor coreano Alfred Kim (Mario Cavaradossi), hace gala de sus dotes vocales y actorales con solidez extrema conduciendo su interpretación con absoluta fluidez, la cual mantiene a lo largo de las 2.40 hrs. que dura aproximadamente el drama cantado. Poseedor de un soberbio agudo cuya voz corre con bella sonoridad tanto en los pianos o fortes sin mediar dificultad alguna. Su acabada interpretación de “Ricondita Armonia” y un emotivo “E lucevan le stelle” hacia el final, dejan entrever su idoneidad recibiendo el premio efusivo de la audiencia. Sergei Leiferkus, barítono de origen ruso responsable de encarnar al retorcido y lujurioso Barón Scarpia; si bien su desempeño actoral es comprometido y convincente, dista significativamente de los antecesores en cuanto a desempeño vocal. La profundidad baritonal requerida para este rol pasa un tanto desapercibida quizás por una colocación un tanto tenoril hacia el registro medio de su voz. El bajo uruguayo Marcelo Otegui (Angelotti) correcto en su breve intervención la cual viene indirectamente a ser el detonante de la tragedia. Ricardo Seguel, (Sacristán), Andrea Betancourt (Pastor) y Pablo Ortíz (Spolletta) apropiados en sus respectivos roles.

La escenografía y vestuario cuya firma corresponde al chileno Pablo Núñez, dejan entrever un cuidado trabajo de investigación y buen gusto. Se agradece la concepción del artista Pablo Núñez, respetando lugar y época conforme a lo estipulado por el autor musical. El colorido y textura de vestuario reflejan claramente la época en que la historia transcurre. La iluminación de Ricardo Castro da el marco adecuado para esta Tosca, logrando intimidad y dramatismo en las diversas ambientaciones.

José Luis Domínguez al frente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, nos entrega una lectura cuidada de la partita logrando momentos de profundo dramatismo hacia el acto II. El Coro del Teatro Municipal dirigido por el maestro Jorge Klastornick, una vez más da muestras de su alto profesionalismo y desempeño escénico; especialmente en la interpretación de la plegaria hacia el final del Acto I, el Te Deum.

Finalmente decir, los más altos exponentes de esta producción los encontramos sin duda en las voces de Elisabete Matos y Alfred Kim, más la bella y acabada concepción de Pablo Núñez para la puesta escenográfica. “Tosca”, obra maestra del repertorio verista italiano, bien podría ser repuesta anualmente en la sala capitalina sin temor a equivocaciones.

Drácula, de los Cárpatos al Municipal...

2011-05-02T20:52:00.000-07:00

Lidia Olmos - José Manuel Ghiso

Ballet de Santiago

Fotografía: Patricio Melo

La firma del coreógrafo inglés Ben Stevenson y el soporte musical de Franz Liszt en arreglos de John Lanchbery, recrean el universo críptico del mítico Conde de Transilvania; no obstante a momentos el peso escénico de los protagónicos y la fluidez de la narrativa elegida por el coreógrafo parecieran diluirse. Drácula, corresponde al primer título de la Temporada Artística 2011 que nos brinda el Ballet de Santiago, bajo la dirección artística de Marcia Haydée.

De la coreografía
Si bien la concepción artística de Ben Stevenson para esta mega producción se aleja en términos puntuales de la novela de Bram Stoker, el artista opta por una línea argumental muy personal para dar agilidad a las escenas de baile. Su opción podría considerarse válida... sin embargo, ciertos nudos dramatúrgicos no resueltos restan peso argumental. Sin duda, el gran mérito de la producción, la cual está tratada con una óptica absolutamente cinematográfica, radica en la excelencia de los efectos especiales cautivando por la atmósfera generada. Nos presenta el acto I (La Cripta en el Castillo de Drácula) una lograda escenificación en cuanto a tempo, color y vestuario para el despertar de Drácula desde su sarcófago acompañado de un séquito de 18 concubinas vampiresas entregadas a una danza casi ritualista. Hermosa danza, fino delineamiento escénico apoyado por vuelos aéreos que impactan al espectador; pero es aquí donde asistimos al primer entuerto dramatúrgico. Una danza en extremo larga, que en términos concretos no cuenta nada sobre todo se piensa en un preámbulo para la aparición de Flora, doncella que irrumpe en escena por voluntad propia. Interesante habría sido entregar un poco más de contenido argumental en cuanto al desarrollo de este personaje relativo a su elección y motivación para entregarse y ser seducida por el Conde Drácula. Su ingreso en la carroza acompañada de Renfield (sirviente de Drácula), es verdaderamente sobrecogedor por el realismo logrado. Seguido de ello, ambos protagónicos (Drácula y Flora) se entregan a un bello Pas de Deux, donde Flora sufre la transmutación de doncella a vampiresa, para finalizar el acto I con la mordida lujuriosa y ávida de sangre fresca por parte de Drácula.

El acto II nos lleva a una comarca (de seguro ambientado en los Cárpatos Meridionales de la antigua Rumania), donde los parroquianos reunidos en torno a las celebraciones del cumpleaños número dieciocho de Svetlana, hija de los posaderos del villorio, desarrollan la acción en medio de alegres danzas. Aquí el coreógrafo hace gala de su capacidad creativa como compositor de bailes, abordando para ello las danzas características más un elaborado Pas de Deux de los novios. Sumados a este jolgorio, amigos y familiares de la novia más el sacerdote de la villa, son bruscamente interrumpidos por el rapto de la joven aldeana en manos de Drácula, quien sediento de lujuria se ha enterado de la belleza de la joven Svetlana.

La trama se dilucida en el Acto III el cual tiene como escenario la alcoba del Conde Drácula. Flora y las concubinas vampiresas entregadas a una frenética danza esperan el retorno de su amo. El Conde arriba en su carruaje con la joven Svetlana para dar paso al rito de iniciación de la misma. Aquí la esencia creativa de Ben Stevenson fluye a través de sus Pas de Deux. Un elaborado y bien compuesto dueto entre Drácula y Svetlana cautiva la atención por la belleza de sus evoluciones y alzadas. El ritual se ve detenido por la llegada de Frederick - novio de la joven Svetlana - en compañía del sacerdote. Si bien la línea argumental está clara, notamos que el final es resuelto de forma apresurada restando dramatismo que debiera contener. Un sacerdote con poco peso dramático en cuanto al desarrollo e importancia que le cabe en la historia, debilita el poder y significado de la cruz. La lucha entre el bien y el mal en franco desequilibrio, Si bien el reino de la luz triunfa ante las tinieblas desintegrando al maléfico Drácula, el efecto elegido para su desaparición se aprecia un tanto infantil. La explosión casi infartante para hacer desaparecer al Conde de Transilvania, quiebra violentamente la atmósfera lograda. El novio rescata a su prometida y Renfield en su desesperación concluye en círculos mientras su amo cuelga de una lámpara.

De los intérpretes
José Manuel Ghiso, primera figura del Ballet de Santiago, nos entrega una muy buena composición del personaje (Drácula) en términos actorales. Un verdadero Don Juan de las tinieblas; oscuro, maléfico y seductor a la vez. Si bien sus escenas de baile son bastante bien logradas en el concepto técnico de la danza, a momentos se diluye en cuanto a dramatismo. Su mejor exposición danzada y musical se aprecia durante el Pas de Deux junto a Lidia Olmos (Flora) en el acto I, y en el Pas de Deux del acto III en compañía de Maite Ramírez (Svetlana); Lidia Olmos (Flora), convincente en la evolución de doncella a vampiresa, sólida en su danzar entregada a la seducción; sin embargo su dramatismo se diluye en el acto III; quizás por falta de contenido en la línea argumental de su personaje; Maite Ramírez (Svetlana), jovial y chispeante durante el acto segundo nos entrega su danza comprometida y es en el acto III donde apreciamos su mayor capacidad interpretativa; pues logra un clímax bastante interesante en la escena de iniciación a futura vampiresa. Bailarina elegante y musical de fino danzar y bella figura. Lucas Alarcón (Frederick) cumple dignamente su rol. Si bien en términos estético lineales su danza se ve algo dura a momentos, el mismo sale airosamente ante las exigencias técnicas impuestas por el autor coreográfico. Carlos Inostroza (Renfield), nos entrega un personaje comprometido que va de menos a más durante la evolución de la obra. Personajes secundarios y cuerpo de baile entregan un gran desempeño y limpieza técnica. Mención especial merece el desempeño de las 18 novias vampiresas. A momentos nos evocan a “la Willis” o “Las Bayaderas” del Reino e la Sombras; pero quizás es sólo por la disciplina, ajuste y musicalidad que las mismas requieren. Estos tres conceptos se ven reflejados notoriamente en la creación de Ben Stevenson.

De la escenografía, iluminación y vestuario
Es quizás, el o los elementos más potentes de la producción. Una lograda escenografía compuesta por Tom Boyd recrea la ambientación necesaria para el desarrollo del ballet apoyado magistralmente en el vestuario creado por Judanna Lynn, en cuanto a colores, diseño y texturas apropiados para las exigencias de la danza. Finalmente el soporte lumínico diseñado por José Luis Fiorruccio es sólido y certero logrando la atmósfera que la temática requiere.

De la música, dirección y orquesta
Definitivamente la partita del gran Liszt no es para ballet si lo pensamos en términos de “oreja”; no obstante toda música es bailable si se sabe encontrar los soportes dinámicos y rítmicos implícitos en cada obra musical. Ben Stevenson no pudo haber elegido mejor autor para su creación, pues genera la atmósfera oscura que requiere su ballet. El coreógrafo sabe encontrar en medio de la música programática por excelencia de Franz Liszt, los acentos necesarios para su danza y desarrollo coreográfico. Música no fácil de bailar, pues requiere de especial atención por parte de los bailarines para incorporar el drama sonoro al movimiento. José Luis Dominguez, al frente de la Orquesta Filarmónica realiza una ajustada lectura de la partita llevando el tempo adecuado para la danza, aún en momentos casi insostenibles. La ejecución de los artistas la Orquesta Filarmónica, a la altura de la compleja y exigente partitura de Franz Liszt.

Conclusiones
Mas allá del análisis realizado por quien escribe estas líneas, la obra es valiosa y un verdadero aporte al repertorio universal del ballet. Se piensa que la presente producción debiera contemplarse para la Temporada 2012 del Ballet de Santiago.

Alda Reyno y la alegría de vivir...

2011-02-07T10:47:00.000-08:00

Alda Reyno Freundt

Junto a ella los tiempos difíciles se hacían llevaderos y las penas pasaban a tiempo de gacela.

Alda Reyno, quien fuera uno de los pilares fundacionales de la danza en la región de Valparaíso, dejó de existir en la madrugada del 5 de Febrero en la ciudad de Viña del Mar, a la edad de 90 años. Discípula de Doreen Young y más tarde colaboradora incondicional de la misma, desarrolló una importante labor artística en el campo de la danza y el ballet, siendo pionera en la inserción de la danza en la escolaridad.

Nueve décadas regaló el Soberano Dios Todopoderoso a la indómita Alda Reyno, quien amó la vida disfrutando del arte y la danza como pocas. Nacida en Taltal se trasladó junto a sus padres a vivir al puerto de Valparaiso y con apenas cuatro años de edad se incorporó a la Academia de Danza Clásica de Doreen Young. Convertida en una jovencita y titulada de profesora, rindió exámenes ante la Escuela Normal Superior “José Abelardo Núñez” de Santiago, obteniendo el permiso para dirigir su propio colegio, instancia que hizo propicia para incluir la danza en los programas de estudios regulares allá por el año 1949.

Mujer de gran belleza y enormes ojos azules, carácter jovial y entretenida personalidad, Alda Reyno contagiaba su entusiasmo y vitalidad a cualquiera que cruzara su caminar. Nadie quedó ajeno al magnetismo envolvente que poseía, mujer decidida con pensamientos y actuar de avanzada para la época. Independiente absoluta, le importó un soberano cuesco convertirse en madre soltera y mucho menos el "que dirán". Uno de sus pretendientes más serios, después de Victor Carretero - padre de su hijo Eduardo -, fue el presidente Salvador Allende.

Alda Reyno supo encauzar su vida de modo inteligente transformándose en un verdadero aporte a la educación y la cultura de la época. Fundó su propio colegio "Jardín Infantil y Preparatorias Alda Reyno”, más un anexo en el Cerro Alegre y una Academia de Danza Clásica en los altos del ya desaparecido Teatro Victoria en la céntrica Av. Pedro Montt.

Paralelamente a la actividad docente, participó activamente como bailarina gozando de gran prestigio y conquistando centenares de admiradores y aplausos por doquier. Formó pareja artística con destacados maestros, bailarines y coreógrafos de aquellos años, entre ellos Plinio Oriansky, Elbio Cosentino y el recordado Paco Mairena, entre otros.

El terremoto de 1965 destruyó por completo el Teatro Victoria y, por consiguiente, la escuela de su propiedad instalada en el tercer piso de aquella sala porteña. Por algún tiempo, Alda Reyno continuó con el anexo del Cerro Alegre para cerrarlo definitivamente a finales de los 60. Con 51 años, tomó la firme decisión de convertirse en alumna nuevamente, pero esta vez se adentraría en los secretos de la danza española. Posteriormente y ávida de conocimientos, se inscribió en la ex-Escuela Coreográfica del Ministerio de Educación, dirigida entonces por Malucha Solari. Los años 72 y parte del 73 la acogieron las salas de la Escuela de Danza de la Universidad de Chile formando parte del curso de Pedagogía en Danza.

La vida y obra de Alda Reyno quedaría registrada en el libro “Una danza vivida” de las autoras Alda Reyno (su nieta) y Mariela López, que nos cuenta de la calidad humana de esta extraordinaria mujer, su faceta artística y la fortaleza ante los embates de la vida; pero por sobre todas las cosas, su inmensa alegría de vivir.

La danza regional le conoció participando del consejo sabio que tenía a flor de labios, la crítica severa y bien intencionada, o simplemente disfrutando de la clase diaria, ya que era frecuente verla en el salón tomando clases con sus ya bien puestos 80 años.

Junto a ella los tiempos difíciles se hacían llevaderos y las penas pasaban a tiempo de gacela; pero la tristeza y el dolor llegarían implacablemente a su vida el 2004. La partida de Jorge Pizarro, su pareja de toda la vida, y al año siguiente la muerte repentina de su hijo único, Eduardo Carretero, señalarían el inicio de su tardía vejez.

Desde aquellos días, el soplo de vida comienza lentamente a apagarse en la vida de Alda, refugiándose en los recuerdos evadiendo todo contacto con el mundo real.

Sin duda, tanto a su familia como a alumnos y compañeros de arte, nos queda la enorme satisfacción de haber compartido con una gran mujer, cuya alegría de vivir fluía arrebatadoramente de sus poros.

Queda simplemente decir... hasta pronto Alda querida, tus enseñanzas y legado nos acompañarán en nuestro caminar .

Rememorando a Rubén Chayán y su arte...

2011-01-18T12:12:00.000-08:00

Rubén Chayán
“Niño Brujo”
Centro de Documentación de las Artes Escénicas
Teatro Municipal de Santiago

Profundo pesar ha causado en el medio balletómano nacional la inesperada partida de este mundo del artista de ballet Rubén Chayán, bailarín argentino que tuviera destacadísima presencia en la escena nacional a fines de los 70 e inicio de los 80. Rubén Chayán falleció en Mar del Plata el 7 de enero, a la edad de 70 años y víctima de un cáncer a la médula.

La memoria nos lleva al año 1977, cuando el artista argentino - primera figura del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires – irrumpió fascinantemente en la escena nacional. Sin dudas fue una acertada decisión la de Rosario Llansol, directora del entonces Ballet del Teatro Municipal (1975 – 1979) y de los directivos del teatro al incorporarlo a las filas del elenco capitalino.

La aparición de Rubén Chayán (danseur noble por excelencia) en la escena del municipal, llamó poderosamente la atención tanto del habitué como de los bailarines. La elegancia y fineza de su danza, técnica impecable y el brillo de sus saltos destacó notoriamente sobre el contingente masculino del elenco del Teatro Municipal. Obras como “Niño Brujo”, Pas de Deux de “El Corsario” y tercer acto de “Raymonda” fueron la carta de presentación el año de su llegada, dando cuenta del enorme talento de este artista.

Más adelante compartió roles estelares con destacadas solistas del teatro, como lo fueron Verónica Angulo, Norma Velasco, Carmen Pérez y Ma. Fernanda Contreras; como también, junto a las primeras figuras de la época, entre ellas Diana del Solar, Ma. Eugenia Candia, Mirta Furioso, Viviana Lubertino y Sara Nieto. Su estadía en el país se prolongó hasta mediados de 1982, subiendo a escena por última vez en “La Fille Mal Gardée”.

Quizás lo más llamativo de este artista pudieron advertirlo quienes compartieron el día a día con él. Tres cualidades daban cuenta de su integridad: calidez, humildad y sencillez. Lejos de sí estaba el divismo o porte de estrella. De carácter más bien tímido, sonrisa afable y fino sentido del humor; le recordamos dispuesto a colaborar con quien le solicitara ayuda, compartiendo un profundo respeto hacia sus compañeros de baile y no permitiendo jamás la distinción jerárquica dentro de la compañía. Entretenido partenaire para extensas conversaciones y conocedor de las artes en profundidad. Solía ser un grato compañero de tertulias hasta horas avanzadas.

De regreso a su país, dedicó mayormente su tiempo y talento a la formación de nuevos artistas, a la coreografía y la dirección artística. El Ballet Estable del Teatro Colón le tuvo entre sus directores, como así también el Elenco del Ballet Estable de Bahía Blanca al sur de la Provincia de Buenos Aires. Sin embargo, su corazón siempre estuvo en el balneario de Mar del Plata, eligiendo esta última ciudad para entregar la mayor parte de sus enseñanzas.

Iniciada la década del 2000, se radica por un par de años en Cagliari – Italia, donde comparte sus conocimientos, arte y sabiduría con centenares de alumnos que hoy a la distancia le recuerdan y lloran su partida. De vuelta nuevamente al terruño, desarrolla una importante labor como repositor del repertorio y coreógrafo de sus propias obras en distintos elencos de la República Argentina.

Concluimos estas breves palabras dedicadas a un hombre y artista querido y respetado en el medio chileno, quien a través de su arte y su danzar fue aclamado, vitoreado y reconocido en este país por la excelencia demostrada. El público de ballet y tus compañeros de arte, te llevamos por siempre en el corazón. ¡Hasta pronto Rubén...!

Lago de los cisnes en la mira de Marcia Haydée...

2010-12-06T11:02:00.000-08:00

Escena del "Lago de los Cisnes - Ballet de Santiago

Fotografia: Patricio Melo

Las nuevas lecturas para los grandes clásicos no siempre resultan ser felices o al menos comprensibles en la totalidad de la narrativa que se expone. El martes 30 de Noviembre recién pasado el Ballet de Santiago presentó la 4ta. función de “El lago de los cisnes” para la temporada en revisión coreográfica de su Directora Artística, Marcia Haydée. El tradicional antagónico (Rothbart) esta vez asume un rol definitivamente más protagónico. Ciertas conexiones en la dramaturgia no resueltas del todo permiten que esta versión tenga algunos altibajos en el desarrollo total de la obra. La escenografía y vestuario amén del estilo y pureza de las danzas características, constituyen una de las mayores fortalezas.

De la coreografía:
La artista y creadora Marcia Haydée nos entrega una muy particular visión de “El lago de los cisnes”, obra cumbre del clasicismo coreográfico universal. La coreógrafa recurre a un mayor realismo volviendo a las raíces de la historia (leyenda germana) por sobre el romanticismo establecido siguiendo quizás, su propio concepto argumental; no obstante pudimos apreciar ciertos tropiezos en el desarrollo dramatúrgico. Inicia su creación con un Rothbart seductor del género principesco a través de sus cisnes encantados. ¿Por qué... y para qué atrapa a los príncipes? ¿Cómo damos cuenta de aquello? No queda claro. La escena primera - de las cavernas - no tiene conexión directa o enlace temático con la siguiente inmediata. Un Rothbart ambiguo alejado de la maldad y la oscuridad que le es propia al personaje, se nos presenta como un ser alado emulando un cisne a momentos o a un vertebrado reptor escamoide en otras. ¿Animal u Hombre?.

La escena segunda - celebraciones del cumpleaños - llena de colorido, danzas vistosas bien estructuradas desde el movimiento y la composición danzada tienen su correspondiente sustracción en lo estrictamente musical. Si bien, en su mayoría los fraseos coreográficos son interesantes y felizmente resueltos, otros definitivamente quedan en compás de espera. Se advierte en Pas de Cinq (varones) algunas dudas en cuanto a tempos musicales o bien ejecución equívoca por parte de los intérpretes. Los mismos lucen magistralmente dispares en la pasada. El acto blanco no logra el brillo mística y lirismo que le es característico aun cuando se mantiene la base coreográfica de Ivanov – Petipa. El solo de Sigfrid después del Pas de Deux, es hermoso en términos de danza y musicalidad pero no concluyente para la trama.

La escena primera del acto segundo - baile en Palacio - es quizás lo más relevante y logrado en esta versión. El gran despliegue de movimientos, el cuidado estilo de las danzas características (aporte de Tom Bosma), más una soberbia y pulcra ejecución de las mismas por parte de los artistas del Ballet de Santiago, cautivan de inmediato. La escena segunda y tercera del Acto II conducen a la resolución de la línea argumental trazada por Marcia Haydée. Aquí nos planteamos otra interrogante: Si los cisnes recobran su voluntad y dominio propio permitiéndoles revertir el hechizo que Rothbart ejerce sobre Odette y los cisnes... ¿Odette no debería quedar presa del encantamiento e impedida para unirse en vida junto al príncipe Sigfrid tras la muerte de Rothbart?

De los intérpretes:
Alain Honorez, soberbio bailarín de origen belga encargado de dar vida a Rothbart. Más allá del análisis referido en el párrafo anterior observamos en él, un disciplinado artista con fuerte personalidad escénica y gran dominio de los aspectos técnicos de la danza. Hermoso manejo de torso, elegante y ondulante fluidez de brazos, algo no usual en el contingente masculino. Luis Ortigoza encarnando al príncipe Sigfrid da muestras de un crecimiento artístico mayor además de ser un fino danseur noble ideal para el rol principesco. Su danza, absolutamente controlada no deja nada al azar. Interesante es el desarrollo artístico que él ha experimentado en este último tiempo, lo cual le equipara al depurado virtuosismo que el artista posee. Natalia Berríos, bailarina e intérprete en ascenso permanente nos entrega una Odette/Odile con fuertes matices líricos y dramáticos a la altura de las grandes bailarinas para este complejo rol. Sus brazos y movimientos de cabeza reflejan un cuidadoso y delicado estudio. Solistas y cuerpo de baile mayoritariamente disciplinados y precisos en lo técnico y musical. Rodrigo Guzmán e Ingrid Fuchslocher se hacen notar en las danzas Española y Rusa respectivamente.

De la iluminación, escenografía, vestuario y música:
José Luis Fiorruccio logra acertadas atmósferas en cuanto a iluminación. La concepción de luz y sombra en ambas escenas de las cavernas son bellísimas. La escenografía de Pablo Núñez es verdaderamente hermosa. La gama de colores utilizados muestran una elegante puesta escénica. El vestuario es rico y variado en tonalidades y texturas reflejando el carácter de cada pueblo en el Acto II. La Orquesta Filarmonica conducida por el maestro José Luis Domínguez, cumple el rol acompañante con un Tchaikovsky compacto en cuanto a sonoridad. Interesante arreglo orquestal de Albena Dobreva y el juego instrumental al que recurre. Solo decir, que sentimos ciertos pasajes “arrastrados” innecesariamente en cuanto a velocidad.
Conclusiones:
Comprendemos la apuesta de Marcia Haydée valorando el genuino interés por ella elegido para una lectura diferente de este clásico del ballet; pero quizás, una definición más acotada en términos dramatúrgicos y sus consecuentes resoluciones, nos permitiría una mejor asimilación de lo que la artista nos quiere entregar.

Thaïs, del pecado a la santidad...

2010-11-09T05:39:00.000-08:00

Fotografía: Archivo Teatro Municipal de Santiago

Conmovedor final de la Temporada Lírica del Teatro Municipal de Santiago este año de 2010. El regreso de Thaïs, de Jules Massenet y libreto de Louis Gallet basado en la novela de Anatole France; sin dudas, fue una acertada elección por parte de los directivos del teatro. Después de Elektra y Macbeth, cuyas pasiones, envidias y sangre derramada nos sacudieron fuertemente; esta apasionante historia, la cual transita entre el pecado y la santidad de la protagonista, viene como un bálsamo acariciador. Tras 66 años de ausencia de nuestro primer coliseo lírico, ha vuelto la bellísima e inspirada melodía de “Meditación” no como pieza de concierto, sino como parte fundamental de la trama argumental de la ópera. Los protagónicos a la altura de las exigencias que demanda la obra; y una vez más, el Coro del Teatro Municipal y la Orquesta Filarmónica de Santiago suenan excelentemente sincrónicos.

Sin grandes complejidades psicológicas en cuanto a los personajes de esta ópera, la historia de Thaïs, transita entre lo sensual y lo místico para terminar con la muerte de la protagonista. La música del compositor francés Jules Massenet rica en sonoridad y elegancia melódica, si bien no contiene arias que puedan retenerse a primera oída; es el famoso intermezzo para violín y orquesta cuya angélica melodía la que nos cala profundamente.

“Meditación”, el intermezzo cuyo respaldo musical sirve de fondo para la escena redentora de la cortesana Thaïs, es sin duda junto a la escena final - muerte de Thaïs - una de las más sublimes de toda la trama. La historia en breves palabras: Thaïs, actriz y sacerdotisa del culto a Venus, es confrontada en su pecado y desafiada por el joven monje cenobita Athanaël, quien ha propuesto en su corazón convertila y llevarla por el camino de la santidad. El monje lucha interiormente consigo mismo; pues se siente atraído fuertemente por la belleza de la cortesana, no obstante ora a Dios para que le fortalezca y evite caer en tentación. Athanaël logra su propósito, Thaïs abraza la fe y se retira a una comunidad religiosa entregada a una vida penitente y de oración. Athanaël consumido por la pasión que siente por Thaïs, vuelve a visitarla para decirle que todo era una mentira y sólo el amor es lo que importa en la vida. Para ese entonces, Thaïs entregada en un profundo éxtasis espiritual y fascinada ante las visiones celestes, muere en medio del dolor y desesperación de Athanaël.

La soprano estadounidense Elizabeth Futral (Thais), cuyo físico califica para el rol de la sensual cortesana se impone por presencia. Poseedora además una finísima y bien trabajada línea de canto, la misma que le permite emitir nota por nota en la altura correcta. Convincente como actriz y sobria en la transición de lo estrictamente lírico hacia lo dramático del acto final. Agudos maduros con buen apoyo y emitidos con absoluto control.

La función a la que asistimos fue la del martes 2 de Noviembre donde actuó Leonardo Neiva (Athanaël), joven y apuesto barítono brasileño quien cautiva por la belleza de su voz y color. Una voz joven que en ciertos pasajes suena con timbre tenoril, posee además un correcto y elegante fraseo. Evidentemente una voz en desarrollo la cual ofrecerá en el futuro mediano gratas sorpresas. Cumple acertadamente el rol del monje siendo plenamente sólido en su calidad actoral.

Digna participación del tenor chileno Gonzalo Tomckowiack en el personaje secundario de Nicias. Si bien, su voz exhibe cierta dificultad en la proyección por encontrarse alojada más bien en la garganta que en la máscara, así y todo es posible comprender su texto cantado excepto en el tutti de la orquesta. Pensamos que el artista puede desarrollar mayormente su voz si busca ayuda idónea, y de paso corregir dicho problema logrando una correcta colocación y un timbre con mayor belleza y brillo. Lina Escobedo (Albina), breve intervención pero llena de autoridad escénica y vocal; Miriam Caparotta (Myrtale) y Pamela Flores (Crobiyle), ambas compenetradas en el rol de las esclavas con buen desempeño vocal. Solida intervencion del Coro del Teatro Municipal dirigido por el maestro Jorge Klastornick. La belleza armónica del coro masculino en la escena primera del acto I es especialmente conmovedora.

Pablo Núñez realiza un buen aporte en cuanto a la régie, utiliza bastante bien el espacio en un buen equilibrio escénico-visual. El vestuario colorido y la sobriedad escenográfica que incluye sólo elementos, ofrecen un buen respaldo a la línea argumental de la obra. Si bien se extraña la majestuosidad de la época en cuanto al reflejo arquitectónico, la misma es solucionada hábilmente. Momentos de gran belleza ofrece la iluminación propuesta por Ricardo Castro.

La dirección orquestal bajo la batuta de Jan Latham-Koenig conduce elegantemente a los músicos de la Filarmónica; quienes a su vez, traducen las distintas atmósferas que sugiere la partitura de Jules Massenet. Lamentamos eso si, la restricción en cuanto a espacio, diseño de piso y planimetria para el lucimiento e intervención del ballet, el cual no se puede apreciar en lo referente a movimientos y mucho menos, al aporte coreográfico de la maestra Georgette Farías.

Cuando la adversidad nos brinda una mano...

2010-11-01T15:27:00.000-07:00

Mario Paredes, frente a la Orquesta Juvenil de Piracicaba – Sao Paulo - Brasil

La vida presenta ciertos reveses a determinadas personas que transitan por este mundo sorteando a veces intrincados caminos, duras pruebas y dolorosas decepciones antes de consolidarse el rumbo definitivo para ellos trazado. En medio de la angustia, con frecuencia se tiende a culpar a terceros sobre la mala fortuna, al destino o simplemente a las injusticias de la vida; más lo cierto, es que toda situación venida y/o por venir, está bajo el absoluto control del Altísimo y en su tiempo ha de manifestarse el propósito para ellos concebido. Este es el caso de Mario Paredes, ex-bailarín, hoy director de orquesta; quien desde la adolescencia estuvo ligado al Ballet del Teatro Municipal de Santiago, a la música y al arte. Por espacio de doce años aproximadamente, el teatro de la calle Agustinas se convirtió en su casa laboral y eje motor de su existencia; sin embargo, un día las puertas del templo de las artes capitalino, para él se vieron cerradas de par en par sintiendo que el mundo a su alrededor caía a pedazos.

Descubriendo la danza.
A finales de marzo de 1979, Mario Paredes con 18 años de edad se aproximó a la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, a sugerencias de un compañero de curso quien en clases de Educación Física, observó en él, una muy buena elongación y físico enjuto; por lo cual le motivó para que se acercase a la Escuela de Ballet del Teatro en la posibilidad de desarrollarse en el campo de la danza.

Cumplidos los exámenes pertinentes y trámites de rigor, Mario Paredes comienza sus estudios de danza bajo la mirada atenta de Alicia Targarona, experta maestra por aquel tiempo de la Escuela de Ballet del Teatro. Durante ese período, el novel estudiante de danza pudo ver y compenetrarse a la distancia con el trabajo diario de la compañía de ballet, sus artistas; además de su secreta admiración por la bailarina Rosario Llansol – primera figura y directora de la compañía en aquellos años - quien llamaba especialmente la atención del adolescente, por ser uno de los rostros más bellos que el aspirante a bailarín, hasta entonces había podido conocer.

Al año siguiente, Octavio Cintolesi volvía de Europa y tomaba la dirección del conjunto de baile. Una tarde de mayo de 1980, terminada la jornada de la compañía, el director asiste a observar la clase de la maestra Alicia Targarona... en aquel momento, el futuro artístico queda sellado para el estudiante de ballet vinculándolo desde aquel instante a la compañía profesional. Terminada la clase el director Octavio Cintolesi, le invita a participar del trainnig de la compañía y al cabo de dos meses, Mario Paredes firmaba su primer contrato laboral. De pronto, el ahora profesional se veía con bastante dinero en sus manos, el cual bien administró ayudando a sus padres proveyéndoles de lo necesario para un mejor pasar.

Su labor profesional disciplinada y responsable, le permitió conocer todo el repertorio clásico, nuevos desafíos coreográficos, giras nacionales e internacionales, otras culturas y nuevas lenguas. Durante su estadía en el Ballet de Santiago cultivó además el gusto por la música docta y la ópera. Es en esta época, cuando se vincula indirectamente a la música, sin siquiera sospechar que este arte le brindaría a futuro enormes satisfacciones y el inicio de una nueva carrera. La desaparecida pianista del Ballet de Santiago, Josefina (Pepita) Almarza, quien había observado en Mario Paredes una muy buena memoria musical y visual, solicita a nuestro referido en uno de los ensayos de “La Bella Durmiente del Bosque”, que le ayude a dar vuelta las páginas de la partitura, a lo cual Mario responde: -- ¡no se leer música Pepa!... No te preocupes ¡¡Yo te enseño!! respondió impositivamente la pianista, iniciándose de esta forma el caminar en el arte de la música del artista de danza. Lo cierto es que al poco tiempo, Mario Paredes leía y solfeaba aceptablemente las partituras; aun sin tocar instrumento alguno. De allí en adelante, el bailarín se transformaría en ayudante oficial de la pianista durante los ensayos de la compañía de baile, siempre y cuando estuviese libre o en reparto diferente.

Tiempo de reveses
Transcurridos cinco años desde su contratación y desempeño profesional en el Ballet de Santiago, la salud de Mario Paredes comienza a verse resentida, siendo operado de uno de sus riñones en 1985. De allí en adelante la fatiga y el cansancio estuvieron presentes en la vida del bailarín. Después de la intervención quirúrgica su físico ya no era el mismo y respondía con dificultad a las exigencias del ballet. Las oportunidades de bailar se alejaban y ello era preocupante para el artista; no obstante continuó en la compañía hasta 1991. Llegó entonces, lo que pensó sería su tabla de salvación. Por aquellos días, a finales de mayo de 1991, le fue ofrecida una beca para estudiar coreología en el Benesh Movement Institute de Londres, dada la capacidad que él poseía para retener y memorizar las obras completas del repertorio de la compañía. Al mismo tiempo, se le solicitaba que su contrato al presente con la compañía de baile, debía primeramente caducar para la obtención de dicha oferta. Pasado cinco meses desde su renuncia al conjunto de baile, un día consulta a la dirección por el ofrecimiento... lo cierto, es que la beca nunca se materializó, ni lo sería tampoco. Sumido en la angustia y profundamente deprimido por lo que estaba ocurriéndole, bajo casi instintivamente al escenario del teatro, talvés buscando una respuesta o bien, en un gesto de despedida de aquel lugar que tantas alegrías y satisfacciones le había brindado.

En ese momento se llevaba a efecto el ensayo de la ópera de turno para la temporada del teatro. El director de escena de la época, sorprendido por la expresión visiblemente atribulada de Mario Paredes le pregunta: ¿Qué te pasa?... a lo cual nuestro referido comenta lo sucedido. ¡¡No te preocupes!! fue la respuesta espontánea del director, necesito un maestro interno concluyó el mismo. Desde aquel instante comenzó el descubrimiento de un mundo nuevo para Mario Paredes, el mundo de la música y la ópera. Sopranos, tenores, bajos y barítonos; más los coros, arias, compositores y argumentos del teatro cantado, componían ahora su primer interés. Al mes siguiente se constituía en Asistente del Director de Escena, aprendiendo rápidamente a conocer y reconocer los registros y tesituras, timbres y todo el lenguaje lírico musical. Cobraba importancia en estos momentos lo aprendido con Pepita Almarza, ya que ahora podía aplicar los conocimientos adquiridos casi por imposición de la pianista. Leía música y daba las entradas correctas a los artistas líricos.

Transcurrido unos meses de trabajar con la ópera, lo asignan como Director de Escena del Ballet... volvía nuevamente a su primer amor: la danza. Giras nacionales, viajes al extranjero, conocimiento de nuevas culturas, y ser parte de la compañía de baile nuevamente fueron motivo de alegría indiscutida para él; no obstante, su salud otra vez le jugaba una mala pasada... En esta ocasión, sufre la extirpación de su riñón derecho y el alejamiento definitivo del teatro.

Nueva disciplina y desafíos
Una vez fuera del teatro, la vida de Mario Paredes por varios años gira en torno a la agricultura y la crianza de aves; hasta que cierto día y en una conversación sostenida con su amiga - la fallecida ex-bailarina Virginia Hellmann (conocida por los pares como Bijoux) - detonaría lo que sería su futuro actual. En aquella oportunidad, Bijoux le sugiere que estudie e intente en la Dirección Orquestal, ya que con su experiencia en el ballet y conocimientos sobre ópera, aquello podría resultar. Aquellas palabras le decían íntimamente que no era una frase al voleo, aun consciente de que no tocaba instrumento alguno, por lo mismo había que intentarlo. A los días siguientes de esa conversación, se las emplumó a Santiago para indagar donde estudiar. Una vuelta por varias universidades capitalinas le deja en claro que la idea no caminaría; pues la demanda por estudiar dirección no era muy alta. Sin embargo, la idea de Bijoux, no le parecía tan descabellada y la misma empezaba a tomar cuerpo en su mente.
Un día cualquiera paseando en bicicleta por el sector de la Estación Mapocho, se topa inesperadamente con una placa que decía: Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile. Con el corazón agitado y cuán consumado instrumentista, ingresa al edificio preguntando sobre la posibilidad de tomar clases de Dirección Orquestal. La respuesta fue, que por esos días llegaba desde los Estados Unidos un director chileno a impartir clases y seminarios.

La Divina Providencia le sonreía nuevamente y el pasado adverso hasta ese momento, se convertía en una mano aliada. De pronto se ve integrando un curso de 45 alumnos aspirantes a directores de orquesta siendo el mismo, el mayor de todo el grupo. Comenzaba ahora un difícil camino lleno de desafíos y motivaciones para el ex-bailarín. Cierto día, el maestro Guillermo Rifo (profesor de composición), solicita al curso completo una tarea sobre un arreglo orquestal para el día siguiente. La partitura - de libre elección - debia ser interpretada en piano por el propio alumno. ¡¡Reflautas!!... ¿cómo lo haré ahora? ... yo no toco piano se preguntó a sí mismo con desesperada preocupación. Aquella noche prácticamente no durmió; por otra parte, las reglas de la armonía no las tenia claras aun y por lo mismo las notas y arreglos en su tarea fueron casi al azar. Pensó él que seria un fiasco, pues todos su compañeros tocaban piano, o violín, o flauta, etc. - Nuestro aludido con suerte tocaba el timbre - ¡Estoy liquidado! Se dijo penosamente a sí mismo. Al llegar el día siguiente se puso al final de todos para rendir su tarea. Llegado su turno, el maestro amablemente pregunta: ¿Trajo su tarea?.. Mario con voz trémula y casi inaudible le dice: aquí está maestro. Al tomar la tarea en sus manos el maestro exclama... ¡Ahh que lindo esto..! Bien, siéntese al piano y tóquelo por favor... entonces, en aquel momento el rostro de Mario se descompuso totalmente; e intuyendo el maestro la falencia del alumno, solicita un voluntario de la clase para que lo tocase. Resultado: la nota más alta, señalando al mismo tiempo que Paredes había respetado la esencia de la partitura.

Desde 2002, año en que nuestro referido se inicia en el estudio de la dirección orquestal, ha contado con la guía de los maestro Guillermo Rifo (orquestal y composición), Eduardo Browne (dirección orquestal, ópera, ballet, música sinfónica y análisis), Manuel Olivares y Michael Reyes (Armonía) y Celso Torres Mora (clases magistrales de dirección orquestal). Hoy tiene el norte bastante claro, siendo su opción la dirección orquestal para Opera y Ballet, sin por ello descartar la incursión en lo sinfónico. A la fecha ha sido invitado como director de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Rancagua (2007) Orquesta Sinfónica Juvenil de la Universidad del Bío-Bío, Orquesta Filarmónica Tchaikovsky de Piracicaba, del Estado de Sao Paulo - Brasil (2010), Director Asistente de la Orquesta Filarmónica Universitaria (2006), Director Asistente de la Orquesta Filarmónica Minera de Chile (2008); además de Director Fundador y creador de la Orquesta Sinfónica Infantil Mater Dolorosa de Huechuraba – Santiago (2005) y Director Fundador y creador de la Orquesta Sinfónica de Ránquil – Provincia de Ñuble (2010)

A su regreso de Brasil en agosto del presente año, le fue comunicado que su proyecto presentado a la Municipalidad de Ránquil en la provincia de Ñuble, y para la creación de una Orquesta Sinfónica infanto-juvenil, había sido aceptado. Hoy día su motivación primera son los jóvenes talentos de aquella histórica localidad; la misma que en épocas pretéritas, registra una de las primeras batallas entre mapuches y españoles. En la actualidad, otros sones comienzan a escuchar los ranquilinos más allá del kultrún y la trutruca, instrumentos nobles de nuestro pueblo mapuche.

Las invitaciones fuera del país, tampoco se han hecho esperar. North Caroline – Estados Unidos, le espera para que dirija el Ballet Cascanueces en esta temporada 2010-2011. Noruega le ha cursado la misma invitación para el 2011 y Piracicaba, Sao Paulo – Brasil, para el montaje y dirección de la ópera Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni. Es un hecho, que Dios tiene el control absoluto de nuestras vidas y que ciertamente es el gran director tras bastidores. Hoy le ha placido volver a Mario Paredes al mundo del arte; pero esta vez, a la música... donde pueda ejercer con mayor tranquilidad sin afectar y deteriorar su físico. Quizás... en algún momento, el ex-bailarín del Ballet de Santiago, vuelva al teatro que tanto amó, pero esta vez al podium dirigiendo un ballet o una ópera.

SURDANZA

2010-10-17T04:56:00.000-07:00

Surdanza

Fotografia: Claudio Quiroz

La ciudad de Concepción se constituyó este fin de semana recién pasado, en el epicentro de la danza infantil abarcando instituciones dedicadas a la enseñanza del arte coreográfico desde la región Metropolitana hasta la región de Magallanes por el sur. Durante los días 9 y 10 de Octubre, se desarrolló en el Teatro Marina del Sol, la 5ta. versión del Encuentro de Danza Infantil “SURDANZA”, que dirige la gestora cultural y profesora de danza, Sra. Juanita Toro. Alrededor de 200 participantes correspondientes a las comunas de Santiago, La Granja, Talca, Chillán, Tomé, Concepción, Temuco, Curanilahue y Punta Arenas; se dieron cita en la región del Bío-Bío para compartir y mostrar sus avances en materia de baile. Dicho evento contó con el financiamiento del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes 2010; más el auspicio de la Corporación Cultural Artistas del Acero, Casino Marina del Sol, Sonesta Hotel Concepción, Club de Lectores del diario EL SUR y la Academia de Danza Juanita Toro de la ciudad de Concepción.

27 coreografías en pequeño formato correspondientes a diversas modalidades y estilos, testimoniaron ante la presencia de los asistentes a la sala, sobre los avances, aptitudes físicas e interpretativas de los peques danzantes en el 5to. Encuentro de Danza Infantil “SURDANZA”. En casos específicos, se pudo apreciar muestras bastante logradas conforme a los objetivos que persigue la danza infantil, otros medianamente y algunos casos definitivamente errados; lo cual ameritaría un análisis post-encuentro con motivo de evaluar, debatir y concluir aspectos importantes y necesarios para la enseñanza en el nivel referido, a modo de enriquecer la propuesta y sus actividades.

En estricto rigor y ajustado a los requerimientos de la exploración del movimiento con énfasis en lo formativo-recreativo: Academia de Danza Escuela Colico Sur (Curanilahue); Centro Artístico Cultural Comunal (Concepción); Academia de Danza Juanita Toro (Concepción); Estudio de Danza “Dancerias” (Temuco). A nivel de exigencia mayor y conducente a profesionalismo, Studio de Danza Hugo Zárate (Chillán) y Escuela de Ballet del Teatro Municipal (Santiago); ambas instituciones sólidamente representadas por sus alumnos (Gabriel Valencia - Monserrat Villar y Fabrizio Montenegro - Mª. Constanza Maureira respectivamente), quienes reflejan el trabajo formativo de sus maestros..

Por otra parte, el 5to. Encuentro de Danza Infantil, incluyó en esta oportunidad y por vez primera, a dos agrupaciones profesionales con la finalidad de ofrecer a los pequeños participantes y al espectáculo en general, un referente más amplio y la visión profesional de la danza. Es así, como estuvieron presentes el Ballet Arte Moderno, dirigido por Judith Jenkinson y el Ballet Opus Cámara que dirige Norma Velasco; ambos conjuntos de la capital.

El Ballet Arte Moderno, evidenció una sólida preparación técnica en sus bailarines/as, como así también en su oferta coreográfica de corte moderno-contemporáneo. “Imágenes Nortinas”, correspondió a la creación de Jorge Ruiz - ex-primera figura del Ballet Nacional Chileno - quien expone, desarrolla y concluye con elementos del Leeder, en una coreografía fluida retratando el espíritu y cosmovisión del hombre del norte; buen diseño y uso del espacio. Nicolás Cusmar, sólido técnica e interpretativamente quien entrega su danza más allá del palco escénico; Fernanda Sanhueza y Tathiana Abarca, seguras en sus movimientos con entrega y fluidez. en su danzar. La segunda propuesta del Ballet Arte Moderno fue “Trazos” con música de Astor Piazzolla y coreografía de Luis Duque. Obra de contenido más dramático en la concepción del movimiento y temática. El principio dinámico y agógico presente en esta obra, logra una buena utilización de la síncopa en su referente cinético gestual. Nicolás Cusmar y Carolina Calderón, compenetrados intérpretes y afiatados en el dúo creado por Luis Duque.

"Sinfonía para Chile”, bailado por las integrantes del Ballet Opus Cámara y creación coreográfica de Norma Velasco, rescata clásicos del cancionero tradicional chileno en arreglos para orquesta sinfónica. Temas tan conocidas como “Una Pena y un Cariño”, “Chile Lindo”, “El Corralero”, “Que bonita va” y otras; son tratados por Norma Velasco en el lenguaje de las puntas con énfasis en el espíritu de cada tema.

Bellas y lineales lucieron Karen King y su sombra a cargo de Bernardita Schmidt en “Una pena y un cariño”; ambas bailarinas demuestran fuerte compromiso emotivo transmitiendo sentimiento y belleza a través del movimiento. Natalie Warnier, en una correcta ejecución del fraseo coreográfico planteado por Norma Velasco para el conocido tema de Francisco Flores del Campo “Que bonita vá”. Aparte de otras canciones interpretadas por las bailarinas de Opus Cámara, finaliza su presentación este conjunto capitalino con el tema “Chile Lindo”, en una alegre coda llena de picardía.

El día de término, “Surdanza” rindió un merecido homenaje a la profesora y ex-maestra de Técnica Académico-Clásica de la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, Srta. Alicia Targarona; quien por muchos años comprometió su labor pedagógica con diversas escuelas y academias de la región sur del país, compartiendo su tarea docente entre la escuela capitalina y el profesorado del sur. Juanita Toro, gestora y directora de “Surdanza” refirió emotivas palabras de agradecimiento para la maestra y su decisivo aporte en épocas pasadas. La homenajeada por razones de salud no se encontraba presente; sin embargo, Edymar Acevedo, ex bailarina del Teatro Municipal de Santiago y actual maestra de la Escuela de Ballet del Teatro, recibió a nombre de la homenajeada el galvano recordatorio.

Una participación especial dedicada a la homenajeada ofrecieron el bajo Cristian Reyes, quien interpretó el tema “El sueño imposible” de la comedia musical “El Hombre de la Mancha”. Reyes, dueño de una poderosa voz, cautivó de inmediato la atención del público. Por otra parte, Edymar Acevedo, ex-alumna de la Academia Juanita Toro y ex-alumna de la maestra homenajeada, entregó a los asistentes, su versión de la Habanera de “Carmen” en una danza cargada de sensualidad y fuerza interpretativa.

Concluimos este comentario como sigue: En lo positivo, agradecer el espacio brindado para mostrar el quehacer formativo recreativo con incapie en la danza infantil; en lo inmediatamente a corregir, restar todo síntoma ajeno a los objetivos que persigue dicho encuentro conforme a lo señalado en las bases.

"Macbeth"

2010-09-01T11:57:00.001-07:00

Macbeth

Registro: Teatro Municipal de Santiago

Tecnología de punta, más un sólido coro femenino, son el fuerte en este montaje de la ópera “Macbeth” del compositor italiano Giuseppe Verdi en la concepción del regisseur argentino Hugo de Ana. Si bien, la puesta en escena es cautivante desde el aspecto visual; el mismo, nos deja en deudas en lo estrictamente interpretativo vocal y la ausencia de dramatismo musical en la batuta del maestro Rani Calderon.

Interesante concepción escenográfica nos entrega Hugo de Ana en este Macbeth, para lo cual recurre a la máxima aplicación tecnológica que la sala le permite. La utilización del formato tercera dimensión, espejos mágicos, superposición de rampas y la perspectiva que estas generan; entregan al espectador, una panorámica amplia que le permite situarlo como si este fuere parte de la trama misma. El recurso visual y su lenguaje, sin duda es altamente potente y definitivamente cinematográfico en cuanto a velocidad y desarrollo. Todo este modernismo y aprovechamiento que la tecnología actualmente permite y dispone, es fantástico para la reactualización y nueva lectura de los grandes clásicos del género lírico; no obstante, este recurso exige al artista al mismo tiempo, un paralelo que lamentablemente aquí no se vio. La iluminación diseñada acompaña efectivamente el componente escenográfico creando la ambientación y atmósfera necesaria que demanda el drama shakespereano; sin embargo, pensamos que el vestuario en la insistencia del uso de telas brillantes, distraen en este caso, el sentido profundo y dramático que conlleva el texto en sí.

En la representación del día domingo 29 de agosto recién pasado, pudimos observar que los roles protagónicos e interpretaciones vocales, lamentablemente fueron dispares en esta producción. El barítono Carlos Almaguer (Macbeth), expone una voz clara y registro parejo en toda su extensión además de una nítida emisión vocal. Su personaje, sin bien es comprometido, exhibe al mismo tiempo cierta monotonía en el desarrollo total. La soprano húngara Georgina Lukács (Lady Macbeth), definitivamente inexistente como personaje malvado ; pues cae en el estereotipo. Por otra parte, presenta serios problemas en la totalidad de su registro el cual es dispar, la dicción a momentos se vuelve incomprensible. Si bien el agudo está, los mismos son faltos de cuerpo y brillo. El tenor coreano Woo-Kyung Kim (Macduff), posee un bello timbre y hermoso color. Su emisión es clara, nítida dicción y fraseo delicado. Si bien su personaje es de escasa presencia en la obra, el mismo es solvente y efectivo. Quizás, lo más compacto en cuanto a solistas en la velada. El bajo ruso Stanislav Shvets (Banquo), si bien presente vocalmente, algo distante en cuanto a composición, no logrando fusionarse al resto de los protagónicos. Nos queda la sensación de un elenco armado de última hora y poco fiato entre sí. Los papeles secundarios a cargo de elenco nacional, cumplen con eficacia lo asignado, como es el caso de Pedro Espinoza (Malcolm), Paulina González (dama de compañía), Jorge Negroni (doctor); Juan Pablo Dupré, Jenny Muñoz y Carolina Grammelstorff; primera, segunda y tercera aparición respectivamente.

Una vez más el coro del Teatro Municipal de Santiago dirigido por el maestro Jorge Klastornick, se muestra sólido, compacto y afiatado. Los desplazamientos se ven fluidos y corporalmente afinados; aunque en algunos casos, el sobrepeso y descuido de la figura se deja notar. Bella y sugerente interpretación de “Patria oppressa”.

Lamentamos el escaso compromiso dramático en la lectura interpretativa de esta página verdiana bajo la batuta del maestro Rani Calderon. Los sones de la Orquesta Filarmónica de Santiago, no encuentran eco en la profundidad del texto dramático conforme al espíritu verdiano, para este “Macbeth” en la presente Temporada Lírica.

2010-08-25T11:42:00.000-07:00

El tenor Giancarlo Monsalve, junto a la soprano Irene Yañez

Durante un mes joven el tenor chileno Giancarlo Monsalve -radicado en Italia por más de 5 años y oriundo de Valparaíso- permaneció en la ciudad patrimonial disfrutando de unas cortas vacaciones en compañía de familiares, amistades y compañeros del arte lírico. Este joven tenor porteño con estampa de galán cinematográfico; hoy por hoy, llama poderosamente la atención de importantes empresarios teatrales y directores de ópera europeos. Una apretada agenda artística le mantiene viajando de un país a otro para cumplir sus compromisos musicales codeándose con lo granado de la lírica internacional; y de paso, perfecciona su arte y su voz bajo la estricta mirada de connotados artistas y maestros del canto. Valparaíso, su natal ciudad y Viña del Mar, su primera casa de estudios musicales, brindaron a Giancarlo Monsalve distinciones y honores por su labor artística en el extranjero.

Ceremonia Homenaje
En el foyer del Teatro Municipal de Viña del Mar -espacio reservado para eventos musicales tras el terremoto de febrero último- se dio cita este martes 10 agosto recién pasado; más de un centenar de amantes de la lírica, con la finalidad de acompañar al tenor Giancarlo Monsalve, quien fuera centro de un homenaje a su persona por parte de cantantes líricos y alumnos de canto de la región de Valparaíso. Entre los presentes, su maestra de siempre, la gran soprano Nora López von Vriessen, profesores y maestros del Conservatorio “Izidor Handler” de Viña del Mar, autoridades y público general.

El concierto organizado por la Agrupación “Bel canto” y patrocinada por el Depto. de Cultura del municipio viñamarino, estuvo compuesto por las interpretaciones en las voces de la agrupación lírica “Bel canto” de Viña del Mar; integrada por: Rodrigo Quinteros (barítono); Gabriela Ojeda (soprano); Daniel Olmos (tenor); Irene Yáñez (soprano) y Jonathan Layana (pianista); como así también, por los alumnos de la Cátedra de Canto Lírico del Conservatorio Municipal “Izidor Handler” de Viña del Mar.

La primera parte de la velada musical evidenció mayor solidez y cuerpo en sus intérpretes (Quinteros, Ojeda, Olmos y Yáñez); los que al mismo, dieron cuenta del oficio y presencia continua en escena. Sin embargo, la segunda parte del programa definitivamente más débil. Falencias en cuanto a colocación y altura evidencian que debe realizarse un trabajo más acotado y riguroso enfocado a los diversos aspectos de la técnica vocal y su desarrollo. De igual forma, propender a una respiración controlada y bien dosificada, que les permita mayor brillo en la emisión del agudo y así sostener la altura lograda sin destemplar.

Por otra parte, el tenor Giancarlo Monsalve, fue distinguido por el Depto. de Cultura del municipio en representación de la Ilustre Municipalidad de Viña del Mar. A finales del programa, y aunque afectado por una amigdalitis, el artista porteño brindó a los presentes el aria “Romeo” de la ópera “Giulietta e Romeo”(1922) del compositor italiano Riccardo Zandonai (1883 – 1944). Breve exposición de su arte, pero no menos compacta y sólida a la vez; en ella pudimos notar el “ataque” fino y bien colocado de su voz (tenor con claro timbre baritonal) además de una elegante línea de canto, dominio de la altura correcta y convincente capacidad histriónica.

Embajador Cultural
Un acto realizado el jueves 12 de agosto en la Casa Consistorial del municipio porteño, con presencia del Alcalde de la ciudad don Jorge Castro y en compañía de autoridades civiles y militares, testimoniaron el nombramiento oficial de “Embajador Cultural de la Ciudad” otorgado al tenor porteño Giancarlo Monsalve por su ascendente y promisoria carrera artística en los escenarios europeos. En dicha ocasión, el tenor porteño brindó conocidas interpretaciones populares acompañado de la agrupación musical “Estudiantina, Porteños del Almendral”, no pudiendo faltar entre ellas, el clásico himno porteño... la famosísima “Joya del Pacifico” de Victor Acosta.

Confiamos que para una próxima visita de Giancarlo Monsalve al país y la región, las autoridades y municipios hoy congratulantes, permitirán al público amante del bel canto, disfrutar de un concierto a cargo de este artista, junto al respaldo de una orquesta profesional, voces emergentes y otras ya consagradas que ameriten dicho honor.

Sin duda, la mano formadora de Giancarlo Monsalve en sus inicios, la destacada soprano verdiana y hoy gran maestra, la Sra. Nora López von Vriessen, trasmitió a su discípulo las dotes que a ella le fueran características propias durante su exitosa carrera internacional; vale decir, un gran caudal de voz y ataque preciso a la nota en la altura correcta.

“Gala Ballet Bicentenario...”

2010-08-15T18:45:00.000-07:00

“Paquita”
Ballet de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

El lunes 9 del corriente, concluyó el ciclo de cuatro funciones correspondiente al tercer título de la programación del Ballet de Santiago para la Temporada 2010. Así también, el primer coliseo cultural del país - el Teatro Municipal de Santiago - reabrió sus puertas a público tras haber sido reparado en parte por las consecuencias sufridas por terremoto de febrero último. La programación artística concebida por Marcia Haydée para la ocasión, fue recibida con agrado por los asistentes debido a la variedad y contenido de la misma para esta fiesta bailada. Sus invitados, creadores e intérpretes, a la altura de una grand soirée.

“Paquita” (Grand Pas Classique)
El programa entregó en primer lugar la versión del Grand Pas Classique de “Paquita” con música de Ludwig Minkus, en arreglos de Albena Dobreva y revisión coreográfica del bailarín estrella Luis Ortigoza. Montaje equilibrado, elegante y cuidada reposición de este gran clásico que incluye al contingente masculino de la compañía; el cual hizo gala de una sólida técnica y aplomo en escena. Luis Ortigoza, fiel a las formas establecidas por el creador y respetuoso del diseño original de Marius Petipa; logra una puesta en escena acorde al concepto y estructura clásica del genio francés del siglo XIX. El aporte del revisor coreográfico es sin duda, la inclusión de una mayor presencia masculina, equiparando así un terreno reservado exclusivamente a la fémina para en este grand divertissement.
Roberta Marquez, artista invitada del Royal Ballet de Londres, compartió roles estelares junto al compatriota César Morales, primera figura del Birmingham Royal Ballet. Roberta Marquez, poseedora de estilo nítido para la obra en cuestión; luce brazos y torso decididamente bien trabajados, compacta y segura en las evoluciones demandadas, sumado a un excelente trabajo de piernas. Precisión y musicalidad extrema en el Pas de Deux junto a César Morales, quien a su vez, nos regaló la madurez técnica y artística que ha desarrollado en tierras europeas. Destaca notoriamente llamando la atención por la fluidez de su danzar; movimientos y estilo elegante con fuertes tintes hacia el carácter que lo posicionan para el rol.
Los roles solistas interpretados por las primeras bailarinas Natalia Berríos, Andreza Randisek, Lidia Olmos y Maite Ramírez, dan cuenta de la capacidad técnica y artística de las bailarinas, quienes hacen gala del cargo que las enviste; no obstante, es válido destacar y señalar el disciplinado y férreo desempeño de las bailarinas del cuerpo de baile María Lovero y Elizabeth Espinoza, quienes brillaron a la altura de sus pares ascendientes (en los roles solísticos), demostrando en escena, que bien podrían optar al cargo titular de solistas en propiedad al interior de la compañía. Por otra parte, el cuerpo de baile femenino, se mostró afiatado, sólido y en correcto estilo de brazos, torso y los consiguientes épaulement. José Luis Domínguez en la conducción de la orquesta y los músicos de la Filarmónica de Santiago, realizaron una muy buena lectura y recreación de la partitura en cuanto carácter, dinámica y matiz requeridos para bailar.

“Retratos”
Componen esta obra dos duetos con música de Patricio Meneses y coreografía de Eduardo Yedro. Patricio Meneses, con “Retratos” realiza su debut en calidad de compositor para música danzada. Patricio Meneses, hijo de la recordada y ya fallecida Josefina Almarza - quien por años fuera pianista de las compañías del Ballet Nacional Chileno y posteriormente del Ballet de Santiago- sin duda ha heredado los talentos de su progenitora en cuanto a improvisación y composición musical. Se puede advertir en su página musical un claro tinte modernista que bien se podría definir como música descriptiva para esta ocasión. La primera partitura es un ¾ y la segunda, igualmente un ¾ con aire renacentista que inicia el tema con una Zarabanda, pasando posteriormente a otras formas musicales en el mismo compás. Eduardo Yedro, coreógrafo de la obra, trata en ambos dúos el contenido romántico con fuerte inflexión en lo expresivo. La composición coreográfica es fluida, envolvente y cuenta con un buen diseño del espacio y la planimetría. Rodrigo Guzmán(el pintor), nos regala un personaje fuerte, de gran compromiso emotivo y bien resuelto en los aspectos técnicos de su danza. Natalia Berríos(la modelo), exquisita figura quien luce fluidamente en esta danza, permitiéndole mostrar una faceta mucho más libre y diferente a las usualmente interpretadas por la artista. José Manuel Ghiso(Mistral), sólido partenaire quien permite el lucimiento de su compañera en las diversas evoluciones en sentido circular y envolventes creadas para ellos. Andreza Randisek(la musa), fluye etérea en sus desplazamientos, bella línea y hermoso manejo de sus brazos. Junto a Rodrigo Guzmán, logran una compenetración sugerentemente dramática.

“Alborada”
Creación coreográfica del laureado Jaime Pinto, la misma, nos da cuenta del probado oficio creativo de este connotado artista chileno. El coreógrafo inspirado en la música latinoamericana (un collage sobre ritmos andinos), plasma el sentir en los devenires, soledad y mitos del oriundo en las alturas cordilleranas, relación afectivo-simbólica y la cosmovisión de la naturaleza. Danza compuesta para el eximio bailarín chileno César Morales, - venido desde Inglaterra especialmente para esta gala- y acompañado por la elegante y fina Maite Ramírez, quien muestra sus dotes de gran artista, figura dúctil y diversa.

“Los Galufa”
Dúo coreográfico creado por Eduardo Yedro (que en esta oportunidad, debió ser interpretado por tres artistas por imponderables de última hora), nos entrega la veta jocosa y humorística del creador coreográfico. Danza bien resuelta en términos de composición, liviana y efectista a la vez. Tiene en la interpretación de Esdras Hernández, un muy buen exponente de la danza-carácter, quien a su vez entrega un acabado desempeño técnico. Acompañado en esta ocasión por los bailarines Carlos Inostroza y Mauricio Vera, realizan una divertida interpretación para la partitura concebida por Patricio Meneses; un 2/4 sincopado con cierto aire al ragtime, cumpliendo de esta forma con la concepción del compositor de baile.

“Giselle”(Pas de Deux)
Obra cumbre del período romántico, nos llegó en la interpretación de Julie Kent y el bailarín estrella del Ballet de Santiago, Luis Ortigoza. Magistral recreación de la primera figura del American Ballet Theater, invitada especial para la Gala, quien junto a Luis Ortigoza entregaron una correcta lectura del título de Coralli-Perrot y música de Adolphe Adam en revisión de Ivan Nagy. Julie Kent, una “Giselle” absolutamente espectral venida del más allá. Depurado estilo y lucida técnica es la que nos brindara esta artista del American Ballet Theatre. Luis Ortigoza, brillante partenaire quien luce madurez y solidez para el rol del Príncipe Albrecht.

“Bolero”
La conocida creación de Maurice Béjart para la partitura de Maurice Ravel, nos llegó en esta oportunidad en la interpretación soberbia de la invitada Elisabet Ros, primera figura del Ballet Béjart de Lausanne. La música reiterativa y sugerente; en permanente crescendo, es el respaldo sonoro a la genial creación del ya desaparecido Maurice Béjart. Pudimos apreciar en Elisabet Ros(la melodía) una intérprete compacta, hembra dotada de una gran sensualidad en su danzar. Su entrega es desafiante y con cierto aire felino. Cada movimiento tiene su correspondiente afín a la suma instrumental de la partitura toda para llegar al tutti final. El Ballet de Santiago, representado por la tropa masculina, se muestra soberbio en el rol acompañante (el ritmo), que si bien no tiene un gran despliegue técnico; el mismo responde a la carga erótico-sensual de su contraparte aunándose en un efusivo crescendo para decantar en el clímax total. La Orquesta Filarmónica de Santiago y su conductor José Luis Domínguez, a la altura de una tarde de gala.

Alcina...

2010-07-28T06:58:00.000-07:00

Escena de la ópera “Alcina”
Coro del Teatro Municipal de Santiago
Fotografía: Patricio Melo

Especial atención demanda al auditor la atractiva pero no menos compleja “Alcina”(1735); ópera barroca que por estos días es representada en el Teatro de Carabineros de Chile con bastante afluencia de público. Prosigue de esta forma la Temporada Lírica 2010 del Teatro Municipal de Santiago con la ópera mencionada hasta el miércoles 28 del corriente. El estreno absoluto en Chile de este título compuesto en siglo XVIII por Georg Friedrich Haendel y libreto anónimo sobre textos del poema épico “Orlando el Furioso” de Ludovico Ariosto, ha contado con el interés genuino y la aceptación reverente de los asistentes a la nueva sala capitalina.

La puesta en escena del regisseur argentino Marcelo Lombardero (con escenografía de Enrique Bordolini) y su reinterpretación contemporánea para esta ópera si bien cautiva, al mismo tiempo genera fuertes contrastes e interrogantes entre lo expresamente auditivo y lo visualmente apreciable. La incorporación de diferentes estilos aplicados en escena tales como la opción audiovisual, imágenes reiteradas de contenido sexual, alusión al baile del caño, más una tropa de personajes armados y grafittis entre otros; desvían un tanto la atención. La trama de forma resumida podría entenderse de la forma que sigue:
La joven Bradamante llega a la isla mágica del hada Alcina en busca de su amado Ruggiero. Bradamante es acompañada por Melisso, su guardián; a su vez, Ruggiero, permanece cautivo por el hechizo de la malvada y seductora Alcina. Por otra parte, Morgana, hermana de Alcina; se enamora de la joven Bradamante quien ha llegado a la isla tomando la apariencia de su hermano Ricciardo, el guerrero. Sumado a otros personajes que intervienen en esta jerigonza teatral; la trama corre entre maleficios e intrigas, donde finalmente las brujas son derrotadas por los amantes (Bradamante y Ruggiero) unidos nuevamente. Los años '60 del siglo pasado y las tribus urbanas en conflicto, son los ingredientes priorizados para la ambientación utilizada por la régie en esta versión local.

“Alcina” en sí es compleja en su argumentación, además de poco ágil en su desarrollo. Es cierto, que no se pretende una representación “historicista”, como bien el mismo regisseur lo señala en el programa de mano -pues en la actualidad ya no se cuenta “los castratti”- no obstante, los ejecutores de la recreación musical, vale decir la orquesta junto a su conductor, optan por el sonido e interpretación acorde a la época, creando una atmósfera fidedigna en contraste a la sugerente lectura modernista y tecnologizada de la puesta en escena.

La música de “Alcina”, rica en matices y colorido, se deja sentir en toda su magnitud y belleza por la batuta documentada de Eduardo Browne; quien realiza una lectura correcta y respetuosa, incluyendo instrumentación específica (clavecín, violín barroco, tiorba y guitarra barroca), aspecto que lo hace muy cercano al espíritu haendeliano y al barroco mismo. La exigente partitura llena de ornamentaciones, agilidad y color demanda al cantante gran preparación y sólida resistencia en los extensos recitados. En general se aprecia solidez vocal en el reparto elegido (Versión Estelar) quienes entregan una cuidada ejecución en música; pero no exenta de falencias en lo expresivo corporal.

Daniela Ezquerra (Alcina), poseedora de una voz ágil en el registro de soprano, da cuenta de una gama de matices que maneja equilibradamente, permitiendo a la artista, una entrega limpia y bien fraseada en su intervención.
Pamela Flores (Morgana), se impone físicamente y además por su buen caudal de voz y precisa colocación en el agudo. Sensual y desafiante toma la escena con una limpia y ajustada interpretación de “Tornami a vagheggiar” en el acto I.

Josefina Brivio (Ruggiero) mezzosoprano que nos llega del Perú con voz timbrada e interesante matiz oscuro, posee facilidad en coloratura y mayor proyección en la zona medio-grave de su tesitura; no obstante, la definición de su personaje es algo estático y escaso en cuanto al uso de las herramientas actorales.

Kirsten Sollek (Bradamante), desarrolla el personaje un tanto plano desde el punto de vista emotivo. Lentitud en algunos giros y ornamentaciones que no van con la agilidad requerida, pero finalmente compacta en su registro.
Marcela González (Oberto) debutante en la arena del Teatro Municipal, luce una voz clara, colocada y delicada línea de canto. Breves intervenciones en escena y compromiso vocal sólido y bastante definido.

El contingente masculino representado por el el tenor estadounidense Andrew Bidlack en el rol de Oronte y el barítono Patricio Sabaté (Melisso), realizan una correcta intervencion en los roles asignados, además de una buena emisión y proyección en las respectivas voces las cuales corren ágilmente por la sala. Finalmente, el coro del Teatro Municipal dirigido por el maestro Jorge Klastornick, una vez más luce compacto y afiatado con presencia escénica.

Elektra, obsesión desmedida por la venganza...

2010-07-01T07:45:00.000-07:00

“Elektra”
Puesta en escena del Teatro Municipal de Santiago

Impactante y desgarradora producción del Teatro Municipal de Santiago en lo que a lírica refiere para la presente temporada oficial de 2010. “Elektra”, segundo título de la programación artística será representada hasta el martes 29 de junio en el Teatro del Centro Cultural de Carabineros. La ópera, eminentemente femenina cuyos personajes conllevan una fuerte carga clínico-patológica; dignos del mejor psicoanálisis, está compuesto por un elenco de lujo que es el encargado de dar vida a la tragedia de Sófocles.

Elektra”, la ópera de Richard Strauss y libreto de Hugo von Hofmannsthal basado en la tragedia homónima de Sófocles, el gran trágico heleno; llamado también “el poeta de los dioses”, se desarrolla en un solo acto y siete escenas o secciones de la siguiente forma: Preludio y las criadas; monólogo de Elektra; dúo de Elektra y Crisotemis; dúo de Elektra y Clitemnestra; dúo de Elektra y Crisotemis; dúo de Elektra y Orestes; Conclusión, Exterminio y Danza. La partitura, intensa y conmovedora de alto contenido dramático cuya disonancia continua juega en la superposición tonal, refleja el recurso usado por el compositor para delinear el complejo mundo de los personajes para su ópera. La pesadez trémula de la emisión sonora, presagia desde los primeros compases el fin disoluto de la tragedia. La gran orquesta cobra especial fuerza en los bronces y percusión en los momentos de mayor dramatismo y contraste emotivo de los personajes. La concepción musical que tuviera Richard Strauss para esta ópera, se traduce a 1 hora y 40 minutos aproximadamente de gran riqueza politonal; una verdadera “Sinfonía Psicológica”, donde el espectador no queda ajeno a la conmovedora información sonora.

El argumento lo podemos resumir en pocas palabras de la manera que sigue: En el palacio de Micenas, las criadas al interior del patio real murmuran contra la actitud de Elektra, quien vive pregonando como vengar a su asesinado padre, Agamenón. El mismo ha muerto a manos de su esposa Clitemnestra en complicidad con su amante Egisto. Crisotemis, hermana de Elektra, intenta en vano persuadirla para que desista de tal propósito; pues Crisotemis desea para sí, una vida de familia con esposo e hijos, abstrayéndose de esta forma al drama familiar que los aqueja. Elektra absorta en sus pensamientos, obsesión y fijación por la venganza, la recrimina burlándose y maldiciéndola. Posteriormente aparece Clitemnestra seguida de un séquito de sirvientes en un acto en ofrecer un nuevo sacrificio a los dioses para exculpar sus permanentes sueños y pesadillas producto del crimen cometido contra su esposo. Elektra haciendo propicia la ocasión; ya que la tiene enfrente y a solas, le enrostra su actuar y le comenta para horror de Clitemnestra, como ha planificado su venganza donde la sacrificada debe ser ella misma; o sea su propia madre. Orestes, hermano de Elektra a quien Clitemnestra había enviado lejos de Micenas tras el crimen cometido contra Agamenón; vuelve al palacio de forma oculta, descubriéndose solo a Elektra. Orestes cobra venganza matando a Clitemnestra y posteriormente a Egisto. La escena final contempla a Crisotemis anunciando a Elektra que su hermano Orestes ha consumado la venganza.... para entonces, Elektra sumida en una frenética danza cada vez en mayor descontrol, cae muerta ante los ojos de su hermana Crisotemis.

El rol titular está a cargo de la soprano dramática estadounidense Jeanne- Michèle Charbonnet, quien ha registrado una magistral interpretación para el complejo personaje de Elektra en esta pasada.. La artista mantiene una fuerte carga emotiva de principio a fin imprimiéndole dramatismo “in crescendo”. Su personaje, evidentemente agotador tanto en lo vocal como actoral remueve las entrañas del espectador. Jeanne-Michèle Charbonnet es un actriz convincente, cuya entrega raya en el carácter psicopático del personaje. En lo estrictamente vocal; la artista posee un buen caudal de voz cuyo color la posiciona para este tipo de roles. Su registro es bien temperado en las notas bajas y centrales, siendo más débil hacia el agudo; no obstante con inteligencia y oficio sale adelante de los complejos pasajes en las notas altas, aun cuando el “Tutti” de la orquesta la opaca. Los momentos de mayor logro dramático se sintieron en los dúos con Clitemnestra y Orestes.

Ann-Marie Backlund, soprano sueca responsable de dar vida a la evasiva Crisotemis, posee un timbre y color hermoso, sumado a unos bellísimos agudos que resuelve con delicadeza, buen apoyo técnico y fraseo controlado. Su registro es parejo con buen volumen de voz. En lo actoral, posee fuerza expresiva componiendo una Crisotemis delicada y temerosa.

Gran porte y presencia escénica de la mezzo sueca Susanne Resmark, quien tiene a su cargo el rol de Clitemnestra. Voz algo oscura pero con buen cuerpo en las notas centrales, desarrolla un personaje a momentos culposo, a momentos irreverente. El dúo sostenido con Jeanne-Michèle Charbonnet toma tintes interesantisimos y bien diferenciados en cuanto al contraste psicológico de los personajes.

Harry Peeters, bajo-barítono holandés, entrega una composición ajustada del personaje Orestes. Su timbre algo oscuro, tiende a opacarse en las notas centrales, no así en en la emisión de sonidos bajos. Su escena junto a Jeanne-Michèle Charbonnet es intensa y comprometida. Donald Kaasch, tenor a cargo del personaje de Egisto, hace una buena recreación del personaje; aunque breve, se deja notar el oficio. El elenco es integrado además por Evelyn Ramírez, Jenny Muñoz y Miriam Caparotta entre otros, quienes desarrollan eficazmente los roles de Confidente, Dama de Compañía y Gobernanta respectivamente.

La puesta en escena del regisseur alemán Michael Hampe, aprovecha al máximo las “posibilidades” de un teatro no dimensionado para la la ópera, por lo mismo contempla a la orquesta de fondo y la acción en primer plano. El resultado es más que óptimo. La escenografía de Germán Droghetti, propuesta para la producción cubierta de rojo, habla claramente de la atmósfera en que se desarrollará la acción y el trasfondo de la tragedia misma. Vestuario en negro mayoritariamente y rojo en combinación, es sugerente para el concepto de la temática. La participación de un ballet con coreografía de Patricio Gutiérrez, es algo escueta, no permitiendo al elenco de baile profundizar más adelante. La iluminación de Ramón López, logra acertadamente los ambientes apoyando las características psicológicas de los principales en la escena.

La Orquesta Filarmónica de Santiago, junto a la batuta arrebatadora y comprometida de Rani Calderon, deja entrever lo más enigmático y profundo del compositor para una partitura compleja imprimiéndole dramatismo a la conducción. Un montaje con voces de alto vuelo, certera lectura y músicos atentos para ahondar en las profundidades, desequilibrios y trastornos de la mente humana a la manera de “Elektra”.

Amor Amores...

2010-06-30T12:29:00.000-07:00

Enrique Faúndez, en una escena de “Amor Amores”
Fotografía: Jose Luis Valdivia

El pasado 26 de Junio en el Teatro de la Universidad de Chile, concluyó la segunda temporada oficial del Ballet Nacional Chileno para lo que va corrido del año. En esta ocasión “Amor Amores”, creación coreográfica del director de la compañía, el rumano-francés Gigi Caciuleanu; inspirándose en interesantes valores nacionales de la música, la poesía y la pintura. La obra planteada por el artista, fue concebida especialmente para nuestro Bicentenario.

Una treintena de cuadros coreográficos, que tienen como centro gravitacional el concepto del amor, es lo que expone Gigi Caciuleanu en su reciente y último montaje. Las variaciones coreográficas en sí, con un buen contenido estético-plástico plasmadas en dúos, tríos, cuartetos y grupo, muestran ingeniosas estructuras, evoluciones y resoluciones desde el aspecto técnico del movimiento y del espacio; no obstante, la esencia como concepto del amor, solamente la vemos limitada a una actitud relacional obvia entre los participantes y a veces ambigua, más allá de un sólido patrón conceptual.

La suma de los aportes individuales de cada creador citado a esta nueva propuesta del coreógrafo (Luis Advis, Óscar Hahn, Hugo Marín y demases), no tiene el efecto multiplicador deseado; muy por el contrario, las disciplinas, creadores e intérpretes involucrados, tienen su propio valor distinguiéndose como tales en ausencia de una esencia amalgamada... ¡un intento válido con resultado volátil y evaporado!.

Ajeno apreciamos el estímulo sonoro en cuanto a los principios dinámico y agógico implícito en toda partita musical y la competencia del compositor (referimos en este punto específicamente a los Preludios), existiendo un mayor compromiso a través del verso y la rítmica conforme a la poesía de Óscar Hahn. Por otra parte, la elección de un registro baritonal, más que la voz tenorina del actor Íñigo Urrutia (quien modula y frasea correctamente), otorgaría una atmósfera de mayor profundad e intimidad a la interpretación y declamación poética. Es igualmente necesario, diferenciar y ahondar la composición coreográfica en los diversos aspectos del amor para visualizar una panorámica ampliada; tales como el amor Ágape, Eros, Filio, Storge, Manía, Pragma y Ludus; solo por citar algunos. Sin duda, ello habría dado cuenta de la semántica y universalidad de la palabra amor.

Como hemos referido en notas pasadas, los artistas del Ballet Nacional se imponen por el profesionalismo y excelencia que les caracteriza. Rita Rossi, Enrique Faúndez y Valentín Keller notoriamente destacados por su compromiso escénico, amén de los ya probados Carola Alvear, Jorge Carreño, Kana Nakao, Carolina Bravo y Vivian Romo.

Para concluir, decir que esperamos verdaderamente expectantes el nuevo montaje de la temporada 2010 del Ballet Nacional Chileno, el cual sin dudas traerá consigo aires frescos y renovados; como así también, necesarios y nuevos desafíos para el crecimiento de nuestros bailarines de Plaza Italia.

Lecturas del amor y el desamor...

2010-06-10T20:27:00.000-07:00

El trabajo mancomunado que desde hace un tiempo llevan a cabo Escenalborde - Artes Escénicas Contemporáneas - liderado por los artistas Rocío Rivera e Iván Sánchez y el Teatro Mauri, permitieron disfrutar a los porteños este domingo 6 del corriente, la puesta en escena “¿Ventana o Pasillo?”. La obra coreográfica, autoría de la creadora nacional Vivian Romo con música original de Carolina Holzapfel, se desarrolló en el teatro porteño con un elenco compuesto por músicos y bailarines en escena más equipo técnico. La agrupación artística liderada por la bailarina y coreógrafa Vivian Romo actuó en diversas comunas de las regiones VI y V, finalizando precisamente en el puerto de Valparaíso. La Itinerancia en cuestión fue financiada por Fondart y el apoyo de instituciones gubernamentales y privadas regionales.

Siete bailarines, (cuatro damas y tres varones) nos introducen en las vivencias del amor y el desamor de la pareja; cuyas relaciones nos llevan por un paseo de emociones dramáticas, irónicas obsesivas, humorísticas e incluso ambiguas. La narrativa a través del movimiento danzado, nos permite incursionar en los intricados pasillos que suele caminar la pareja humana en sus relaciones afectivas, pasando por momentos extremos entre la catarsis y el humor. La coreógrafa desarrolla su exposición por medio de una paleta emotiva que ahonda en lo íntimo y a veces muy complejo del ser humano en cuanto a las pasiones, tormentos, sentires, visiones y concepciones del amor. La psiquis interroga mas no responde a todo, emociones encontradas y otras no resueltas con diversos matices y grados de emotividad están presente en la obra. Reflejan en parte, el diario vivir de una sociedad que corre vertiginosamente en busca de la satisfacción personal; no obstante, la misma se debate entre los intereses y sentires personales de la contra parte. Vivian Romo, plantea el amor como eje de la existencia humana, sus distintas intensidades y apropiaciones entre los seres humanos. La soledad, la ilusión del amor no sufrido, el reflejo en el otro, el amor fracturado, en fin... son las imágenes y sentimientos que los bailarines plasman en escena a través de su entrega en ocasiones con delicadeza y sumisión, otras irreverente y doliente.

El elenco compuesto por bailarines(as) con dominio del movimiento y sus cuerpos, dan cuenta de una sólida comprensión e incorporación de la técnica de base; la misma que les permite respaldar y desarrollar apropiadamente el lenguaje de la danza contemporánea, sus códigos, principios y postulados. Se puede advertir claramente en los intérpretes, una notoria diferencia de los conceptos “a favor y en contra” de la fuerza de gravedad y sus manejos en las caídas y recuperaciones, asunto a veces confuso en la escena local. La validez de una técnica base (entiéndase académico-clásico), cobra importancia vital en esta propuesta. Luis Antonio Baeza, Valentín Keller y David Correa, resueltos y seguros en su danzar, emotivamente comprometidos. Elena Arce, Gianina Hernández, Rocío Espejo y Jenny Sepúlveda; cuidada figura , correcto delineamiento de los matices y carga emocional para el desarrollo de sus intervenciones.

La música, original de Carolina Hopzafel, quien a su vez aporta con la voz a las canciones más la interpretación de su propia música en teclado; se acompaña además de la viola de Tamara Molina y el clarinete de Jair Moreno. La composición de Carolina Holzapfel, sin duda es la directriz del planteamiento coreográfico de Vivian Romo. Podemos decir que ambas artistas llegan a una simbiosis ajustada, siendo difícil apreciar lo creacional por separado; no obstante, el dúo mantiene su esencia primigenia. Ahora bien, el pulso de la pianista casi siempre en “fff o ff “ crea una atmósfera musical de contrastes arrebatadores y cromáticamente agresivo en esta producción, si bien notamos ausencia de los “pp o mp”, amén de otros matices en cuanto a dinámica musical, creemos válida tal actuación por parte de la pianista y compositora, en atención a la sucesión de ideas contenidas y emociones desarrolladas en lo argumental, o mas bien conceptual de la propuesta danzada.

Los elementos escénicos y lumínicos por parte de Marcelo Arancibia cumplen con la necesidad y creación de las distintas ambientaciones. La inclusión de mesones y bancos de fácil transporte en escena, da agilidad y ritmo al concepto cinético de la coreógrafa. El vestuario de Beatriz Zamora; simple y realista, cumple el objetivo e identifica otorgando comodidad a los bailarines intérpretes.

Coppelius, y la magia de Marcia Haydée...

2010-05-31T11:39:00.000-07:00

Rodrigo Guzmán y Luis Ortigoza en una escena de “Coppelius, el Mago”
Fotografía: Patricio Melo

Este 29 de Mayo, en el Teatro del Centro Cultural de Carabineros de Chile, asistimos a presenciar “Coppelius, el Mago”, la nueva puesta en escena del Ballet de Santiago. La creación coreográfica corresponde a Marcia Haydée, directora artística de la compañía y música de Leo Delibes. La nueva sala de espectáculos capitalina ofrece una visión amplia y total desde cualquier ángulo y localidad, además una excelente acústica para la música instrumental; quizás una buena regulación de la temperatura ambiental al interior de la sala, nos permitiría comprobar que estamos ante un espectáculo artístico y no al interior de un baño sauna.

Un poco de historia:
El ballet “Coppelia” se basa en la adaptación realizada por Charles Nuitter y Arthur Saint-León, para uno de los cuentos del clásico de la literatura germana E.T.A. Hoffmann. Su primer coreógrafo fue el francés Arthur Saint León y se estrenó en la Ópera de París el 25 de Mayo de 1870. Su éxito fue rotundo e inmediato; pero a poco andar, las representaciones en la Ópera de París debieron ser canceladas por el inicio de la guerra franco-prusiana (Julio de 1870 – Mayo de 1871). La entretenida historia de Swanhilda, el joven Franz y el excéntrico Dr. Coppelius, incluye además variados y divertidos personajes que lo sitúan como uno de los más famosos ballets-comedia de todas las épocas.

“Coppelia” reúne tres elementos que lo hacen atractivo hasta hoy día como un clásico de baile: Incluye la técnica del ballet clásico, las danzas escénicas y de carácter y la pantomima; todo esto, contribuye a una marcada diferencia entre las obras que le anteceden (aquellas que abarcaron el periodo romántico como “Giselle” y “La Sylphide”) y las posteriores que le sucedieron junto al florecimiento del Ballet Ruso Imperial y el clasicismo por excelencia (“Lago de los Cisnes”, “La Bella Durmiente” y “Cascanueces” entre otras.)

Leo Delibes, comisionado para escribir la música, encuentra en esta partitura su consagración como compositor de ballet, quien a su vez era admirado y reconocido por Piotr Ilich Tchaikovsky como el mejor compositor del género en su época. Escribe para “Coppelia” una partita rica en sonidos, melodía pura y elaborada, usando adecuadamente la variada gama de los timbres instrumentales de las cuerdas, maderas y bronces; sumado todo esto, a una gran diversidad rítmica. Una muestra de ello, es el conocido Vals Lente del Acto I, donde participa la flauta traversa en contrapunte con las cuerdas. Desarrolla la melodía sobre los punteos de las cuerdas (pizzicatos), dando paso al tema principal resuelto por los violines y punteos de los cellos. En esta obra se incluye por vez primera a las “czardas”, danza nacional húngara. “Coppelia”, pertenece al tipo de obras llamadas ballet demi-charactére.

De la creación:
Las reinterpretaciones o nuevas lecturas de los grandes clásicos del ballet, no siempre resultan ser felices; sin embargo, una cosa es clara e indiscutible en esta propuesta... Marcia Haydée, desarrolla una línea argumental fluida, contando su narrativa con buen ritmo y dinámica. Es plenamente convincente, aun cuando difiera en ciertos aspectos del original. Nos adentra al mundo de la magia, nos vuelve a la niñez dorada y al mundo de ensueños que todos llevamos oculto en alguna parte de nuestro ser. La coreógrafa llega a buen puerto con su apuesta para esta magistral y divertida recreación del ballet “Coppelia” (creado para el Ballet de Santiago en 1993). Su particular visión... ¡creyente absoluta en el mundo de los gnomos y duendes según su propia confesión!, Haydée decide “alterar” y dar un protagonismo mayor al excéntrico Dr. Coppelius, transformándolo en el hilo conductor de toda la obra. En esta versión Coppelius es un apuesto gitano con ciertas facultades y poderes mágicos; cuya casa es compartida por unos traviesos enanos y burlescos duendecillos. La misión final del gitano es hacer el bien en la comarca, uniendo en amor a la joven pareja de Swanhilda y Franz. Las danzas compuestas por Marcia Haydée son de gran riqueza estética, chispeantes y en algunos casos complejas. Las variadas danzas, el diseño de piso y fraseo coreográfico, dan contenido al total de la idea planteada por la creadora.

De las interpretaciones:
Natalia Berríos (Swanhilda), nos entrega una excelente recreación del personaje revelándola como una fina comediante. Si bien, la conocemos en estupendas interpretaciones en roles de corte más bien líricos; en esta oportunidad, sorprende por el histrionismo logrado para esta “Swanhilda”. Su personaje es fresco, chispeante, caprichoso y divertido, sumado a la gran técnica que posee, notamos en ella un gran avance como intérprete. Es exquisitamente grácil verla desfallecer de amor por Coppelius; mientras Franz, se desvive por llamar su atención. Natalia Berríos, logra dar contenido y cuerpo a este difícil y exigente rol; ya que requiere una bailarina demi-charactére capaz de incorporar la técnica, la actuación y la pantomima de forma absolutamente natural descartando los estereotipos. Un rol cansador por la carga escénica que conlleva, no obstante Natalia Berríos cumple con los requerimientos y convence en su personaje.

Luis Ortigoza en el personaje de Franz (el joven enamorado) y Tuschk (el muñeco de quien gusta Swanhilda), sale bien parado y con buenos delineamientos para ambos roles. Como Franz, la pasa harto mal recibiendo los constantes desprecios de Swanhilda quien corre a los brazos de un distante Coppelius. Ortigoza nutre su personaje con matices pequeños, pero interesantes que dan brillo a sus intervenciones danzadas. Su Franz, cuan “jote” revoloteando la presa, se desvive en atrevidas danzas y competencias llenas de virtuosismo para llamar la atención de su amada. El segundo acto lo posiciona de mejor manera al representar al muñeco Tuschk, el mismo que gracias a la intervención del Hada del Amor, revela a Swanhilda que es el mismo Franz; descubriendo ella finalmente estar enamorada de él. Hermosa interpretación del Pas de Deux final junto a Natalia Berríos de forma fluida y musical. La coda final del acto segundo, permite lucir su virtuosismo y despliegue técnico.

Rodrigo Guzmán (Coppelius, el Mago), de vuelta a la escena en propiedad tras una seria lesión que lo mantuviera alejado de las tablas, el bailarín nos entrega una muy buena interpretación y recreación de su personaje. Es el hilo conductor de toda esta particular versión que nos presenta Marcia Haydée, el artista compone a un gitano muy varonil y con cierto aire felino que da gracia y carácter a su rol. Rodrigo Guzmán, tiene un buen despliegue técnico en sus giros y saltos y desde el inicio, nos adentra al mundo gitano con el fondo musical del “Pizzicato” de Silvia. Su personaje está bien resuelto en términos de composición, imprimiéndole fuerza y carácter al personaje, Seguro y concreto técnicamente, notamos una madurez como artista en esta etapa.

José Manuel Ghiso en el rol del gitano principal realiza una muy buena intervención. Sólido, técnico y fuerza interpretativa; Pablo Aharonian, asume un simpático personaje: Zimmo, gnomo de los sueños, le permite una divertida y pícara intervención en el Acto II , específicamente en la danza española o bolero.

Maite Ramírez (Hada del Amor) y Gabriel Bucher (su caballero) ambos de bellas líneas danzan un hermosísimo Pas de Deux con interesantes lift, cambios y pasadas compuesto por Marcia Haydée. Ambos ponen el toque lírico a través de esta danza en medio de tanto jolgorio. Técnicamente muy limpios y musicalmente acabados. Maite Ramírez, fina y elegante con buen dominio de sus brazos y pies; solo debe proyectar la mirada para imprimirle luz a su danza. Por otra parte, Gabriel Bucher se muestra como un sólido partenaire moviéndose con elegancia y suavidad. Si atendiese a la parte alta de su espalda, tendría un mayor aplomo en escena.

Solistas y cuerpo de baile, limpios técnicamente y comprometidos en sus roles. Tanto las amigas como los amigos tienen un muy buen desempeño en la escena. Hay que destacar especialmente la fuerza y destreza en los varones gitanos. Ahora bien, en cuanto a las danzas de carácter, especialmente Mazurka y Czardas; habrá que atender al lenguaje más acabado de cada una de ellas. (posturas y posiciones de brazos y piernas en relación a las estrictamente académicas). La limpieza de los brazos, los épaulement, las llaves (simples y dobles), las llaves de finalizacion, la galubietz, la veriovochke, etc., dan finura y calidad a la danza de carácter. Advertimos que si bien, el material correspondiente en parte está incluido en las danzas referidas, el mismo es confuso y poco definido.

La escenografía y vestuario de Pablo Núñez es rico en colorido y tonalidad. La escena del Acto II en colores madera natural, da calidez a la escena interior de la casa de Coppelius. La iluminación de José Luis Fiorruccio, genera las distintas atmósferas a través del relato danzado con buen logro en trabajo de la luz y sombra.

La Orquesta Filarmónica de Santiago, dirigida en esta ocasión por el maestro invitado Pedro-Pablo Prudencio, conduce a buen final esta comedia danzada. Batuta clara y tempo acorde para danzar. La orquesta suena bien timbrada y la diversidad instrumental tiene unidad de cuerpo, llenando absolutamente la sala con sonido compacto, afinado y definido.

Conclusiones:
Las dimensiones del palco escénico en términos de ancho, alto y fondo, lamentablemente son insuficientes para el lucimiento de esta gran producción del Ballet de Santiago. Entre la suma y resta, indudablemente hay muchos más logros que falencias para este peculiar “Coppelius, el Mago” de Marcia Haydée.

Dance & Stage y su apuesta musical...

2010-05-17T10:20:00.000-07:00

Escena de Grease – Dance & Stage
Fotografía: Patricio Melo

En el Teatro Nescafé de la Artes se llevó a cabo este miércoles 12 del corriente, la avant première de Grease, “el musical de Dance & Stage”, compañía que dirige Gustavo Yacobucci. El musical o la llamada comedia musical, un género multidisciplinario y diverso que de tanto en tanto revive en nuestro país con alguna apuesta interesante; sin embargo, aún no ha logrado la permanencia y continuidad deseada en la escena nacional, por lo mismo; cada que vez que se anuncia el estreno de algún musical, éste genera interés y expectación. Quizás el alto costo de sus producciones son la piedra de tropiezo, más que la ausencia de talentos e intérpretes capacitados para el estilo en cuestión. Hoy por hoy, el ex-bailarín y director artístico de nacionalidad uruguaya avecindado en el país Gustavo Yacobucci, es quien, poniéndose en la brecha lleva a buen puerto una empresa casi titánica materializando el sueño que rondaba su cabeza poco más dos años. Grease, obra musical de los autores Jim Jacobs y Warren Casey, debutó en 1972 en la ciudad de Nueva York y que en la pantalla grande (1978), catapultara al estrellato a Olivia Newton-John, consolidando a John Travolta como actor.

Un montaje con ingredientes novedosos, cargado de magia y color, belleza musical y bailes atractivos nos trae la Compañía Dance & Stage y su versión de “Grease”, no es la recreación textual del film del mismo nombre; pero si, rescata lo medular del argumento para esta puesta en escena según visión del director artístico Gustavo Yacobucci. El derroche de vitalidad y energía mostrado en escena, evidencia que los artistas la pasan bien recreando el musical. Un acierto para esta temporada artística del año 2010 en lo que a musicales se refiere, especialmente en un país donde no tenemos continuidad del estilo. La alternativa concebida por el escenógrafo Eduardo Galagher para el Teatro Nescafé de las Artes, es habilidosa proporcionando buen ritmo, agilidad y dinámica al desarrollo del musical. Propone una ingeniosa y acertada escenografía modular transportada por los mismos artistas en escena cuando los cambios así lo requieren, lo que permite desarrollar en 1 hora y veinte minutos aproximadamente la historia ambientada allá por los años 50.

El argumento en sí es bastante simple y nada complejo, pero es la belleza de su música chispeante, dinámica, llena de emoción y energía lo que hace de este musical un éxito rotundo. La trama central podemos acotarla de la siguiente forma: Danny Zuko y Sandy Olsson viven una historia de amor veraniego para luego separarse al término del mismo. Ella debe volver a Australia junto a sus progenitores; sin embargo un cambio de planes por parte de los padres de Sandy, permiten a la joven quedarse en los Estados Unidos y matricularse en el Instituto Rydell, donde estudia su amiga Frenchy. Lo que Sandy no sabe... es que en el mismo instituto, también estudia Danny. Ahora bien, la puesta en escena nacional tiene en Ma. José Gutiérrez y Daniel Donoso a los protagónicos de la obra cuyo origen como cantantes podemos situarlo en los musicales y concursos televisivos. Les secundan un entusiasta elenco de bailarines-actores-cantantes junto a otros ya consagrados. La treintena de escenas que va hilando la historia de ese amor veraniego entre Sandy y Danny transcurre sin baches y es perfectamente comprensible en el resumen de la trama propuesta para la versión chilena.

La intervención de Ma. José Gutiérrez en el rol de la inocente Sandy, se puede catalogar de ajustada y redonda en términos generales. Sin bien, en el primer acto nos pareció un tanto tímida en lo actoral - ¡no así vocalmente! - es bastante convincente con las exigencias del rol durante la segunda parte del programa. Ma. José Gutiérrez posee una voz bien timbrada en el registro de soprano ligera y con un buen manejo de los matices que invita a escucharle atentamente, así pudimos comprobar en su interpretación de “Hoplessly Devoted to you”. Se conduce con desplante en la escena y buen ritmo en las secuencias de baile. Quizás, un mejor apoyo en el manejo de la respiración, ayudará a la cantante a lograr la altura en el agudo evitando calar el sonido. Imprime personalidad teatral a su voz, especialmente en las interpretaciones de “Hoplessly Devoted to you”, “Look at me”(reprise) y “Your the one that I want”. Por otra parte, el joven cantante Daniel Donoso nos adentra en el personaje del díscolo Danny Zuko desde un comienzo. El intérprete vocal maneja la voz con soltura, volumen y buena colocación; poseyendo ademas, un manejo corporal interesante y natural más un buen ritmo para las escenas de baile. Actoralmente compone un personaje creíble, el cual con el correr de las funciones, lo incorporará llevándolo a una mayor interpretación durante el desarrollo del musical. Lograda su interpretación de “Greaselighting” en compañía del sexteto de amigos, “Sandy” y “Your the one that I want”. La Srta. Mc Gee, directora del Instituto Rydell en la obra, está a cargo de Liliana Ross. En esta oportunidad sentimos que la composición del personaje es quizás un poco superfluo atendiendo a las características de una directora. Creemos, sin desconocer la capacidad y trayectoria de la actriz, que faltó carácter al rol. Sus mayores logros, especialmente en “Show Rum & Coca Cola” van de la mano en complicidad con Blanche (Cristian Gajardo), su asistente. Un mayor aprovechamiento de las dotes y carisma teatral de la actriz por parte de la dirección actoral, talvés la habrían posicionado de mejor forma en el papel de la Srta. Mc Gee. La entrée por la platea seguida de su evolución hacia el palco escénico, la sitúan con mayor solidez comunicacional durante el acto segundo.

Joaquín Aguilar, el tenor venezolano radicado en Chile desde 2001 se ha desenvuelto tanto en el género operático, la zarzuela, como también en el canto popular, y es el responsable de encarnar a Teen Angel en la producción nacional. Joaquín Aguilar cuenta con un registro bastante parejo tanto en las notas bajas como centrales y agudos. Su voz es templada y con un cierto metal que la hace interesante. En el rol de Teen Angel el lucimiento es más bien vocal que actoral por la inamovilidad que esta producción le exige al rol, no obstante su interpretación vocal, está cargada de personalidad teatral la cual corre y llena absolutamente la sala. Dominio excelente del fraseo y modulación que permite al espectador escuchar claramente cada palabra emitida. Su línea de canto es definida manteniendo la altura de cada sonido. Desde lo vocal, logra una atmósfera muy íntima en la escena “Beautifull School Drop”. Luna Zurita, (Rizzo en la obra) desarrolla un personaje sólido, atrevido y en abierto contraste a la protagonista. Poseedora de una voz templada y profunda, tiene su mejor expresión en la tonalidad media-baja de su registro. Convence en su aporte actoral realizando una muy buena interpretación vocal del tema “There are worst things”. Vemos en ella una artista bastante completa para los requerimientos de un musical. La emisión de su voz es nítida y clara, apoyando el fraseo en un delicado manejo de la respiración. Nicolás Álamo, cantante con buen desplante y dominio escénico encarna a Johnny Cassino, quien realiza una muy buena interpretación en “Those Magic Change” junto al elenco. Ana José Manríquez, compone a una Frenchy ingenua y bien caracterizada en términos emotivos. Lograda es su participación en la escena “Beautifull School Drop”. Blanche, (Cristian Gajardo) un rol “in travestí” en esta versión, tiene un acertado desarrollo desde el punto de vista actoral y vocal. Un personaje fuerte, lúdico, tratado con finura y lejos de lo grotesco y la caricatura... ¡lo cual se agradece!. Logra un buen matiz de la voz para el personaje, sacando a relucir ex-profeso la identidad de género, lo cual invita a la hilaridad. La escena de mayor compromiso actoral, es quizás aquella que comparte escena con Frenchy en el cuadro tercero del acto segundo.

Las coreografías en su mayoría de Rosita Piulats, dan cuenta de su conocimiento y experiencia en materia de musicales. Va al hueso... efectistas y de primera línea con mucho ritmo y sentido del espectáculo, lo cual se ve reflejado en los distintos cuadros que la creadora propone para el musical. Cuenta además, con un muy buen elenco de bailarines y bailarinas que traducen eficazmente el ritmo y diseño que ella demanda en escena. Se ve un cuerpo de baile homogéneo, aun cuando su procedencia corresponde a diversas escuelas y estilos. Sandra Barrios, responsable de la coreografía en “Hoplessly Devoted to you”, da un sello de intimidad al sexteto compuesto requiriendo de una mayor técnica en las evoluciones y frases diseñadas. Ana Manríquez y Cristian Gajardo, aportan lo suyo coreográficamente hablando en “Those Magic Changes” y “Rum & Coca Cola”. La dirección actoral corresponde a esta misma dupla (Manríquez - Gajardo) que en el contexto general puede entenderse como ajustada y satisfactoria.

La iluminación y diseño de luces (Alberto García); vestuario (Rodrigo Flores); maquillaje y caracterizaciones ( Ximena Pérez y Fabiola Catalán); Apliques, pelucas y peinados (Mauricio Cid); dan testimonio de sus respectivas capacidades y experiencia relativo al mundo del espectáculo. La dirección orquestal a cargo de Luis Alberto García, cumple el objetivo primero de exponer la música con fidelidad y estilo; y segundo, ser una buena acompañante para los artistas del canto y la danza.

Conclusiones: Se agradece la puesta en escena de Grease, “el musical de Dance & Stage” desarrollada con grado de alto profesionalismo y cuidada producción, como igualmente el interés de Gustavo Yacobucci para rescatar este entretenido y hermoso estilo musical. Pensamos que una temporada de 12 funciones no refleja el arduo trabajo que significa un montaje de esta envergadura; por lo mismo, ojalá pueda extenderse el plazo en cartelera del musical en cuestión ya sea en la misma sala u otra de similares características. Finalmente decir: ¡Llevarla a provincias es un deber !

El Banch traduce a Neruda...

2010-04-27T19:30:00.000-07:00

“Carne de Aire”
Ballet Nacional Chileno
Fotografía: Karin Pozo

Los artistas del Ballet Nacional Chileno culminaron el sábado 24 de abril recién pasado con la puesta en escena de la obra “Carne de Aire”, la misma estrenada en 2004 y remontada para la presente Temporada. La creación coreográfica corresponde al director artístico de la agrupación Gigi Caciuleanu; con música de Alfredo Bravo y la poesía del vate nacional Pablo Neruda. Un ciclo de ocho funciones testimoniaron en el Teatro de la Universidad de Chile, este primer título del Banch para la Temporada 2010.

La métrica en diversas combinaciones del verso nerudiano, el respaldo sonoro del bailarín y compositor Alfredo Bravo; más el sentido de movimiento - dirección, velocidad y fuerza – que propone Gigi Caciuleanu, otorgan a esta puesta en escena un toque muy particular . Es una composición danzada que fluye de principio a fin. Aun cuando el coreógrafo nos tiene acostumbrados a la clásica sucesión de dúos, solos y coros; podemos decir que en esta oportunidad logra a través del mismo formato, un resultado bastante acertado. La amalgama y mixtura de una idea danzada, tiene su correspondiente afín en el ritmo verbal, más allá de lo estrictamente musical. Quizás la verdadera música es la métrica poética; pues la música de Alfredo Bravo, si bien ofrece a la coreografía de Caciuleanu un sonido de fácil audición y procesar, es mas bien un apoyo descriptivo a la composición danzada que melodía en sí. Armado de guitarras, bajos y elementos programáticos en operativa digital, logra una partita comprometida con la dinámica, flujo y velocidad que requiere la danza propuesta. El recitado - en off - del actor Alexander Baxter; el mismo que si bien es cierto, no posee una voz profunda y bien timbrada para la declamación, obtiene a través de las inflexiones y matices monocordes que emprime a su voz, dar una sonoridad base al movimiento; la cual a veces se entrelaza con la composición musical de Alfredo Bravo y en otras actúa per se.

Un conjunto de 20 cuadros danzados dan cuerpo a “Carne de Aire”; obra coreográfica en que el creador rescata y selecciona algunos poemas de los volúmenes "Extravagario", "Los Versos del Capitán", "El Libro de las Preguntas" y "Residencia en la Tierra" del poeta Pablo Neruda. Gigi Caciuleanu, apoyado de elementos como redes de pescadores, cadenas y módulos entre otros; traduce de manera efectiva y sugerente el verso al movimiento, si bien en algunas escenas se maneja literal a la palabra, en otras desarrolla segundas lecturas interesantes de ahondar. La dinámica y búsqueda de lenguaje propuesto, enriquece y fluye durante esta puesta en escena.

El elenco del Banch, es un cuerpo de baile afiatado y maduro, técnicamente sólido y disciplinado en su actuar, que traduce con fidelidad la idea de su creador. Imágenes de gran belleza nos entregan los dúos “Barcarola” y “Amor Azul” interpretados por Alex Gauna y Kana Nakao, bailarines de hermosa plasticidad y dominio del movimiento danzado. El solo de Carola Alvear en “Si tu me olvidas” y en el dúo “Tango del Viudo”, confirman una vez más la calidad interpretativa y artística de la bailarina. Jorge Carreño, quien siempre sorprende con su técnica y danza fluida; obtiene un acertado desempeño en “Neruda Song” junto a Rita Rossi; “Preguntas” junto a Cesar Sepúlveda y “Tango del Viudo” junto a Carola Alvear. Por otra parte, correctos en su desempeño Natalia Schonffeldt (“La Novia Fugitiva”; silente y esquiva ), Vivian Romo (“La Desdichada”; fuerza dramática y contenido), Rita Rossi (“Neruda Song”; envolvente y plástica en su danzar), Josselyn Morrison (“Bella”; sensual y acariciadora), Cesar Sepúlveda (“Para Subir al Cielo” y “Preguntas”; sólido y determinado en su mover), Cristian Contreras (“Flamenco”; fuerza y precisión musical ), Ivan Antigual (“La Desdichada”; sólido y presencial en el segundo plano) y el joven Valentín Keller (“Serpientes”, quien se impone por la calidad y manejo ondulante de su movimiento; tanto en lo ligado como en lo quebrado). La sorpresa sin duda en esta pasada, nos la entrega el bailarín Enrique Faúndez, quien a través de su interpretación en “Bella” junto a Josselyn Morrison y específicamente en su “Solo a la Ventana”, nos da cuenta de un bailarín en ascenso, seguro en su ejecución con rigor técnico e interpretativo. Logra calar en la intimidad del espectador a través de la proyección que le imprime a su danza.

La escenografía y diseño de luces de Dan Mastacan, respaldan las escenas propuestas por Gigi Caciuleanu dando calidez y frialdad al mismo tiempo. Se logran atmósferas interesantes a través del colorido lumínico. El vestuario diseñado para esta propuesta es mas acorde a la danza, exceptuando algunas prendas color carne, la cual no favorece en algunos casos.

50 años de formación y tradición clásica...

2010-04-17T21:00:00.000-07:00

Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago
Simon Hidalgo (primer plano)
Fotografia: Esteban Ortiz

Este año de 2010, cuando la patria celebra sus doscientos años de vida independiente, - muy sacudidos por cierto - la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago cumple 50 años dedicados a la formación artística. El caminar de la mencionada institución en esta media centuria no ha sido fácil; pero sí, el aporte al arte y la cultura ha sido permanente y sostenido. Bailarines intérpretes, maestros, coreógrafos y directores han salido de sus aulas en estos 50 años de vida formativa.

NACIMIENTO DE UNA ESCUELA:
Corría el año de 1960, época en que se concreta el sueño que rondaba en la mente y el corazón de la bailarina yugoslava Irena Milovan; otrora ex-primera figura del Ballet de Arte Moderno (BAM), actualmente connotada maestra de renombre internacional. Por aquel tiempo y a un año de haberse conformado el elenco del BAM en 1959, bajo la dirección del fallecido maestro Octavio Cintolesi (hoy Ballet de Santiago), Irena Milovan comprendió que era urgente contar con una escuela formativa, la cual a futuro proveyera de bailarines a la compañía recién creada. Para ello y junto al maestro Octavio Cintolesi, solicitaron a los bailarines del BAM que tuvieran mayor experiencia y que así lo quisieran, pudiesen colaborar con las labores pedagógicas en la incipiente escuela. Es así como encontramos a la misma Irena Milovan junto a Rosario Llansol, más adelante se sumarían Virginia Carlovich y Alan Woodward entre otros; todos ellos, abocados a la tarea de impartir clases sin mayor retribución que las sonrisas y avances de sus entusiastas pupilos.

Podría deducirse que por aquel entonces había una gran voluntad en el profesorado más que método conocido en profundidad; o al menos, revisado en rigor para abordar el proceso enseñanza aprendizaje. Es muy posible que el sistema del “mírame y sígueme y agárrate como puedas”, haya tenido gran valía al menos en sus comienzos... todo esto, con las consiguientes cefaleas para los noveles estudiantes, más las sesudas interrogantes para los aguerridos maestros.. Ahora bien, transcurrido el período de marcha blanca y sumado a las constantes visitas de bailarines, maestros y coreógrafos invitados a la compañía del BAM, se fue creando la necesidad de contar con un sistema y patrón común de enseñanza establecido para incorporarlo a los planes y programas de la Escuela de Ballet. Irena Milovan permanecería en la dirección hasta 1966, año en que la bailarina regresa a Europa. Le sucede en el cargo directivo el maestro Charles Dickson (1966 – 1967), continuando con la bailarina y coreógrafa Blanchette Hermanssen a la cabeza (1968 – 1969); y los próximos diez años (1970 - 1980 ), la dirección recaería en la persona de la ya fallecida periodista y crítico de arte, Sra. Yolanda Montecinos.

ESTABLECIENDO LOS FUNDAMENTOS:
Durante la dirección de Yolanda Montecinos, la escuela se orienta a un objetivo más riguroso y profesionalizante. Las bailarinas Rosario Llansol, Mabel Silvera, Cristina Echelini, junto a los primeros bailarines Haichi Akamine y Carlos Reyes entre otros; cumplían por aquellos días, además de sus responsabilidades artísticas con la compañía, las labores formativas en la Escuela de Ballet. En este período se establece un sistema de enseñanza de al menos 7 años de estudios para la formación de un bailarín, con clases cinco veces a la semana. Se hace necesario entonces, contar con un cuerpo de profesores abocado específicamente a la Escuela, subsanando de esta forma la dependencia de los artistas de la compañía para la realización de las clases. Allí surgieron nombres como Carmen Pulido, Osvaldo Geldres, María Eliana Azocar y Alicia Targarona entre otros; quienes procedían de la antigua troupe del maestro Vadim Sulima, la cual había tenido su apogeo y desarrollo durante la década de los años 50.

Avanzando en el tiempo, llegamos al año 1972; período en que el connotado pedagogo ruso ya fallecido Alexander Prokofiev, asume la dirección del entonces llamado Ballet del Teatro Municipal. Dicho maestro comparte junto a su esposa, un primer sistema de enseñanza metodológica para bailarines y profesores del teatro. De allí en adelante se puede hablar de una escuela un tanto más estructurada, con fundamentos sólidos y respuestas a los vacíos que existían por aquellos años. Según conversaciones sostenidas con bailarines y maestros de la época, los mismos coinciden en que el maestro Alexander Prokofiev vino a esclarecer y asentar lo que faltaba: una metodología. Si bien es cierto, el director y maestro tuvo que partir en un abrir y cerrar de ojos producto de los acontecimientos políticos imperantes en 1973; el mismo, se dio tiempo para terminar las últimas lecciones de metodología en su domicilio particular antes de que fuese subido al avión de regreso a Moscú. Es una realidad que no hubo tiempo para profundizar y realizar el análisis correspondiente a los aspectos metodológicos; pero sí, se puede hablar de un antes y un después en la forma de enseñar a partir del aporte de este maestro en aquellos días. ....”nos dejó una puerta abierta y un camino claro a seguir”... así nos lo refiere Rosario Llansol, ex-primera figura del Ballet del Teatro Municipal y posterior directora de dicha agrupación; quien permaneciera como docente en la escuela desde los inicios de la misma, hasta el momento en que la artista fuera nombrada primera bailarina en la compañía del teatro capitalino.

Por otra parte, la bailarina Paz Montero, quien desarrollara su carrera profesional en Europa; nos relata que por aquellos días, si bien ella misma no estaba interesada en la metodología como para ejercer la docencia – pues su objetivo primero era bailar - declara que este tipo de clases, ayudaba enormemente al bailarín para la mejor compresión y ejecución de la técnica exigida en la sala. Durante este período, Alicia Targarona conocida maestra de Técnica Académica, se iniciaba en todo lo relativo a la metodología; profesora que se mantendría por espacio de 26 años en la Escuela de Ballet produciendo generaciones de bailarines.

AMPLIANDO HORIZONTES:
El regreso en 1980 de Luz Lorca (actual sub-directora del Ballet de Santiago) de la mano de Octavio Cintolesi, proporcionaría a la ex-bailarina del BAM; la oportunidad de reformular, ampliar y consolidar nuevos objetivos y desafíos para la Escuela de Ballet. Durante esta década Luz Lorca, aparte de su cargo en la sub-dirección del Ballet de Santiago, - ahora bajo la atenta mirada del húngaro Ivan Nagy - asumirá la dirección de la Escuela. El principio rector de su administración: La excelencia. Es en esta época donde se potencia el talento ante todo, se incrementa el número de estudiantes varones mediante becas especiales, se firman convenios con las escuelas de Houston, Nueva York y Londres para el perfeccionamiento de los alumnos destacados. Se brinda a los educandos las herramientas necesarias para convertirse en un profesional de la danza. Se les exige al mismo tiempo, esfuerzo, espíritu de superación y sacrificio en pos de la meta.

A poco andar, el talento femenino se ve representado en concursos infantiles de ballet durante los años 1984 - 1987 en el extranjero. Tal es el caso de Lidia Olmos, hoy primera bailarina de la compañía, al igual que Ingrid Fuchlocher y Cherie Mancilla entre otras; regresando al país con sendos primeros o segundos lugares por sus participaciones en Lima. En lo pedagógico, se sumarían nuevos maestros, como es el caso de los ex-bailarines(as) Blanchette Hermansenn, Pedro Vivar (Q.E.P.D), Marta Hertz, Rosa Rivano, Claudio Muñoz, José Luis Sobarzo y Diana Escalante(Q.E.P.D). Por otra parte, la escuela, ahora ubicada en territorio propio después de deambular un par de años por sectores extra muros del coliseo municipal, mantendrá una actividad permanente en lo relativo a difusión, por lo mismo en pocos años se logra un repunte de proporciones llamando poderosamente la atención de los medios. Ante la necesidad de contar con un elenco que cubriera las temporadas de ópera, especialmente aquellas que requerían de un elenco de baile; Luz Lorca, crea en 1982 el Taller Coreográfico anexo a la escuela. Con esta iniciativa el Ballet de Santiago podría abocarse de lleno a sus temporadas y giras nacionales e internacionales; y lo más granado de la escuela, asumiría la responsabilidad de bailar en las óperas. Pasado el tiempo y vistos los avances, sumado a la aceptación del público y la prensa; el elenco se institucionaliza durante 1988 con el nombre de Ballet de Cámara del Teatro Municipal. Contará para ese entonces, con el apoyo de las autoridades corporativas, de la prensa especializada, de los coreógrafos André Prokovsky (fallecido), Jaime Pinto y Luz Lorca, su directora. Posteriormente este conjunto sería dirigido por Claudio Muñoz entre los años 1991 a 1996 y tras un breve receso, tomaría la dirección en 1998 y por espacio de una década aproximadamente, el laureado coreógrafo nacional Jaime Pinto. El período directivo de Luz Lorca en la escuela finaliza cuando es nombrada directora titular del Ballet de Santiago a finales de 1990. Al año siguiente tomará la dirección de la escuela, la ex-bailarina Marta Hertz, por un lapso de cuatro años; quien aparte de su labor docente, ha tenido la responsabilidad igualmente de preparar a las alumnas para concursos y festivales, como así también ha desarrollado labores de repetiteur en ciertas obras del repertorio que promueve la escuela. A partir de 1995 y hasta la fecha, la dirección está en manos del ex-bailarín y coreógrafo Patricio Gutiérrez. Durante esta administración nuevos rostros en el plantel docente se han sumado a través de estos 15 años. Macarena Montecinos, Cyril de Marval, Pablo Aharonian, Edymar Acevedo, Sergio Ortiz y Tamara Kiryak son alguno de ellos. Por otra parte, la destacada maestra y metodóloga titulada en la Escuela del Teatro Bolshoi de Moscú, Sra. Bessie Calderón, - por años maestra de la Escuela y el Ballet de la Opera de Estocolmo - ha aportado estos últimos años, con la revisión de los aspectos metodológicos del sistema Vaganova en la formación de interpretes, tanto con los profesores del plantel como externos a la escuela. Su labor en la casa de estudios artísticos, ha estado centrada principalmente en desarrollar la técnica y limpieza estilística de los alumnos en los cursos superiores, reponiendo además obras del repertorio universal.

Bailarines(as) chilenos como Lidia Olmos, Jacqueline Cortés, Natalia Berríos; Miguel Angel Serrano, César Morales, Paola Georgudis, Paola Hartley, Fernando Moraga y Miroslav Pejic entre muchos otros, son el ejemplo del trabajo férreo y disciplinado que los llevó a grandes desafíos, conquistando un sitial en el arte de la danza. Hoy por hoy, la escuela cuenta con dos promisorias figuras masculinas: Sebastián Concha, que si bien su formación la completó en los Estados Unidos, igualmente es parte muy nuestra ya que sus primeros años de estudios los realizó en los salones de la calle Moneda 759. Sebastián Concha, quien fuera llamado por la prensa como “El niño dorado del ballet” y ganador del Prix de Laussanne 2009; se unirá el año entrante a las filas del Ballet de San Francisco, Estados Unidos. Por otra parte; el juvenil Simón Hidalgo, quien regresó a finales de marzo desde Hungría donde cumpliera una etapa de perfeccionamiento en la prestigiosa Escuela de la Opera de Budapest, se ha reincorporado por estos días , al elenco del Ballet de Santiago. Tal como ellos, muchos alumnos de la escuela... realizaron, están cumpliendo o realizarán el sueño de bailar en un escenario gracias a la visión que un día tuviera Irena Milovan, su gestora principal. La artista yugoslava, hoy artista del mundo; a la distancia mira y sonríe complacida el fruto de la semilla que un día plantó en las movedizas tierras chilenas. ¡¡Gracias Irena Milovan!!

En el deseo sincero de que las autoridades corporativas del Teatro Municipal de Santiago, encuentren las mejores estrategias allegando recursos para dotar de una infraestructura apropiada y salones varios a esta gran casa artística, la cual hoy se ha visto afectada en su sede por efectos del terremoto; saludamos afectuosamente a la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, a sus directores, maestros, pianistas, administrativos y auxiliares.

¡¡FELIZ ANIVERSARIO!!

Giselle...

2010-04-12T06:34:00.000-07:00

Luis Ortigoza - Natalia Berríos
Fotografia: Patricio Melo

Fuera de la casa madre y por causa de los acontecimientos sucedidos el 27 de febrero pasado - evento conocido por todos los chilenos - el Ballet de Santiago fiel al dicho que reza: la función debe continuar..., este sábado 10 de abril concluyó en el Teatro Teletón con las presentaciones del ballet Giselle. La agrupación artística liderada por Marcia Haydée tuvo en el recinto de las grandes y exitosas cruzadas de solidaridad; el espacio alternativo para representar la trágica historia de la sufrida aldeana. Es una realidad que el recinto de la calle Rosas carece en rigor de las dimensiones apropiadas en cuanto a espacio, infraestructura técnica y cualidades acústicas para este tipo de espectáculos; pero también es cierto, que la historia de este gran clásico, obra cumbre del periodo romántico del arte coreográfico universal; bien merece la pena seguirlo donde sea, aun cuando hayamos resbalado en esta ocasión... desde la felpa al mimbre.

A 169 años de haberse estrenado la primera “Giselle” concebida coreográficamente por Jules Perrot y Jean Coralli en 1841; hoy en dia esta obra danzada sigue conquistando adeptos de todas las edades. Actualmente, Ivan Nagy y Marilyn Burr han sido los responsables de la revisión coreográfica de “Giselle” para el Ballet de Santiago. El conocido matrimonio de artistas bailarines, han realizado un delicado y cuidadoso montaje para la compañía chilena en cuanto al estilo y técnica de la obra en cuestión. Es destacable el trabajo logrado con el cuerpo de baile femenino. Pudimos apreciar en las bailarinas del elenco, un estilo definido y claro en torno a los brazos, cabezas, tronco y precisión en las piernas; siendo un verdadero agrado verlas bailar. Marilyn Burr reafirma una vez más, su calidad de maestra, repositora y conocedora de los estilos.

Natalia Berríos, primera bailarina responsable de representar a Giselle en esta ocasión, compone quizás uno de los mejores roles de su carrera artística. Entregada al personaje con absoluta naturalidad, representa a una campesina fresca e inocente en el acto primero. Los aspectos técnicos de su danza se dan fluídos, danzados y atentamente musicales. Hacia finales del primer acto y enterada de la traición del Duque Albrecht (Luis Ortigoza), nos hace sentir la madurez interpretativa a la que ha llegado esta artista. La escena de locura sobrecoge a momentos por su emotividad y compromiso narrativo, generando sentimientos fuertes en el espectador. El exigente acto segundo corona a Natalia Berríos como una intérprete madura, dueña de una técnica trabajada y depurada en dedicación - Aun con el inconveniente de tener a distinguidas señoras peinadas de peluquería en los asientos delanteros que obstaculizaban la visión - pudimos notar la belleza y manejo de sus pies trabajados con ahínco, sumado a la belleza y fluidez de sus brazos y delicado trabajo del torso. El Gran Pas de Deux, fue ejecutado con extrema precisión, musicalidad y estilo mostrando a una Giselle absolutamente espectral.

El bailarín estrella Luis Ortigoza (Albrecht), nos hace llegar en esta oportunidad un personaje muy cercano y mas bien alejado de la pirotecnia virtuosa que el artista posee; centrándose en lo esencial que demanda el personaje: la entrega interpretativa. Por mucho tiempo, Luis Ortigoza nos ha deslumbrado por una supra técnica la cual no admite discusión y maravilloso es que la posea; pero extrañábamos un acercamiento mayor hacia lo teatral. En esta ocasión, sentimos que nos hemos reencontrado con el artista mas allá del excelso técnico. Es genial... pues significa que sigue creciendo. Fino en su manejo como partenaire, musical y elegante en su danza solista. Luis Ortigoza, vuelve a la esencia de un rol que no demanda mayor virtuosismo; sino una correcta ejecución, estilo e interpretación. Así lo ha demostrado en escena y es lo que hemos recibimos como espectadores. ¡¡Bravo!!

Ya recuperado de la lesión que lo mantuviera alejado del baile, Rodrigo Guzmán regresa a escena con el vengativo personaje de Hilarión. Resolutivo en términos de danza y bien compuesto desde la dramaturgia; Rodrigo Guzmán sostiene el personaje con presencia, fuerza y solidez. Creíble y convincente en el momento que desenmascara a Albrecht frente a su enamorada y distante Giselle.

La elección adecuada de un par de zapatillas de puntas en buen estado para la escena; más unos kilos de menos en ambos bailarines; marcarán la diferencia entre la correcta o incorrecta ejecución del Pas Paysan. La fuerza de gravedad a veces juega malas pasadas. Lamentablemente en esta ocasión, Elizabeth Espinoza y Esdras Hernández no cumplen con la exigencia que demanda este brillante y preciso Pas de Deux.

Ananda Storino en el gélido rol de Mirtha, convence desde la caracterización del personaje con bastante fuerza y determinación. Poseedora de un gran salto y limpieza en la batterie - aspectos necesarios para el personaje - no obstante, con algunas impresiciones técnicas en su danzar que debilitan la autoridad del rol . La caída de las puntas en ciertos pasajes, sustraen la magia al mundo espectral de la reina de las Willis.

Las bailarinas Monserrat López como Moyna y Elizabeth Espinoza como Zulma, técnicamente sólidas y correctas en sus intervenciones solistas. Francisca Moya (Bathilde), Loreto Reategui (Berthe), Sergio Morales (Wilfred) y Cyril de Marval (Duque) cumplen en propiedad con los personajes asignados para el desarrollo de la obra.

La Orquesta Filarmónica de Santiago, conducida por José Luis Dominguez, merece el mayor aplauso y reconocimiento. En un recinto como el Teatro Teletón, donde la acústica es nula, todo sonido se siente seco y asordinado. Los artistas de la Orquesta Filarmónica se defendieron como gato de espaldas intentando sacar de las cuerdas, bronces y maderas un sonido templado. La diferencia de matices y gradaciones entre el forte y piano, no tienen mucha validez en aquella sala. El conocido y probado trabajo de Pablo Nuñez en cuanto a Escenografía y Vestuario, se ve en desmedro por falta del recurso lumínico apropiado para resaltar toda la paleta de colores y sus gradaciones.

La gran dama del ballet chileno

2010-01-31T14:05:00.001-08:00

Portada del libro sobre la vida de Sara Nieto

Las autoras Marisol Calderón Dondero y Francisca Folch Couyoumdjian, son las responsables de la investigación y redacción del libro “Sara Nieto, vida de una bailarina estrella”. El dúo coautor nos revela de modo ágil, ameno y entretenido los inicios, sueños, interrogantes, osadías, peripecias, dolores, angustias y entre telones del caminar personal y artístico de la gran bailarina uruguaya Sara Nieto, avecindada en Chile desde la década de los 80'. Marisol Calderón Dondero, periodista y Francisca Folch Couyoumgjian, licenciada en letras; ambas ex-alumnas de Sara Nieto en algún período de sus vidas, entregan a través de casi 400 páginas y trece capítulos, un relato serio, emotivo y acorde a los hechos y situaciones vividas por Sara Nieto como persona y artista. Rescata esta historia una época interesante del ballet chileno y sus transversalidades. Lejos de toda subjetividad, el trabajo realizado es un verdadero aporte a la historia de la danza y el ballet chileno. Es un libro que genera interés más allá del balletómano apasionado, estando al alcance y comprensión de cualquier lector.

Una vez iniciada la lectura es difícil desconectarse del texto en manos (que lleva a la fecha su segunda edición), las diferentes situaciones, anécdotas y pasares de la vida de Sara Nieto, envuelven al lector adentrándolo en un mundo soñado por la artista, e invitándolos a ser cómplices de los mismos. Las autoras logran captar la esencia de Sara Nieto mediante un lenguaje cercano, el cual va entregando detalles importantes de su vida tanto a nivel familiar como profesional, atravesando por épocas de ensueño, otras en base a realidades no exentas de dolor, proyectos consolidados y la estabilidad artística. Así también, se aborda de paso el sentir político, social y artístico imperante en el período abarcado tanto en Uruguay como en Chile principalmente.

Se puede visualizar entre líneas como desde muy pequeña, esta artista había sido llamada para ser grande entre los grandes. La Divina Providencia fue entretejiendo y abriendo puertas, poniendo personas precisas y creando situaciones para que llegado el momento... Sara Nieto pudiera tomar el sitial que le había sido asignado. Comprobamos a medida que el relato avanza, que la artista es y fue siempre una persona común y corriente; digamos, más corriente que común. Lejos de todo divismo, Sara Nieto nunca sintió o percibió en su ser lo que el resto del mundo veía en ella. Madre atenta, esposa colaboradora y artista exitosa son las características de esta mujer que construyó su carrera en base al esfuerzo y tesón, al trabajo duro y continuo; mas no exenta de un enorme talento y fuerte personalidad escénica.

A quien escribe estas líneas le correspondió presentar este miércoles 27 de Enero de 2010, el libro “Sara Nieto, vida de una bailarina estrella”; en el marco de la 28ª Feria del Libro de Viña del Mar. Una vez leído el mismo, cabe una interrogante válida y que nace de modo espontáneo y natural frente a la lectura acuciosa. ¿Qué hace una artista de la magnitud y trascendencia de Sara Nieto... fuera de la arena del Teatro Municipal y del Ballet de Santiago? Sabemos y comprobado está, que las grandes agrupaciones y conjuntos artísticos que gravitan en la escena internacional, forjan su historia y legado creando tradición en base a los artistas e intérpretes que entregaron un sello de calidad indiscutible y señero en su quehacer.

A Marcela Goicochea en su despedida

2010-01-03T18:09:00.000-08:00

Marcela Goicochea
Fotografía: Patricio Melo

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A la amada musa de amplia sonrisa y mirada serena, artista consumada y ser humano excepcional, ¡la danza!... tu más devota amiga y compañera de siempre, de tantas alegrías y penurias se pregunta hoy... ¿Por qué me abandonas Goico? ¡Aún te necesito!

Te fui fiel hasta el último rincón donde llevaste mis postulados. Te vi crecer, desarrollarte, madurar y ser aclamada por multitudes. Secretamente yo me gozaba y enorgullecía entre bambalinas con cada una de tus recreaciones en escena; perdón... ¡Nunca te lo dije! Siempre te exigí mucho más y en tu humildad jamás me reclamaste. Íntimamente me decía a mi misma... esta chica vale, porque ha sido obediente y disciplinada ante mis principios.

Triste y atribulada estoy amiga mía... juntas caminamos durante años, puse a tu servicio los mejores coreógrafos, intérpretes, diseñadores, directores, músicos, artistas y teatros para tu lucimiento; mas siempre me decías que te absorbía mucho tiempo. Nunca entendí... tu corazón anhelaba igualmente lo que yo no te podía dar: el calor de una familia. En medio de mi pena debo confesar niña mía, que admiro tu coraje y valoro tu decisión. Me abandonas en el pináculo de la carrera que construí para ti; pero no te preocupes... entiendo que la decisión no está en mi. Eres mujer sabia; pues has sabido escuchar al Supremo Director tras la escena... El Dios Creador de todas las cosas, te ha mostrado el momento preciso de tomar nuevo rumbo.

Sólo una cosa pido amiga de las luces en honor a nuestra amistad... mis postulados deben continuar, descansa cuanto tiempo desees; pero de tanto en tanto permíteme visitar tu corazón. ...¡y por favor!... no me cierres la puerta; necesito a la Goico, para legar mis principios y así yo poder vivir.

Charles Benner

Simón Hidalgo, un nombre que promete...

2010-01-01T10:23:00.000-08:00

Simón Hidalgo
Fotografía: Patricio Melo

El imberbe y espigado coterráneo de tan solo 17 primaveras Simón Hidalgo, se encuentra por estos días en tierras húngaras para demostrar su arte ante las exigentes miradas de los maestros de la Escuela de Ballet de la Ópera de Budapest. Una beca otorgada por la Corporación Cultural de Santiago, ha permitido al doncel referido; montar vuelo transatlántico saliendo del terruño por vez primera y enfrentar así, el desafío para su crecimiento y perfeccionamiento en el arte de la danza. Simón, un joven lleno de esperanzas, inquieto con cara de niño aún y fulgor llameante en sus ojos; siente el temor natural que significa alejarse del nido, pero muy seguro a la vez, del conocimiento aprendido en la Escuela de Ballet y el talento que le fuera regalado por el Omnipotente y Soberano Dios Todopoderoso. En la convicción más intima de su ser, el mozuelo tiene la certeza que nació para bailar y tener un lugar en el concierto de la danza.

A la edad de su más tierna infancia y ante los ojos curiosos de mamá, el niño Simón, inventaba “pasos y danzas” cuan consumado coreógrafo imitando cisnes y personajes en su pueril imaginación. La familia, personas de trabajo y gran esfuerzo no contaban a la fecha con antecedentes ni vetas artísticas; sin embargo, a Simón le había sido impregnado en su numen el arte del movimiento y la danza. La progenitora guardó por algún tiempo el secreto sobre la gracia de su retoño ante el posible rechazo del padre; sin embargo estuvo atenta y a la edad de 9 años, lo aproximó a la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago. Una vez en el salón de clases, junto a otros postulantes que también rendían examen de admisión frente a la comisión de expertos; nuestro “petit danseur”, se dispuso ha interpretar lo más granado de su repertorio; pero cuan mayúscula sería su sorpresa, al comprobar que una señora... ¡Una de las maestras! ( término absolutamente desconocido hasta entonces para el infante ), se limitó a solicitarle entre otras cosas: una levantada de patita por aquí, una abertura tipo ranita por allá, unos cuantos rebotes más algunos palmoteos para probar el oído y... ¡para afuera! ¡a esperar resultados! ...Una vez reunida la comisión, esta informa a la madre, que Simón había sido aceptado en la Escuela a pesar de un pequeño problema en su espalda.

Desde aquel día en adelante, comenzó el romance entre el niño Simón y la Escuela de Ballet. Junto con ello, cumplía sus labores escolares, que en principio no alteró en demasía la elección del infante; no obstante a medida que iba subiendo de cursos en la enseñanza básica y pasando a niveles superiores en la Escuela del Teatro, la cosa comienza a complicarse y a tomar color de hormiga... Debía faltar al colegio, conseguir permisos extraordinarios, inventar dolencias etc, etc, etc... sumado a una verdadera peregrinación de colegio en colegio buscando la flexibilidad horaria... En fin, resultado: durante el 7mo. año básico, abandona la educación formal para rendir exámenes libres. Algo verdaderamente inusual para un chico tan pequeño, pero había que potenciar el llamado y seguir carrera. Por lo mismo, es lamentable que en este país, granado y fértil en cuanto a capacidades artísticas; se pierdan aptitudes, dotes y talentos ( músicos y bailarines especialmente debido a la a edad que deben comenzar a hacer carrera ), por falta de una política educativa adecuada que permita el desarrollo artístico, creativo e interpretativo de los infantes. Hoy día, Simón continúa su enseñanza media rindiendo exámenes en la modalidad libre... Respecto a papá: ¡no se pudo mantener por más tiempo el secreto! Una conversación de mamá con el jefe de hogar quien en primera instancia no parecía estar de acuerdo; le bastó observar al polluelo en una función de la Escuela, para darse cuenta que tenía en casa un talento en potencia y un futuro artista.

Es así como Simón cumplió con todos sus estudios y materias en la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, codeándose con los artistas de la compañía. En tres temporadas, le cupo representar el rol de Fritz en el Ballet Cascanueces; solo hubo de soltarlo en la presente versión 2009, por haber crecido demasiado y ser ya todo un jovencito. Sus inicios en la Escuela fueron primeramente de la mano de Macarena Montecinos, seguido de Patricio Gutiérrez, director y profesor de la Escuela, más todo el staff de formadores; no obstante en su corazón, hay un lugar muy especial para Marta Hertz García; maestra, ex-directora de la Escuela y otrora bailarina del Ballet de Santiago, quien estuvo a su lado durante los momentos difíciles ante la típica pregunta de todo adolescente en formación... ¿Serviré para esto?. Aun así, quien nos convoca al presente artículo, se graduó el año de 2008 con excelencia pasando a integrar el Ballet de Santiago en calidad de pre-aspirante, rango necesario para construir una sólida carrera. Simón Hidalgo, orgullo de sus maestros y compañeros de aula es producto absoluto de la Escuela; chileno de pura cepa con sabor a chicha y empanada. Se confiesa un gran admirador de César Morales Anderson, líder de los bailarines chilenos y primera figura del Birminghan Ballet (Gran Bretaña). Disfruta de todo lo que es propio de los chicos de su edad, eso sí, con mesura y cuidando el instrumento, su cuerpo. Gusta de la música clásica pasando por el rock hasta el reggetón. Su gran aspiración, interpretar algún día al Príncipe Sigfrid en “Lago de los Cisnes” de Piotr Ilich Tchaikovsky.

Por otra parte Luz Lorca, coordinadora de la Escuela y sub-directora del Ballet de Santiago, desde principios de 2009 tocó innumerables puertas para conseguir una beca de perfeccionamiento para el pimpollo recién ingresado a la compañía; no tuvo resultados felices, se daba como argumento los efectos de la crisis. De igual forma, no existe la figura “becado” para este tipo de disciplinas en infanto-adolescentes en etapa de escolaridad básico-media; y si las hay, solo es para aquellos que cursan carreras universitarias en dicha rama. Por ello, la Corporación Cultural del Teatro Municipal de Santiago, asumió la responsabilidad en su totalidad enviando a Simón Hidalgo por tres meses ( la nueva promesa nacional ), a manos de Imre Dosza, ex-director del Ballet de Santiago y actual director de la Escuela de Ballet de la Ópera de Budapest.

Como chilenos y compatriotas de Simón Hidalgo, compañeros de arte y defensores de la causa, nos sentimos honrados; formulando votos para que la juvenil promesa, sea tocado por la Divina Providencia... le sonría, le sea benévola y le conduzca por el camino del éxito y la prosperidad

¡Y colorín colorado..... este cuento se ha acabado!

Alegrías y sinsabores de la danza en 2009.

2009-12-28T18:32:00.000-08:00

Sebastián Concha, la promesa...

Sorpresas gratas y otras no tanto, más algunos sinsabores dignos de olvidar nos dejó respecto a la danza este 2009; año que ya se nos va. Curiosamente y a la hora de hacer una evaluación en detalle, la danza sale favorecida en cuanto al crecimiento de espectadores; sumado al interés que genera en la juventud, por estudiar carreras relacionadas con esta disciplina, Una cantidad importante de universidades capitalinas y centros específicos, copan sus vacantes año a año para impartir la especialidad. También podemos apreciar un aumento notorio en el recurso monetario de los fondos estatales para el desarrollo de este arte. Es así, como desde la orgánica institucional para la Cultura y las Artes; el área danza ha visto incrementado en más de un 40% el presupuesto asignado durante los últimos años en lo que respecta a fondos concursables; todo ello, debido a la alta postulación de proyectos en esta rama. Ahora bien, que los proyectos salgan favorecidos o no.... ¡Eso es harina de otro costal! Siempre habrá ganadores...siempre habrá perdedores en este cuento. Lo importante es participar y para obtener un buen resultado debemos apuntar a una cuidadosa y correcta formulación del proyecto, más una detallada y clara transparencia de los montos solicitados. Todo esto, otorgará una posibilidad mayor de apostar a ganador.

Por otra parte, ante la falta de espacios implementados en rigor para la exhibición de las nuevas creaciones y montajes; los artistas independientes no cesan en dar la batalla sumando día a día nuevos adeptos en aquellos lugares que logran obtener. Lo cierto es que hoy por hoy, la danza tiene un público que le sigue. Ello nos alienta; pues comprobamos que existe una real necesidad de consumir este tipo de expresión artística; por lo mismo, se hace necesario contar con salas adecuadas para albergar la danza en su real dimensión y magnitud.

Una verdadera alegría nos proporcionó en Abril de este año, el área danza del Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes, al recuperar definitivamente la versión impresa de la Revista Impulsos, con un tiraje de 1500 ejemplares por edición. Por otra parte, un chasco de proporciones mayores lo constituyeron en Junio de este año las estrelladas “Estrellas del Bolshoi”. Dichos artistas, no estaban a la altura de lo que se promocionaba por aquellos días en la prensa... hoy no es como antaño, si queremos ver estrellas del ballet y no están disponibles los picaros pesos para adquirir un ticket; basta con ir a un ciber café, (para los que no cuentan con Internet en casa), y visitar Youtube.com. Es tan grande la oferta existente, pues una verdadera catarata de estrellas ha sido subida a la página para deleite de los balletómanos.

Entre Junio y Agosto del presente año, la Corporación Cultural de Santiago abrió las puertas de la Sala Arrau para presentar un Ciclo de Danza Contemporánea en el Teatro Municipal. Pudimos observar allí las agrupaciones “City Dance Ensamble” de Nueva York y las compañías nacionales “Vicuña Cáceres”, “Abundanza”, “Inercia Emergente” y “Danza en Cruz”. Recibimos esta iniciativa con buenos ojos y deseamos sinceramente, que se mantenga en el tiempo haciéndola ojalá extensiva a lo largo del año.

Grandes figuras de la danza internacional como Eva Evdokimova, Merce Cunningham, Ekaterina Maximova, Andre Prokovsky y Pina Bausch se fueron de esta tierra para no volver. En el ámbito nacional, Mario Bugueño partió de este mundo tras una penosa y larga enfermedad, dejándonos la inquietud e interrogante para buscar una efectiva solución en el aspecto previsión, salud y jubilación del artista.

La compañías oficiales cumplieron sus Temporadas Artísticas programadas tanto en sala como en giras, llevando gran cantidad de admiradores a sus espectáculos. Es así como el Ballet Nacional Chileno, dirigido por el artista rumano-francés Gigi Caciuleanu, realizó giras por Bolivia y Uruguay, recorriendo además el país de norte a sur con sus exitosas obras “Tríptico” y “Valparaíso Vals” entre otras; en tanto que el Ballet de Santiago, celebrando sus 50 años al mando de la brasileña Marcia Haydée; contó con la presencia de Irena Milovan, ex-primera bailarina en los inicios de la compañía (quien impartió tres semanas de clases al cuerpo de baile) e Ivan Nagy, el húngaro responsable del crecimiento y desarrollo de la compañía a partir de 1982. Ambos elencos tuvieron de dulce y agraz en sus respectivas programaciones durante el año; no obstante factible de mejorar. Fuera de todo vaticinio en cierto sector y relativo al arte del ballet clásico como un estilo arcaico y pasado de moda, comprobamos in situ, que este es un estilo en plena vigencia y desarrollo... así lo revelan las cifras numéricas alcanzadas en cada uno de sus espectáculos a lo largo del país. ¡y para muestra... un botón! Mas de 10.000 almas convocó el “Cascanueces” en la Plaza de Armas de Santiago este 19 de Diciembre; evento ofrecido gratuitamente, que por cierto dicho sea de paso... debiera llevarse a Viña del Mar en las mismas condiciones, ya que el popular balneario, cuenta con una tribuna (Escenario de la Quinta Vergara) para espectáculos monumentales albergando a mas de 20.000 personas...¡¡¡OJALÁ!!!

El Ballet Folclórico Nacional (Bafona) fue sorprendido con nueva dirección, la cual hizo su estreno en la función de gala del Día Internacional de la Danza realizado en el Teatro Municipal de Santiago en el mes de Abril. El tiempo nos dará cuenta de los logros y desafíos de esta compañía, la cual tiene una destacada presencia en los escenarios internacionales. Por otra parte, desde España nos visitaba la artista nacional radicada en la madre patria, Natalia García-Huidobro, quien compartió con el público chileno sus avances en el arte de las palmas y el tacón, A los pocos meses, el bailaor nacional Pedro Fernández, visitaba España debutando como artista invitado en el Teatro Real de Madrid. La compañía Abundanza dirigida por Isabel Croxatto, viaja a tierras galas mostrando la obra “Narciso, el Extasiado”

Dos reconocidos espacios se perdieron dejando trunca una labor de años en lo que respecta a formación y extensión. El Centro de Danza Calaucán en la región del Bío-Bío y Escenalborde en Valparaíso; ambos se vieron obligados a bajar cortinas por falta de apoyo. El mismo destino que los dos anteriores, corrió la Escuela Municipal de Danza de Casablanca; curiosamente esta comuna realizó hace un par de años una importante inversión, construyendo una sala adecuada para danza, con las especificaciones correspondientes en cuanto a piso, altura, dimensiones e implementación; no obstante, la misma fue cerrada para tales efectos a comienzos del año escolar 2009. En Valparaíso, no sabemos la suerte final que corre la Escuela de Danza de la Universidad Arcis, dirigida por Carmen Beuchat; pues la misma anunció meses atrás el cierre definitivo de la escuela.

Con gran esfuerzo y prácticamente a pulso, el Festival Contemporáneo Danzalborde cumplió su 8va. versión en Valparaiso. Sus acostumbradas muestras en Sala, Intervenciones Urbanas, Charlas, y Jornadas de Análisis; contó con la presencia de artistas y compañías provenientes de Argentina, México, Perú, España Francia, Suiza y Chile. Podemos decir que la ciudad de Valparaiso, patrimonio de la humanidad y constituida además por la realización del mencionado evento, como una de las ciudades que danzan, merece el apoyo institucional permanente para avanzar en la propuesta artística de carácter internacional.

Homenajes, premios y reconocimientos no se hicieron esperar durante el año. A mediados de enero, Sebastián Concha proporcionaba al país una grata sorpresa, el joven de 17 años; “el niño dorado del ballet” como lo titulara El Mercurio de Santiago, se hacia merecedor del Gran Prix de Laussanne, junto a otros seis participantes. En el mes de marzo, la artista Marcia Haydée, actual directora del Ballet de Santiago, recibió en Sttugart, Alemania, la Cruz Federal del Merito, galardón entregado por los estados alemanes al desempeño destacado a nivel político, económico y/o cultural. Jaime Jory, es el personaje nacional homenajeado por trayectoria y aporte a la danza en el marco de las celebraciones del Día Internacional de la Danza. Durante los festejos del cincuentenario del Ballet de Santiago, los artistas de la compañía rindieron tributo a Luz Lorca, actual sub-directora de la agrupación por su permanente y sostenido compromiso en beneficio del conjunto artístico; Belén Álvarez y Ximena Pino, ambas premiadas por sus destacadas trayectorias y aportes a la danza en las ciudades de Concepción y Santiago respectivamente. En un ámbito y contexto diferente, pero no menos importante, la Presidenta de la República Sra. Michelle Bachelet; otorga la ciudadanía chilena por gracia a la gran maestra y ex-bailarina del Ballet Nacional Chileno Sra. Joan Turner vda. de Jara, quien indiscutiblemente, ha sido una de las figuras señeras en el desarrollo de la danza chilena. Luis Ortigoza hacia finales de año, recibe en su país natal el “Konex de Platino”, otorgado al mejor bailarín argentino de la década. Marcela Goicochea, premio a la trayectoria 2009 otorgado por el Círculo de Críticos de Arte.

De visita en el mes de Noviembre, llegó Nacho Duato y la Compañía Nacional de Danza (España); artista que remeció las mentes creadoras con su danza, musicalidad y creatividad desbordante. Su narrativa mas bien literal, cargada de trasfondo psicológico, es apoyado por bailarines con una sólida técnica y gran interpretación, lo mismo nos deja entrever, que la danza contemporánea local... tiene un camino por recorrer.

El año 2009 también nos trajo de vuelta a Sara Nieto, artista que se mantuvo al otro lado de la cordillera por espacio de tres años en la dirección de la compañía de Julio Bocca, el mismo que a mediados de diciembre, realizó una visita relámpago a Chile para acompañar a Sara Nieto con motivo del lanzamiento del libro sobre su vida; escrito por las periodistas Marisol Calderón y Francisca Folch “ Sara Nieto, vida de una bailarina estrella”. En marzo de 2009 se editó el Texto de Estudio para la Danza Académica, obra de la gran maestra y metodóloga Bessie Calderón, artista titulada en el Instituto Coreográfico de Moscú y actualmente profesora de la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago. Marisol Hume, llegada de Suecia en el mes de Noviembre realiza el lanzamiento de su libro Sistema de la Técnica en la Pared, la bailarina resume un método que sienta sus bases en técnicas de danza moderna, yoga y pilates, como una instancia preventiva y de reeducación postural.

Y finalmente por estos días, el 30 de diciembre para ser exactos, la bailarina estrella del Ballet de Santiago Marcela Goicochea, cumplirá su última actuación en una función de despedida, junto a la compañía que la catapultó al concierto internacional de la danza. Marcela Goicochea, se unió al Ballet de Santiago el año 1989 en calidad de cuerpo de baile, desde allí en adelante la vimos en un constante ascender tanto en lo técnico como lo interpretativo; cualidad que le valió ser nombrada bailarina estrella en 2007 por Marcia Haydée.

Con toda seguridad, falta mucho de lo realizado el presente año por los colegas y artistas de la danza, sobre todo aquellos que trabajan silenciosamente en regiones; no obstante hemos incluido en este raconto, lo que se ha considerado relevante por haber tenido alguna connotación en los medios.

Bach - Oratorio

2009-12-23T09:58:00.000-08:00

Bach - Oratorio
Foto: Jose Luis Valdivia

Finaliza la Temporada Artística 2009 del Ballet Nacional Chileno con el montaje “Bach – Oratorio”, creación original de Gigi Caciuleanu sobre el Oratorio de Navidad BWV 248, que junto a la Camerata Vocal de la Universidad de Chile y la Orquesta Sinfónica, llevaron a escena
en el Teatro de la Universidad de Chile.

La concepción de un teatro coreográfico para este “Bach – Oratorio” es un tanto ausente y difuso. Según el programa de mano, cita lo siguiente conforme a expresiones del propio coreógrafo: “Bach – Oratorio” es un espectáculo de pura danza. No se trata de celebrar la Navidad sino ensalzar la música de J. S Bach. No es para nada una obra religiosa, pero se inspira en la espiritualidad de una partitura musical noble, profunda , docta, bella y popular. Una música que llega directamente al corazón. Y se dirige igual al alma y a la mente. Emoción y entendimiento. Inteligencia y belleza”

Una cosa es clara: J. S. Bach concibió esta partita sacra para narrar los acontecimientos grandiosos que rodearon el nacimiento del Salvador del mundo, Cristo el Señor. Abstraerse del texto para expresar solo la espiritualidad de la música del genio de Eisenach; en este caso... es errático; pues la riqueza de obra musical está precisamente en el texto versado por Picander según los evangelios de San Marcos y San Lucas. El contenido de las seis cantatas es muy explícito: Cantata nº 1, "Jauchzet, frohlocket, auf, preiset die Tage!" (Regocijaos, alegraos. Glorificad este día); Cantata nº 2, "Und es waren hirten in derselben Gegend" (Y estaban los pastores en la misma región); Cantata nº 3, "Herrscher des Himmels erhöre das Lallen" (Soberano del cielo, atiende las súplicas); Cantata nº 4, "Falt mit Danken, falt mit Loben" (Caed con agradecimientos, caed con alabanzas); Cantata nº 5, "Ehre sei dir, Gott, gessungen" (Sea cantado en tu honor, Dios); Cantata nº 6, "Herr, wen die stolzen Feinde schnauben" (Señor, cuando los orgullosos enemigos rugen).

Entendemos y respetamos la intención del coreógrafo, aquello de querer expresar la espiritualidad de una partitura musical noble, profunda, docta, bella y popular, como lo expresa en notas al programa; no obstante el genio de Eisenach, cuenta en su catálogo con cientos de obras musicales que pudieron haberse tomado para tal efecto. Oratorio de Navidad es una obra sacra, religiosa, de profundo contenido y tema específico. Ahora bien, en cuanto a la coreografía de Gigi Caciuleanu, aparte del primer y último cuadro, que es donde vemos una mayor coherencia con el Oratorio mismo, el resto es una sucesión de dúos interminables, bastante planos en su exposición expresiva, no así técnicamente. ¡¡Falta emoción... falta el recurso interpretativo!! ...Ese recurso expresivo que por décadas identificó al Ballet Nacional Chileno. El bailarín no es un ser mecánico, tiene sentimientos, emociones... algo que expresar en la escena. Ello no se aprecia en esta ocasión, pensamos que pudiera ser por falta de claridad en la génesis del concepto coreográfico. Si bien hay estructuras interesantes y bellas formas estéticas, no satisface el resultado total. Reconocemos en los artistas del Ballet Nacional Chileno, excelentes bailarines técnicos en su materia, pero talvés, si la dirección artística del conjunto permitiera una mirada externa, sumado a la llegada de nuevos coreógrafos, pueda entonces aflorar el enorme potencial artístico que posee cada uno de sus integrantes.

Buen desempeño de la Camerata Vocal, las voces solistas de Nora Miranda (soprano), Marisol Hernández (contralto), Iván Rodriguez (Tenor) y Patricio Sabaté (Barítono); se pierden en cuanto a proyección y emisión en ciertos pasajes, tornándose el fraseo y la dicción un tanto confusa e incomprensible. La Orquesta Sinfónica de Chile conducida por el maestro Pedro Pablo Prudencio, logra un buen sonido y ajuste instrumental-vocal. El concepto escenográfico, vestuario y luces, sobrio y elegante; quizás el uso del croma celeste-blanquecina habría otorgado una atmósfera distinta.

Cascanueces, una mirada diferente...

2009-12-21T08:08:00.000-08:00

Luis Ortigoza - Marcela Goicochea
Foto: Juan Millán

Si bien es cierto, que el estreno del ballet “Cascanueces” el 18 de Diciembre de 1892en el Teatro Marinsky de San Petersburgo, no constituyó el éxito esperado por el compositor Piotr Ilich Tchaikowsky a la puesta en escena realizada por el coreógrafo Marius Petipa (se ha discutido sobre la autoría coreográfica, algunos historiadores la atribuyen a Lev Ivanov), el músico jamás imaginó, que décadas posteriores su obra musical trascendería universalmente. A partir de una renovada versión coreográfica de George Balanchine con el New York City Ballet en 1954; el mismo título se convirtió en el caballito de batalla de toda compañía de ballet, siendo a la fecha, recreada por muchísimos coreógrafos.

Por estos días el “Cascanueces”, concluye la Temporada Artística 2009 del Ballet de Santiago dirigido por la experimentada artista Marcia Haydée. La puesta en escena del referido título en el Teatro Municipal de nuestra capital, cuenta con la firma del connotado y laureado coreógrafo nacional Jaime Pinto en un montaje lleno magia, belleza, entretención y exigencia artístico-técnica para el tradicional cuento de Hoffmann. Jaime Pinto nos ofrece una mirada bastante particular, osada y diferente; distinta a la acostumbrada… pero no por ello, menos interesante. Una puesta en escena encantadora que acapara la atención del balletómano, el neófito y la familia en general.

En la presente versión el autor coreográfico imprime una mayor participación danzada al personaje Drosselmeyer, el señor de los sueños navideños (Luis Ortigoza), transformando al misterioso tío de la familia Stahlbaum en el hilo conductor de todo el ballet. Luis Ortigoza, una vez mas hace gala de su excelente técnica y un muy buen rol trabajado en lo interpretativo, compuesto prácticamente a su medida. Drosselmeyer, el lejano pariente llega una vez más para compartir las navidades junto a los padres, primos, tíos y abuelos de los hermanos Clara y Fritz.; pero en esta oportunidad, se hace acompañar de un séquito de elfos(excelentes en su danza), los cuales vienen cargados de baile, sorpresas y regalos para conducir a Clara y Fritz por el Reino de las Nieves, el Reino de los Confites y el Reino de las Flores. Clara y Fritz, en la vida real Romina Flores y Luciano Crestto; alumnos de la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, cumplen dignamente una exigente y lucida participación en lo estrictamente danzado. Adolescentes talentosos con claridad y limpieza en las evoluciones delegadas por el coreógrafo. El Cascanueces, regalo del tío Drosselmeyer para Clarita, toma forma en el bailarín José Manuel Ghiso, artista el cual compone un buen personaje y claridad en su danza.

Una abuela pasada de copas (Bárbara Painecura), arrebata la carcajada espontánea del espectador con su danza llena de traspiés junto a Pablo Aharonian, el abuelo. La tradicional “Marcha de los niños” integra una cantidad importante de infantes en escena y aportan una danza lúdica y fresca; donde algunos de los peques, aquellos que hicieran abandono reciente de los pañales, en un acto heroico y sin tapujos cuan consumados bailarines, nos brindan su alegre baile al compás del 4/4... a veces a tempo, otras veces desfasados... pero no sin una armónica y graciosa desigualdad. Buen desempeño nos entrega la Colombina y su composición (Montserrat López) al igual que el Arlequín (Carlos Inostroza). El bailarín Esdras Hernández, da muestras de seguridad y limpieza técnica en la danza de el Moro. Los bandos opuestos integrados por el Rey de los ratones, ratones y soldados (alumnos de la Escuela de Ballet), salen airosos cumpliendo un muy buen papel. Los roedores especialmente histriónicos, son motivo de gran hilaridad para el público; los soldados lucen con aplomo y prestancia en el desarrollo del fraseo asignado. Clara, deja fuera de combate al soberano roedor propinándole un buen zapatillazo en la cabeza.

Acto seguido, Clara y Fritz son llevados por Drosselmeyer al Reino de la Nieve donde la reina (Marcela Goicochea) llega acompañada de sus caballeros (Patricio Melo, Gabriel Bucher, Gabriel Martínez y Nicolás Caudullo); seguido de ello, la reina se entrega a un hermoso y angélico Pas que comparte junto a Drosselmeyer, Cascanueces y sus caballeros. Marcela Goicochea, bailarina de profundo lirismo, bella en sus formas y compacta en lo técnico; conmueve en la escena por su aspecto mágico, irreal y sobrenatural en brazos de sus partenaires. Jaime Pinto compone un diseño de piso en concepto asimétrico, que hace interesante las evoluciones y fraseos danzados del Pas. Por otra parte, en una apuesta diferente y fuera de lo tradicional; el coreógrafo incorpora a 16 varones en el “Vals de los copos”, dejando fuera las huestes femeninas ¡¡Atrevido y Audaz!! La escena se ve inundada por una fuerza arrebatadora y una energía primitiva para esta inusual granizada. “Una suspensión extrema de la anatomía” y blando aterrizaje por parte del contingente masculino, otorgará un mejor efecto visual a la salvaje y novedosa apuesta.

Es así como llegamos al acto segundo de la mano del todopoderoso Drosselmeyer, Clara y Fritz son presentados a la Reina Rosa (Maite Ramírez) y sus caballeros en el Reino de las Flores. Maite Ramírez, de espléndida línea y limpia en su técnica, se entrega a un “Vals de las Flores” exquisitamente bien danzado; aunque un poco ligera de ropas, más bien parecía estar afectada por una sequía. Las flores del cuerpo de baile femenino, responden disciplinádamente a las exigencias coreográficas; debiendo ajustar ciertos acentos correspondientes al ictus o al alzar cuando corresponda.

Las danzas características se ven lucidas y de buen efecto en la estructura coreográfica. Agustín Cañulef, Carolina Jiménez y Loreto Reategui destreza y brillo imprimen al brillante 3/4 de aire español; Dolores Salazar y Gabriel Bucher, lineales y bien afiatados en su interpretación de la danza árabe; Esdras Hernández, ágil, dinámico, limpieza y brillo en la batería para la danza china; Guillermo González, Carlos Inostroza, Francisco Tapia y Mauricio Vera, lucen soberbios en el Trepak y sus saltos; solo que al “molto vivace” (velocidad real de la danza), no llegan a tempo para ejecutar con nitidez la veriovochke. Nicolás Caudullo y Germán Esquivel junto a Cecilia Arrúa, Miranda Bodenhofer, Cecilia Lucero y Nina Zaera ofrecen la danza de los mirlitones; un tanto desincronizada en el contingente femenino, pero bien bailado técnicamente. Nicolás Caudullo y Germán Esquivel, de líneas largas y esbeltas, se constituyen en efectivos partenaires. La bombonera, arlequines y pierrots a cargo de los alumnos de la Escuela de Ballet, cumplen ajustadamente esta danza en el Reino de los Confites.

Entramos de lleno al Andante Maestoso del Gran Pas de Deux, que en esta versión se transforma en un Pas de Trois bailado por la Reina de los Confites (Natalia Berríos), Cascanueces y Drosselmeyer. Natalia Berríos precisa para el rol, fina y delicada es continuamente derivada de un partenaire a otro en atractivas evoluciones aéreas. Su depurada técnica, hermosa linea y elegante personalidad escénica captan la atención. El gran Vals Final y apoteosis reúne a todo el elenco en una alegre fiesta danzada; dejando paso a Drosselmeyer, quien guarda su Cascanueces en la misteriosa caja hasta la próxima navidad.

La escenografía propuesta por Pablo Nuñez es acertada brindando el marco adecuado para la obra. En cuanto al vestuario, se ven aciertos y complementa el colorido con la escenografía. Ciertos personajes, un poco escasos de telas. El diseño de luces de José Luis Fiorruccio, crea atmósfera y es especialmente atractiva en la escena de las Reina de la Nieve y su Pas, como también en el vals de los copos. La Orquesta Filarmónica de Santiago bajo la conducción de José Luis Domínguez, obtiene un excelente desempeño, suena afiatadísima, con cuerpo y tempo acorde a la danza.

Conclusiones: Jaime Pinto, rompe con lo estructurado, realiza innovaciones y se permite licencias. Afortunadamente acierta, tiene claridad en la narrativa y lenguaje definido en su exposición coreográfica. Es un creador que posee facilidad para hacer humor; algo bastante difícil en el género danzado.

Ximena Pino Burgos, Premio Artes Escénicas 2009

2009-12-13T17:00:00.001-08:00

Ximena Pino

En el Salón de Honor del Palacio Consistorial de la Ilustre Municipalidad de Santiago, el viernes 04 de diciembre, el alcalde Pablo Zalaquett hizo entrega de los Premios Municipales de Literatura, de Arte y Juegos Literarios Gabriela Mistral 2009. En la presente versión, el galardón Premio Municipal de Artes (Artes Escénicas - Danza) 2009, recayó en la persona de la maestra y ex-bailarina Sra. Ximena Pino Burgos; nombre indiscutido a la hora de referirse a los grandes maestros de la danza en nuestro país. Su materia; la danza académico – clásica, la ha impartido a cientos de estudiantes y bailarines de diversos estilos, los cuales al momento de perfeccionar la técnica, acudieron a la maestra para un mejor caminar en el arte de Terpsícore. Dos grandes fortalezas distinguen su personalidad: Una permanente investigación y estudio de la materia que le compete y un sólido compromiso en la entrega que brinda a sus discípulos.

A los escasos siete años, Ximena Pino guiada por la bailarina Lola Botka (uno de los pilares fundacionales del Ballet Nacional Chileno), inicia sus pasos en la danza los cuales en un principio, no fueron muy comprometidos a decir verdad; el baile, más los postulados de la rítmica y el ajetreo continuo, la mortificaban de tal manera que hacía la cimarra cuantas veces podía; evitando así, los dolores articulares de las rodillas y otras presas. No obstante, su interés hacia el arte de la danza cambió abruptamente al presenciar el ballet “Carmina Burana” de Ernst Uthoff el año de su estreno. Está claro que el rol de la doncella interpretada entonces por Mª. Elena Aranguiz, la sedujeron completamente. Con el correr del tiempo y a sus empingorotados doce años; aparece el ballet clásico en su vida con la irrupción en escena de la refugiada Mme. Helene Poliakowa, artista perteneciente a la generación de los grandes bailarines de la rusia zarista. Ahora bien, nuestra aspirante a bailarina una vez terminada la educación formal y previo rendimiento del bachillerato... obtiene la venia de mamá para dedicarse de lleno al mundo de la danza y el ballet.

Su ingreso a la Escuela de Danza de la Universidad de Chile en 1955, le abre un mundo de posibilidades... mágico; pero exigente y sacrificado a la vez. Las caídas, el swing y los giros fuera de eje, no tenían secretos para la entusiasta estudiante. Los grandes de la danza chilena como Ernst Uthoff, Lola Botka, Malucha Solari, Patricio Bunster, Noelle de Mossa, Heinz Poll, Joan Turner y Hans Zullig entre otros, ahora se codeaban en los pasillos de la escuela con la futura danzarina; siendo varios de ellos sus formadores. El avance de la aprendiz corría velozmente por aquellos días, pues a los dos años de permanecer en la escuela, es seleccionada y enviada a participar al “Primer Encuentro Mundial de Ballet” realizado en Rusia. El mismo año 1957, le fue concedida una beca para estudiar en Londres con Sara Wilson; y de paso, se inscribe para estudiar con Sigurd Leeder a quien posteriormente, lo tendría en Chile como maestro durante una visita del mismo a la Escuela de Danza de la Universidad de Chile.

Cumplidos los años de escuela y egresada con honores en 1961; el Ballet Nacional Chileno la incorpora a sus huestes participando en el repertorio hasta entonces estrenado y exhibido en cartelera. Con la mencionada agrupación realizó giras por Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Puerto Rico, Estados Unidos y Canadá. Tras permanecer un par de temporadas en el Ballet Universitario, Ximena Pino decide emigrar un par de cuadras hacia el oriente e ingresa a la compañía del Teatro Municipal dirigida en aquellos años por Charles Dickson. Rápidamente debe rememorar todo lo aprendido con Mme. Poliakowa y los clásicos, realizando titánicos esfuerzos para lograr la pureza de la línea clásica, centrar el eje, suspender sobremanera el peso y volar arriba de las puntas. Sin duda, lo estudiado en la escuela de la universidad; un estilo basado en el expresionismo alemán, le proporcionaron herramientas poderosas en el campo interpretativo, lo que le valió asumir roles de solista en la compañía de la calle Agustinas. En su nueva casa artística, Ximena Pino ya convertida en bailarina y habiendo pisado escenarios internacionales, desempeña roles de solista en el repertorio como “La Fille Mal Gardée”, “La Cenicienta”, “Giselle”, ”Cascanueces”, “Lago de los Cisnes” “Paquita” y otros. Su experiencia en la danza moderna le permitieron abordar en calidad de primera figura obras como “Noche Transfigurada”, “Atikte”, “Soledad” y “Le Cord”.

1970 la sorprende con un contrato en mano para actuar en el Real Ballet de Cámara de Madrid; sin pensarlo dos veces, Ximena Pino prepara maletas y emprende la aventura. Dos años duraría el romance con la compañía española, no era la gran troupe, pero bailaba muchísimo. A poco andar y producto de una mala racha; el conjunto de baile prácticamente va a la quiebra; no obstante... la Divina Providencia, la lleva por un camino diferente. Esta vez, se trataba de un hacer un cambalache: las plumas de cisne por las plumas de avestruz.... ¡el impacto la sacude fuertemente! ¡Era una niña del ballet... de buena crianza!... Al principio se incomoda, no obstante le dura lo que demoró en a caminar con gracia sobre los tacos. El contacto permanente con el público, más el aplauso diario... ¡¡No había más que cuestionar!! Los días venideros fueron para la bailarina, épocas de mucho glamour... boas y plumas, pedrerías y bikinis, tocados y tacos, ocuparían su diario vivir en los teatros y giras a lo ancho de toda España. Por aquel tiempo, nuestra referida artista no era la única bailarina del Teatro Municipal de Santiago que emplumaba su dichosa anatomía; experiencia similar vivían en el país por esa década, la gran Rosita Salaverry, quien cansada del tutú, las zapatillas de puntas y la pez castilla, opta por unos encumbrados tacos y ostentosos tocados luciendo sus aptitudes de bailarina en el escenario del Teatro Ópera. Al poco tiempo el espectáculo revisteril, seducía a otras dos conocidas bailarinas: esta vez, la polifacética Magali Rivano y Pilar Saavedra, conocida en la escena nocturna de la época como Pilar Toledo.

De regreso a Chile poco antes del 11 de Septiembre de 1973, Ximena Pino se une al Ballet Clásico Nacional dirigido por Gastón Bravo, bailando dúos, tríos, solos y obras de conjunto hasta empachar. El advenimiento de una lesión le sugiere “colgar las zapatillas” orientando su quehacer hacia la enseñanza. En sociedad con Blanchette Hermansenn; otrora bailarina del Ballet Nacional Chileno y ex - directora del Ballet Municipal de Santiago, juntas ponen en marcha el “Estudio Degas” a un costado de los Almacenes París. La sociedad se bifurca y Ximena Pino continúa en una intensa y paciente labor formadora. Bailarines de todos los estilos acudían a su estudio buscando perfeccionar la técnica. El año 1982, la maestra Ximena Pino crea el Ballet de Cámara “Estudio Degas”, agrupación orientada a realizar extensión y difusión del arte coreográfico en los distintos estratos sociales de la capital y regiones. Por espacio de casi una década, el conjunto albergó gran cantidad de bailarines y coreógrafos en propuestas estilísticas diversas. Igualmente ávida de conocimientos, se prepara por aquel tiempo para una mejor entrega del material a sus educandos en el método Vaganova; método que estudia primeramente bajo la dirección de la gran maestra y metodóloga chilena Bessie Calderón, y posteriormente bajo la guía de Olga Wischnjewsky; ex maestra de baile del Ballet Nacional Chileno.

El Ballet Folklorico Nacional (Bafona), le extiende invitación para unificar la técnica de sus integrantes, la TV la requiere para el entrenamiento de sus bailarines; hasta que Malucha Solari, la gran visionaria y pedagoga de tantas cruzadas para y por la danza en nuestro país, la incorpora a la planta de profesores en la Universidad Arcis de Santiago. Al poco tiempo, un reencuentro con Joan Turner, su ex–maestra en la Escuela de Danza de la Universidad de Chile, es el motivo para participar del proyecto Espiral y de la Carrera de Danza en la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Hoy por hoy, esta maestra de maestros, ha incorporado la disciplina del Yoga a su vida, y también como una herramienta válida para ayudar a sus discípulos en el desarrollo y comprensión de la Técnica académico-clásica.

Nos alegramos sinceramente, que nuestros artistas intérpretes, maestros y creadores sean reconocidos y premiados en vida como este galardón entregado a Ximena Pino por su abnegada y continua labor. Por otra parte, Belén Álvarez, acaba de ser distinguida en Concepción por su aporte y desarrollo artístico-cultural. ¡Que bien! Es necesario crear memoria de nuestros baluartes, respetando y valorando su aporte. Solo así, tendremos historia e identidad nacional en cuanto a este efímero arte de la danza y el ballet.
Charles Benner
(Diciembre de 2009)

Fugaz visita de Julio Bocca a nuestro pais

2009-12-10T09:38:00.000-08:00

En la Sala Arrau del Teatro Municipal de Santiago este martes 15 de diciembre de 2009a las 19.30 hrs, se realizará el lanzamiento del libro SARA NIETO, vida de una bailarina estrella; de las autoras Marisol Calderón y Francisca Folch. En esta oportunidad el destacado bailarín argentino de trayectoria internacional Julio Bocca, visitará el país especialmente para acompañar a Sara Nieto en este importante evento cultural. Presentan la obra literaria Juan Antonio Muñoz, editor de espectáculos de El Mercurio y Andrés Rodríguez, director general del Teatro Municipal de Santiago. Invita El Mercurio y Editorial Aguilar.
Charles Benner
(Dicembre de 2009)

Belén Álvarez, distinguida en Concepción

2009-12-07T09:44:00.001-08:00

Belén Álvarez

La bailarina chilena Belén Álvarez, estableció su campo de acción en la histórica ciudad de Concepción en la década de los 70, constituyéndose en un referente obligado para los cultores de la danza en la zona sur del país. Es allí donde la artista desarrolla una exitosa y productiva labor en el área de formación y creación artística; cuyos resultados fueron apreciados en el mismísimo Teatro Municipal de Santiago. Más de media centuria dedicados a la danza; recientemente un jurado compuesto por destacadas personalidades y autoridades del gobierno regional penquista, de cultura y las artes; le han reconocido a Belén Álvarez su permanente labor y sostenido aporte creativo en pos del desarrollo cultural y artístico de la Región del Bío Bío.

La ciudad de Viña del Mar y sus coloridos jardines, fueron mudo testigo de los inicios de la pequeña Belén en el mundo del ballet; por aquellos años, el maestro Elbio Consentino, guiaba sus primeros pasos. Poco mas tarde, los pasillos de la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, testimoniaron las andanzas de la menuda aspirante a bailarina por el camino de Terpsícore. A poco andar y seducida por un estilo mas expresivo y contemporáneo del arte bailado; diferente al academicismo clásico del Teatro Municipal, Belén Álvarez se une al BALCA (Ballet de Cámara de la Universidad de Chile), dirigido en aquel entonces por Malucha Solari, quien fuera la gran dama del Ballet Nacional Chileno. Transcurridos un par de años, Belén Álvarez vuelve al Teatro Municipal, pero esta vez al cuerpo de baile de la compañía residente en el mencionado recinto. En dicha ocasión, permanece durante cinco años en la agrupación artística bajo la dirección de Norman Dixon, Blanchette Hermansen y Alexander Prokofiev. Con este ultimo director, cursa la especialización metodológica de la danza clásica (Método Vaganova).

Entrado el año 1974, se traslada definitivamente con su esposo e hijos a la ciudad de Concepción en medio de las incertidumbres propias de la época. No obstante; el Altísimo Creador de todas las cosas, había deparado para Belén Álvarez grandes desafíos y metas a cumplir. Una treintena de valerosos y esforzados estudiantes componen bajo su dirección, lo que fuera el Ballet Contemporáneo de Concepción. Al poco tiempo esta agrupación liderada por la bailarina (ahora convertida en maestra y coreógrafa), recorría el país desde Valparaíso a Puerto Montt entregando al espectador obras tan conocidas como “Cascanueces”, “Coppelia”, “Las Sílfides” y “Paquita”. Las temporadas del Ballet Contemporáneo en algunas ocasiones se vieron coronadas por el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción bajo la batuta de Ernst Huber-Contwing; acontecimiento que sin duda, marcó un hito en la historia cultural de la región del Bío – Bío.

Por aquel tiempo, el público capitalino comparte los éxitos y logros obtenidos por esta mujer emprendedora y tenaz, cuan machi de la danza; había conquistado un sitial en la historia de la danza chilena. El Teatro Municipal de Santiago, recibió y aplaudió a la compañía de caciques penquistas con la puesta en escena “Cuadros de una Exposición” de Modesto Mussorgsky; otro hito en la historia de la danza nacional; pues era la primera vez que un conjunto regional, actuaba en el escenario del municipal capitalino. De la agrupación penquista, surgirán nombres que posteriormente serán identificados en el quehacer nacional del arte coreográfico. José Núñez, se enrola en las filas del Ballet Nacional Chileno; Paola Aste, ejerce la dirección y creación coreográfica en el Centro de Danza “Calaucán”; Héctor Cifuentes, desarrolla una sólida carrera como bailarín y coreógrafo en la Compañía Karen Connolly; Belén Yankovic, ejercerá la pedagoga en danza y Enrique Fierro continuará en Espiral, entre tantos otros.

Fruto del quehacer artístico de la maestra y coreógrafa realizado en la histórica ciudad sureña, la misma que en épocas pretéritas fuera escenario de cruentas batallas entre araucanos y conquistadores; Belén Álvarez fue solicitada para regresar a Santiago y así compartir la experiencia ganada. La conocida coreógrafa australiana avecindada en el país Karen Connolly, directora del entonces Ballet de Canal 13 de la Universidad Católica de Santiago, le invita en calidad de maestra para entrenar a sus bailarines; El Ballet Folklórico “Pucara”, bajo la dirección de Ricardo Palma, la recluta para fortalecer la técnica de sus integrantes; Silvia Villablanca, directora y coreógrafa de la Agrupación Danza Tiempo, le extiende invitación para el montaje “Las Muñecas” y nuevamente Karen Connolly, la suma como maestra de baile al staff de su propia compañía entre los años 1987 a 1992; obteniendo en aquella oportunidad, la especialización metodológica según la Royal Academy of Dancing. Corría el año 1993 y cumplida la temporada en la capital, Belén Álvarez siente nuevamente el llamado al terruño donde había depositado la semilla de la danza; por lo mismo, sin pensarlo dos veces toma camas y petacas emplumándoselas de regreso a Concepción.

En esta segunda etapa la Universidad de Concepción la acoge nuevamente, la Corporación Artistas del Acero le brinda su espacio para que la maestra imparta sus conocimientos a las nuevas generaciones. Como así también, emprende variadas iniciativas y actividades que a la fecha han ido en beneficio de la extensión y difusión del arte de la danza. Charlas, Encuentros, Festivales, Direcciones Artísticas y Creaciones Coreográficas, han ocupado junto a su familia, hijos y nietos; el quehacer artístico de esta bailarina, que un día escuchó la Voz interior, obedeció y fue respaldada. El 04 de diciembre recién pasado, el Salón del Mural de la Intendencia de la Región del Bío Bío recibió a Belén Álvarez, para hacerle entrega del “Premio Regional de Arte y Cultura” que entrega el Gobierno Regional a través del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. Merecido reconocimiento, a una labor silenciosa fuera de todo aspaviento y honestidad en la propuesta.
Charles Benner
(Diciembre de 2009)

Luis Ortigoza, lo mejor de la década.

2009-12-03T15:57:00.001-08:00

Luis Ortigoza

El Lunes 9 de Noviembre recién pasado, la Fundación Konex (Buenos Aires – Argentina); organización que desde 1980 se dedicada a premiar, reconocer y estimular a las más sobresalientes y destacadas personalidades en disciplinas diversas como las artes, educación, actividad empresarial, cultura, investigación, deportes, ciencias e investigación entre otras; hizo entrega de los premios “Platinum” correspondiente a la categoría “Música Clásica”. El gran jurado decidió en esta oportunidad otorgar el “Konex de Platino” a Luis Ortigoza (Bailarín Estrella del Ballet de Santiago), junto a Marianela Núñez (Primera Figura del Royal Ballet de Londres); reconociéndoles a ambos, como las mejores figuras argentinas de la danza correspondiente a la década 1999 - 2009. Este mismo galardón, fue obtenido en versiones anteriores (modalidad bailarines) por Olga Ferri y Wasil Tupin (1989) Paloma Herrera y Julio Bocca (1999).

Sin duda existen personas cuya vida y actuar viene predestinada por una instancia de Orden Superior, da lo mismo si el ser elegido está anclado en una gran nación o en un pequeño país; lo cierto, es que el talento trabajado y desarrollado a la máxima potencia… brillará esté donde esté. Desde el momento que Luis Ortigoza pisara suelo chileno, deja en claro que era un pequeño diamante dispuesto a dejarse moldear para brillar y así entregar su arte a las naciones. Cualidades como la perseverancia y el tesón, la búsqueda constante de la perfección, la depuración de la técnica y el crecimiento interpretativo; poseedor además de una fuerte personalidad escénica y un carisma propio de artistas como Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov y Julio Bocca entre otros, lo han catapultado a la categoría de estrella que hoy le reconoce el público y la crítica de toda nación cuanto visita.

En 1988 se incorpora a las filas del Ballet de Santiago, siendo promovido al año siguiente a la categoría de solista y nombrado primer bailarín durante 1990. El año 2007, lo corona junto a Marcela Goicochea con el título de bailarines estrellas. Los chilenos hemos sido testigos del permanente y sostenido crecimiento artístico de Luis Ortigoza, quien teniendo ofertas en grandes compañías internacionales; no obstante, eligió desarrollar su carrera en Chile y desde nuestro país mostrar su arte al mundo. Durante la última década, Luis Ortigoza ha recibido premios como el APES (1999, 2001, 2203, 2007 - Chile); Premio Clarín (2006 – Argentina), Distinción de la Embajada Argentina en Chile por su Trayectoria Artística (2007) y la Medalla Elena Smirnova (2007- Argentina) Este noviembre último, recibió el “Konex de Platino”, de manos de quien fuera estrella del London Festival, la gran Olga Ferri.
Charles Benner
(Diciembre de 2009)

Nacho Duato, y su croma del movimiento...

2009-11-30T18:09:00.000-08:00

Compañia Nacional de Danza (España)

Lejos de las intelectualizaciones e interrogantes absurdas que por tiempo hemos visto en ciertos cultores de danza contemporánea; esta vez… nuestra alma se ha visto regocijada ¡¡¡ALELUYA!!! Este sábado 29 de Noviembre, pudimos apreciar, aplaudir y gozarnos con la Compañía Nacional de Danza (España), en el Teatro Municipal de Santiago y la interpretación de su programa triple compuesto por las obras “Gwana”,”O Domina Nostra” y “White Darkness”. La visita de Nacho Duato y la Compañía Nacional de Danza, sin duda nos llama a reflexión, nos deja una gran expectativa en cuanto al género contemporáneo; más el norte y horizonte al cual se debe mirar. Una verdadera reconciliación con la creación contemporánea (danza) nos ha brindado Duato y Compañía; pues la danza como arte; en su génesis, ha sido llamada primeramente a mover las patas.

“GWANA”
Una serie de movimientos en sucesión y contraste marcan esta danza de cierto aire tribal. Sugerente en cuanto a la dinámica de grupo, excelente manejo de la energía y flujo en los desplazamientos; se apoya fuertemente en el aspecto rítmico. Duato explora en esta composición, las múltiples posibilidades que un cuerpo en estado expresivo - a momentos catártico - le puedan ofrecer. Varones fuertemente exigidos en combinaciones de gran colorido técnico, exhiben soberbios sus torsos al aire, en tanto que las damas vestidas de oscuro… elegantes y lineales; pero faltas de la sensualidad primitiva. Escenografía simple, apoyada hábilmente por el recurso lumínico imprimiéndole un acertado toque ritualista.

“O DOMINA NOSTRA”
Con respaldo musical del polaco Henryk Górecki, vestuario de Francis Montesinos e Iluminación de Joop Caboort; Nacho Duato, da rienda suelta a un relato de contenido más profundo y relato dramático; sustentado en la figura de la Virgen. “O Domina Nostra, Opus 55; compuesto por Henryk Górecki entre los años 1982- 1985, como una pieza religiosa dedicada a la Virgen Negra de Polonia, es la fuente de inspiración para el coreógrafo, sin por ello, llevar la temática a una narrativa sacra. Apreciamos en esta obra, una Virgen más terrena, mas humana; mujer irreverente a momentos; quien pareciera cuestionar los designios del Altísimo y de pronto rendirse a ellos. En su danza, se plantea preguntas sin respuestas en medio del dolor y la Cruz que debe cargar intentando caminar entre lo divino y lo terreno. La secundan 10 varones en movimientos de unidad y masa grupal, quienes reflejando y traduciendo en forma opuesta las emociones y sentires del personaje central, se fusionan en una sola lectura: el dolor. El símbolo de una cruz caída, - reflejo de la entrega e inmolación – permanece al fondo de la escena, como un sino de todo ser humano que transita por esta vida.

“WHITE DARKNESS”
Reflejos del sórdido mundo, quienes atrapados por el flagelo de la droga, intentan de ella escapar sin resultados, terminando presos de su adicción sin control alguno. Fuerte imagen final de la obra a través de una continúa lluvia de polvo blanco señalando el poder absoluto que tiene esta sobre la vida de las personas y su voluntad. Danza grave y expositiva, en que los juegos dinámicos marcan una fuerte lectura de los estados emocionales del adicto. La música de Karl Jenkins lleva la constante emotiva, traducida genialmente al movimiento por Duato; las cuerdas del Cuarteto Nº 2 del mismo autor, parecieran estar en complicidad con las angustias y el continuo lamento de los bailarines. Soberbia interpretación de la bailarina solista, quien logra conmover al espectador en su desgarradora entrega.

Advertimos dos grandes potenciales en Nacho Duato como creador: su extrema musicalidad y la enorme capacidad de crear y recrear el movimiento. No pone límites a la hora de frasear las formas, figuras y evoluciones. Es una constante sin principio ni fin resolviendo cada frase coreográfica en concordancia con la siguiente y subsiguiente evolución. Genera colorido plástico, utiliza la absoluta gradación en la escala cromática del cuerpo; por lo mismo le hace un sinfonista del movimiento, un orquestador de las formas y las líneas estéticas. El uso de la poliritmia dentro del ritmo, hace de su danza, una creación infinitamente atractiva, interesante y fluida. Textual en su exposición coreográfica, Nacho Duato cuenta con absoluta claridad en lo narrativo. Preciso, concreto, resolutivo.

Rescatamos de esta visita un par de verdades: 1) La danza teatral cualquiera sea su estilo, sin una sólida base académica tiene fecha de vencimiento. 2) La claridad en el relato dramatúrgico al momento de concebir una creación danzada, ayuda en gran manera al intérprete. 3) El espectador recibe con genuina gratitud la belleza, la simplicidad y lo comprensible.
Charles Benner
(Noviembre de 2009)

Paola Georgudis y el privilegio de elegir...

2009-11-29T10:13:00.001-08:00

Paola Georgudis
Uptown Dance Company
Foto: Cristin Miller

Paola Georgudis, perseverante y esforzada bailarina chilena que después de un largo caminar por suelos pedregosos y otros no tantos - realidad propia de quienes optan por establecerse en un país extranjero – es en la actualidad una activa bailarina intérprete, consolidada además como una exitosa coreógrafa en el campo estadounidense de la danza contemporánea. La artista chilena que emigró a los Estados Unidos hace poco más de una década junto a su ex – esposo, el bailarín Fernando Moraga; en un comienzo, hubo de sortear una cantidad no menor de inconvenientes antes de lograr conquistar el sitial que hoy le brinda la danza norteamericana. En la actualidad, Paola Georgudis amplia su campo de acción incursionando exitosamente en el mundo de las comunicaciones.

Poco después de aprendidas las primeras letras del abecedario, Paola acusa recibo del llamado terpsicoreano recién cumplidos los siete años. La Escuela Moderna de Música la recibe en sus aulas dos años después bajo la guía de Sonia Díaz. Avanzado el calendario y junto a los cambios propios de la adolescencia, ávida e inquieta por adquirir mayores y diversos conocimientos, se traslada a Dancen Escuela Karen Connolly; obteniendo de la maestra y coreógrafa, un contrato para la compañía homónima al cabo de tres años de estudios. Por aquel tiempo, el director y coreógrafo del Ballet Contemporáneo de Santiago, Mario Bugueño (quien falleciera el presente año), atento a las aptitudes de Paola; la invita a integrar su compañía. “Stabat Mater”, “Solara”, “Onírica” y “Un Tranvía Llamado Deseo” son algunos de los títulos coreográficos del maestro Bugueño, en que la juvenil bailarina despliega sus cualidades interpretativas.

Luz Lorca, firme sostén de los talentos emergentes y consciente del potencial interpretativo de Paola Georgudis; le extiende una invitación en 1989 a perfeccionar sus estudios en la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, integrando rápidamente el Ballet de Cámara de dicha institución. Al año siguiente, los frutos se ven recompensados; nuestra artista, recibe el premio a la mejor intérprete en el desarrollo del Concurso “Elena Poliakowa” en la ciudad de Viña del Mar, y un año mas adelante; se hace acreedora de una medalla de plata (modalidad moderna), durante el Encuentro Latinoamericano de la Danza, realizado en Buenos Aires. El Ballet de Santiago le abre sus puertas incorporándola a sus filas el año 1992. “Lago de los Cisnes”, “Cascanueces”, “Giselle”, “Las Desventuras del Diablo”, “Papillon”, “Peer Gynt”, “Don Quijote”, “Doctor Coppelius”, “La Fille Mal Gardée, “Los Tres Mosqueteros”, “La Viuda Alegre”, “Emociones”, “Doble Corchea”, “En tu mano va mi mano” entre otros, conformaron su repertorio durante la estadía en la compañía chilena hasta 1997; año en que decide emigrar en busca de nuevas oportunidades.

Una vez instalada en los Estados Unidos (Noviembre de 1997), la bailarina comienza un lento y difícil caminar para abrirse paso en el mundo de la danza norteamericana. Acostumbrada a un ritmo profesional de alta exigencia junto al Ballet de Santiago; Paola, repentinamente se ve limitada solo a tomar clases en un estudio anexo al Houston Ballet, compañía donde su ex-esposo se desempeñaba. Situación adversa y antipática para una bailarina profesional y sumaba a ello: el desconocimiento del idioma y una visa de acompañante que la impedía de trabajar. Está claro que la bailarina a quien hacemos mención, cae en cierto estado depresivo; no obstante, las metas propuestas, su fuerza interior y el talento que la caracteriza, terminan por imponerse en medio de sus compañeros de aula. Lentamente van surgido propuestas e invitaciones para bailar en diversas agrupaciones; finalmente al cabo de dos años, Dominic Walsh - en esa época Primer Bailarín de Houston Ballet, quien estaba emergiendo como coreógrafo - la vio bailar y desde aquel instante… nació entre ambos una intensa relación laboral, la cual se mantuvo por 10 años. Por aquellos días Dominic Walsh formó la agrupación Dominic Walsh Dance Theater (DWDT) con la ayuda de Paola cosechando grandes éxitos. La revista “Dance Magazine” la registra a través de una mención en la critica de Marene Gustin, quien la llamó “powerful” (poderosa) en la función inaugural de la compañía. Reconocida además como “la opción de la critica"; pues es nombrada “Bailarina Femenina Sobresaliente” en el 2005 por “Dance Europe”, por su interpretación en “Bello” de Dominic Walsh; mas otros elogios, por su personaje “Julieta” en la premier mundial de “Romeo and Juliet”, creada por Walsh y el año 2007, recibe el Big Range Dance Festival’s Buffy Award, otorgado al mejor artista en la comunidad de danza en Houston.

Lograda la ansiada estabilidad económica y el reconocimiento de sus pares como una creadora sólida; Paola Georgudis en la actualidad, labora de forma independiente recibiendo ofertas de diversas agrupaciones sean estas para bailar o para crear. Hoy por hoy cuenta con el privilegio de elegir donde bailar, con quien y para quien crear. Un proyecto interesante la ha mantenido involucrada el último tiempo con la IMME (Infinite Movement Ever Evolving), compañía itinerante con sede en Santa Bárbara – California, creada por los artistas Spencer Hearing Gaving - Andrea Dawn Shelley; cuyo objetivo es tener una fuerte presencia artística en Santa Bárbara – California, Houston – Texas y Miami – Florida. Esta misma agrupación la ha reclutado para marzo de 2010 presentándola en un nuevo montaje donde intervendrá como bailarina, además de la proposición para una nueva creación de Paola Georgudis para dicho conjunto. Recientemente, Uptown Dance Company (Texas) estrenó la obra ”Orbita”, su segundo trabajo coreográfico para la mencionada agrupación; y para finales de 2010, ha sido invitada por la agrupación emergente Houston Metropolitan Dance Company; compañía mayormente compuesta por mujeres.

Resumimos en el presente articulo, parte de los títulos coreográficos cuya autoria corresponden a Paola Georgudis: “Amor, Amor” (2002) dúo creado en base a poemas de Pablo Neruda; “Rosa” (2003) bailado por Manuel Barra, Marcelo de Sa Martins y Dominic Walsh, creado para The Illumination Project, en beneficio del SIDA; “Something is Gone” (2004) solo creado para la música compuesta y ejecutada por el cuarteto de cuerdas, “Two Star Symphony” y bailado en Choreographers x 6; “Encore” para DWDT y para la Compañía Houston Metropolitan; “De Rojo” solo creado para el cuarteto “Two Star Symphony”; “Rosa…48 hours…” dúo creado para The Illumination Project en el ano 2005; “Ilumina” creado para Andrea Dawn Shelley y Spencer Gavin Hearing; coreografía en colaboración con el artista Cameron Sands y trío de cuerdas para la función Emergin de DWDT en 2006; “Una…de las salidas” creación para la compañía Ad Deum Dance Company en 2007; “Punto Ciego” creado para Phoebe Wagoner y Ray Dones, creación para Uptown Dance Company en su función inaugural en el ano 2008.

Paola Georgudis visitará su Chile natal a comienzos de diciembre, oportunidad en que compartirá con familiares, amistades y compañeros de tantas andanzas en el baile; y no por ello, se ha dado un tiempo para compartir su experiencia. Viña del Mar, será testigo de los avances y triunfos obtenidos por esta chilena, que un día creyó, en que la Divina Providencia, le tenía reservado algo más grande fuera de las fronteras de nuestro país.
Charles Benner
(Noviembre de 2009)

Irena Milovan, maestra de ballet

2009-11-23T08:03:00.000-08:00

Hemos querido reproducir el presente artículo relativo a Irena Milovan, quien visitara el país a fines de Julio recién pasado, con motivo de las celebraciones del cincuentenario del Ballet de Santiago. Milovan, pilar fundamental de la compañía chilena en sus inicios a fines de la década de los 50, continua hoy por hoy una exitosa carrera como maestra en diferentes capitales europeas, trabajando codo a codo con los grandes de la danza. El artículo en cuestion fue publicado para “Panorama de la Danza” por Patricia Kappen el portal www.tanznetz.de con motivo del 50º Aniversario de Nederlands Dans Theater y traducido para esta publicación por Lisa Hamburger e Irena Milovan.
Charles Benner

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Patricia Kapp a menudo se pregunta: ¿dónde quisiera bailar ahora, si fuera una joven bailarina? Creo que en mi compañía favorita, como hace veinte años, la Nederlands Dans Theater en La Haya, compañía que celebró a fines de octubre recién pasado su aniversario número 50. Cuando visito a mi viejo amigo Gérard Lemaître, (fue uno de los primeros y todavía a veces trabaja con NDT 3, con sus 73 años), me lleva y nos gusta disfrutar el fantástico trabajo de jóvenes bailarines y coreógrafos.
Esta vez fue para mí un gran placer encontrarme a una maestra muy especial, que nunca he olvidado y que ha asumido la formación de la compañía por el mes de octubre. Irena Milovan, era considerada como una de los mejores intérpretes de Giselle, me contó que la gran Tamara Toumanova, estaba invitada a bailar antes que ella, en la producción de Serge Lifar y… ¡cómo estaba nerviosa de bailar después de ella! Lifar la tranquilizó, diciéndole: "Toumanova es una gran estrella pero tu eres Giselle.”
Para mí, es como ninguna otra maestra que yo conozca, hoy día sigue la enseñanza según Vaganova. Tiene ante si muy distintas y fuertes personalidades de bailarines totalmente bajo control. Exige mucha disciplina, incluso de los pianistas, pero lo hace con mucho amor, humor y respeto. La compañía la quiere mucho y confía en ella. Hace cortas y diferentes combinaciones de tendu en la barra. Presta especial atención a que los bailarines hagan exactamente lo que ella solicita. La estructura de la barra es genial y estoy segura de que a nuestra querida Vaganova le habría gustado. Esto tiene la ventaja de que los bailarines se colocan, calientan su cuerpo y no están cansados, cuando llegan al centro. Incluso en el centro los ejercicios son cortos, pero todo está en ellos, se habla poco, pero se mueve mucho. El ritmo de la clase es muy importante para ella, mira todo y crea un ambiente de trabajo agradable. Después de clase, los bailarines tenían tanta energía que han pedido al pianista que tocara algunas codas, para tours a la second, fouettés y tours en l´air, etc. ¡Verdaderos fuegos artificiales!
Irena Milovan nació en Zagreb en 1937. A los diez años ingresó en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de Zagreb, 1954, fue contratada a la edad de 17 años en la Ópera de Zagreb. En 1957 la toma Nicholas Beriozoff como solista en Stuttgart. En 1959 siguió a su esposo Octavio Cintolesi a Santiago de Chile, donde él fundó la Compañía Ballet de Arte Moderno, baila todos los principales papeles del repertorio y al mismo tiempo hasta 1966, forma la escuela de Ballet afiliada al BAM.

En 1966, Nicolás Beriozoff la llama a trabajar nuevamente con él, esta vez en Zurich, como su primera solista. Permanece en esta Compañía hasta 1973. Entre 1973 y el 1976, baila en Bonn bajo la dirección de Cintolesi. En 1976 se traslada a Lyon, dejando la carrera de bailarina tomando el cargo de maestra de baile. De 1986 a 1991, es profesora permanente del Nederlands Dans Theater y el Real Conservatorio de La Haya. Entre 1991 y 2002 trabajó como maestro de ballet en Madrid bajo la dirección de Nacho Duato. Desde 2002 ha sido Maestra independiente e imparte regularmente clases en Frankfurt, con William Forsythe, Nacho Duato en Madrid, el Ballet Cullberg en Estocolmo, el Ballet de la Ópera de Lyon y el NDT en La Haya, etc.
Seis preguntas a Irena Milovan.

1.- ¿Cómo y cuándo llegaste a enseñar?
Mi interés en la enseñanza despertó muy temprano. Mi primera profesora de ballet en Zagreb siempre nos daba la tarea de inventar un ejercicio. Con este método ella quería lograr que entendiéramos lo que estábamos haciendo. Mi propia escuela estaba tan presente todavía cuando comencé la experiencia en la enseñanza de los niños en Santiago de Chile, que pude traspasar este conocimiento muy claramente. También en Zurich, además de mi trabajo como solista, daba clases a los niños en la escuela del teatro.
2.- ¿Qué Maestros no has olvidado nunca? ¿Y por qué?
Musya Ignjatovic, mi primera maestra en Zagreb. ¡Me dio la base correcta! Sin ello nunca habría sido capaz de aprender lo que me enseñaron todos los demás.
3.- ¿Piensas que se puede enseñar a ser profesor? En el caso de que sea posible, cual es tu opinión de cómo hacerlo?
NO sin previa experiencia en la escena. En los conservatorios de música hay formación de composición. De esas clases no siempre salen compositores, a menos que conozcan las cualidades de cada instrumento. Importante es observar y ver bien para el profesor de baile. ¡Mucha gente mira pero no ve!
4.- ¿Para ser maestro de baile hay que haber bailado profesionalmente?
¡SI!
5.- ¿Que es lo más importante para hacer una clase bien lograda?
El ritmo de la clase tiene que ser justo, y ver bien!

6.- ¿Que correcciones no deben olvidar tus alumnos?
Ninguna corrección en especial. La capacidad, para asimilar la enseñanza de cada alumno es diferente. Se aprende algo de cada profesor. Lo más importante para mi es la honestidad en el trabajo.

* Patricia Kapp, maestra de Clásico-Académico, Repertorio e Improvisación en la Esuela de Estudios Superiores de Essen- Werden

“El Zorro”, sorprendente aporte musical y un justiciero ausente.

2009-11-16T06:26:00.001-08:00

Aun cuando la puesta en escena del ballet “El Zorro” este fin de semana pasado en el Teatro Municipal de Santiago, no fuere un verdadero boom; debemos valorar el emprendimiento del Ballet de Santiago y sus artistas. Interesante tarea de entregarse a la creación musical y coreográfica original para una temática de la cual no existen antecedentes en ballet. El valor y coraje para tal empresa por parte de sus creadores es respetable y meritoria; como también la de todo el elenco del Ballet de Santiago liderado por la experimentada Marcia Haydée. La temática de “El Zorro” generó grandes expectativas e interés tanto en el medio artístico, prensa especializada y espectador; no obstante el resultado de este ballet debe contemplar en el futuro inmediato, una “revisión…” ya que el mismo contiene ingredientes interesantes para convertirlo en un suceso artístico.

Aporte Musical
Independiente que la página musical escrita por el talentoso y versátil José Luis Domínguez para el ballet “El Zorro”, sea o no música para danza; lo cierto es que en esencia es música y de la buena. Tal vez, difiere de lo preconcebido como forma musical para ballet; pero no debemos olvidar que muchos coreógrafos han utilizado y utilizan hoy en día con gran acierto, partituras musicales escritas exclusivamente para la ejecución instrumental, sinfónica o vocal. En muchos casos estas magníficas creaciones danzadas, se han convertido en exitosos títulos incrementando así el repertorio coreográfico universal.

Sin preludio ni obertura mediante, los primeros sones del prólogo nos introducen en una atmósfera de aventuras la cual se va desarrollando a medida que transcurre la música. José Luis Domínguez, incluye gradualmente las familias instrumentales llegando a la utilización de toda la gran orquesta. Los bronces suenan arrebatadores y briosos. Las maderas bien utilizadas y una percusión resolutiva en momentos álgidos y toques finales. Las cuerdas, con un buen balance tienen su correspondiente afín en la narrativa más íntima. La música, contiene pasajes melódicos de gran belleza arquitectónica en lo tonal. El uso del “leit motiv” conforme a cada personaje, es reconocible, como también interesante fusión de diversos motivos en el interactuar de los mismos. Música no fácil para el “conteo” danzado, la claridad en el fraseo, la nitidez entre lo agógico y lo dinámico - principios comunes a la música y la danza -, más el ritmo plástico bien traducido por parte del coreógrafo; permitirán al bailarín una mejor compresión e interpretación de la frase danzada. La música incidental o narrativa de José Luis Domínguez, es perfectamente danzable. Podríamos definir esta partitura como un “Poema Sinfónico”, aun cuando tiene más de un movimiento, pero en sí, es música descriptiva, y mueve a sentimientos y sensaciones; opuesto a la música pura, de programa o de ballet. En el segundo acto es donde encontramos el arte danzado más visiblemente a través de la partitura. Un ¾ con fuerte sentido de peso gravitatorio envolvente, vals de hermosa construcción melódica, el cual da marco al personaje denso y egoísta de la ambiciosa Victoria, seguido de un Huapango, un alegre y festivo 6/8 con aire mexicano que acompaña a la danza del pueblo en medio de la fiesta con Lolita y Benito como pareja central; mas la Danza Española o Fandango, un ¾ con fuerte carácter y ágil subdivisión rítmica, que permiten un buen lucimiento a Agustín Cañulef y Cecilia Lucero, dan seguridad a los danzantes, pues es aquí donde tienen su mayor lucimiento bailado. El tema musical asignado al Pas de Deux de “El Zorro y Esperanza” en el segundo acto, encierra una gran belleza estructural en lo armónico y es quizás… lo más íntimo y expositivo de José Luis Domínguez como compositor.

De la Coreografía
El solo titulo “El Zorro”, nos trae a la memoria acciones de aventuras y grandes recuerdos de la infancia, mas la espectacularidad y destrezas aéreas del justiciero y su espada.
Un Zorro muy “a terre” con poca evolución por los aires y un tanto ausente en la historia, nos deja un sabor extraño. Por otra parte, gran cantidad de información en el acto primero y solo esbozo de los personajes, lentitud en la narrativa danzada a momentos y escenas debilitadas con finales abruptos, nos llevan a confusión sin entender lo que se quiso contar. Son estas las falencias notorias en la puesta en escena. Eduardo Yedro, responsable de la coreografía, tiene a su haber un trabajo previo conocido y experiencia, unido a un tema que genera interés y expectación como lo es la historia que comentamos, podría convertirse en un exitazo de proporciones… pero hay que revisar, afinar, desarrollar personajes y podar si es necesario hacerlo. Creemos necesario el trabajo mancomunado con un dramaturgo, para la mejor estructuración de los actos, escenas y pasacalles. Eduardo Yedro compone danzas estructuralmente bien, pero lejos de la dramaturgia, notoria es la falta de fluidez en la narrativa; por lo mismo termina diluyéndose en el desarrollo de la historia. Nunca logramos llegar al clímax en la composición danzada, como tampoco sabemos si lo hubo; por otra parte, algunas interpretaciones de roles secundarios caen mas bien en lo caricaturesco. Da la impresión de que faltó tiempo para madurar, más un buen asesoramiento y respaldo dramatúrgico. Distinto es tener un mes para reponer algo ya bailado e incorporado en la musculatura, a crear todo de la nada, memorizarlo, incorporarlo técnicamente, sentirlo musicalmente e interpretarlo artísticamente. Aun así, hay mucho rescatable y por lo mismo debe revisarse.

De los Intérpretes
Diego de la Vega y Zorro, ambos personajes interpretados por Luis Ortigoza, bailarín estrella de la compañía, quedan ausentes y con presencia confusa dentro de la historia. Seguro y gran destreza técnica en su danza, como es habitual en el artista, pero muy disminuido en el desarrollo actoral tras la capa, el antifaz y el sombrero. Esperanza, rol interpretado por Mª. Dolores Salazar, nos entrega a una enamorada creíble, tímida y muy dulce, de hermosa línea y delicado danzar. En ambos Pas de Deux (con Diego de la Vega y Zorro) se muestra segura y presente escénicamente. José Manuel Ghiso encarna a Monastario, logrando un compromiso mayor con su personaje, técnicamente sólido y resuelto; no obstante decae notoriamente durante las escenas de combate; pues la ausencia de coreografía y destrezas en los duelos con el “Zorro” la hacen plana y poco cautivante. Victoria, ambiciosa hacendada a cargo de Marcela Goicochea, bailarina estrella de la compañía, tiene en ella su más interesante actor en toda esta historia y bien secundada por sus amigas interpretadas por Cecilia Arrúa y Cecilia Lucero. Marecela Goicochea, imprime carácter, fuerza, destreza y compromiso interpretativo. Su Pas de Deux con Monastario (José Manuel Ghiso) es de mucha fuerza y emoción contenida.
Italo Jorquera (Bernardo) y Sergio Morales (Sargento García) no aciertan en la composición. En cuanto a la psicología del personaje, faltó claridad, nitidez; pues caen con facilidad en el estereotipo y la caricatura. El resto del elenco, cumple desde la danza un muy buen desempeño a las tareas asignadas, no obstante confusos en cuanto al desarrollo dramatúrgico.

De la Escenografía, Vestuario e Iluminación
Una fuente más pequeña en la escena de la Plaza del pueblo, permitiría una mejor visión de las evoluciones danzadas tras la misma. Quizás una apuesta más asimétrica en lo escenográfico habría generado mayor fuerza a la escena. El vestuario diverso y colorido es atractivo visualmente, sobre todo la utilización de la falda pantalón para el personaje de Victoria y sus amigas. La iluminación a cargo de José Luis Fiorruccio no convenció, mucho menos apoyó la narrativa, más bien parecía sufrir una baja de voltaje.

Conclusiones: José Luis Domínguez abre una brecha para la composición de futuros ballets hechos en casa. El Ballet de Santiago, compañía disciplinada que responde a las exigencias solicitadas en cuanto a técnica y danza, no obstante adolece del recurso de la improvisación. En lo inmediato a resolver: Sentarse a conversar, revisar y corregir. Aun con las falencias denunciadas, la propuesta tiene mucho rescatable. La música de “El Zorro”, con o sin ballet, es música para disfrutarla por su valor en sí. Concebida en un estilo más bien modernista post romántica tiene garra quedando en la oreja a la primera audición. La Orquesta Filarmónica de Santiago con brillo cuerpo y sonoridad, logró una lucida actuación en esta velada bajo la batuta del compositor y director José Luis Domínguez.
Charles Benner
(Noviembre de 2009)

Ópera Joven, un paso adelante para el desarrollo de la lírica regional

2009-11-16T06:15:00.000-08:00

En la foto: la soprano y maestra Haydée Dabusti, junto a las voces nacionales
durante el Encuentro Ópera Joven.

Entre el 12 de Octubre y el 7 de Noviembre inclusive, se desarrolló en Viña del Mar, el 1er. Encuentro Regional de la Ópera Joven. Clases magistrales, conferencias sobre la materia y un concierto de clausura en el Anfiteatro Codar de Reñaca, dieron término a las jornadas desarrollas en la ciudad jardín.

Gracias al auspicio del Fondo de la Música del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, la Agrupación Ópera Joven - liderada por las sopranos Gabriela Ojeda e Irene Yáñez -, realizó el 1er. Encuentro Regional de la Ópera Joven. El evento reunió un interesante número de participantes venidos tanto de la región de Valparaíso como de Santiago.

Durante la primera semana del evento llegó desde Argentina invitada por la Agrupación Ópera Joven, la destacada soprano transandina Haydée Dabusti; que dicho sea de paso, la artista lírica ha sido aplaudida por nuestro público en años anteriores tanto en Viña del Mar como en el sur de Chile. Haydée Dabusti, impartió clases magistrales enfocadas al repertorio, realizando un detallado trabajo de filigrana con los cantantes reunidos en el evento. Igualmente desde el vecino país, vino a la semana siguiente el barítono Luis Gaeta, de vasta trayectoria en escenarios internacionales; actualmente maestro del Instituto Superior de Arte del Teatro Colon de Buenos Aires. El maestro Gaeta, centró su actividad en la técnica vocal, reconociendo haber escuchado muy buenas voces durante el 1er. Encuentro Regional de la Ópera Joven. La tercera semana correspondió a Myriam Singer; reconocida soprano nacional, empresaria y exitosa regisseur, quien tuvo a su cargo la materia de interpretación y movimiento escénico. Se desarrollaron además, tres conferencias a cargo del operático y abogado Hugo Valdivia, quien sorprendió a los asistentes por lo exhaustiva y completa exposición en cada una de sus intervenciones; finalmente y durante dos semanas, se realizaron clases de apoyo en la rama de Expresión Corporal, a cargo de quien escribe estas líneas.

Concluyó este 1er. Encuentro Regional de la Ópera Joven con un concierto desarrollado en el Anfiteatro Codar de Reñaca. Participaron las sopranos Marcela Silva (“donde lieta usci”, La Bohéme - Puccini); Gabriela Ojeda (“vals de Juliette”, Romeo y Julieta – Gounod); Marisil Caparotta (“in uomini” y “una donna a quindici anni”, Cosí fan tutte – Mozart); Paola Casas (“tú, che di gel sei cinta”, Turandot – Puccini); los tenores Daniel Olmos (“lamento de Federico”, L’Arlesiana – Cilea); Olivier Delaire (“una furtiva lagrima”, L’elisir d’amore –Donizetti); y el Duetto “Che gélida manina…Si, mi chiamano Mimí…O soave fanciulla” – La Bohéme – Puccini,) en las voces de la soprano Irene Yáñez y el tenor Gustavo Morales. Acompañó al piano el joven y talentoso pianista Pedro Urrutia; quien además, desde el inicio del 1er. Encuentro de la Ópera Joven, estuvo presente en la pasantía durante las clases magistrales de los maestros Dabusti – Gaeta.

Conclusiones: En lo positivo, haber dado inicio a un proyecto interesante, necesario y extensivo a la voz joven. Un paso adelante con una mirada externa en lo que a ópera refiere. En un futuro, restar todo síntoma no profesional, contando con espacios apropiados para el desarrollo de las actividades en cuanto a cualidades sonoras; creando de esta forma, la atmósfera necesaria fuera de toda contaminación acústica ambiental.
Charles Benner
(Noviembre de 2009)

La italiana en Argel

2009-10-26T08:35:00.001-07:00

Tras 25 años de ausencia ha vuelto al Teatro Municipal de Santiago este sábado 24 de Octubre, la ópera bufa “La italiana en Argel” de Gioacchino Rossini. Atrevida e innovadora puesta en escena, más la incorporación de un soberbio elenco vocal; unido a un elegante vestuario y batuta con tempos rossinianos; hicieron de esta jornada musical una velada definitivamente inolvidable.
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La régie del español Emilio Sagi, permite en esta divertida comedia de enredos una mirada contemporánea, ágil, transgresora e imaginativa. Ambientada allá por los años 50 del siglo pasado, recurre a elementos simples, pero efectistas. La utilización de globos y chayas en un imaginario casi infantil, causa la inmediata respuesta e hilaridad en el espectador. Es fácil adentrarse al mundo que la régie compone aceptando sin mayores cuestionamientos la narrativa, a momentos absurda, pero fresca y lúdica al mismo tiempo. Desarrolla un movimiento escénico equilibrado y diametralmente opuesto a la simetría escenográfica; por lo mismo, es visualmente interesante. La lectura segunda que imprime a los eunucos pudo resultar burda, no obstante es resuelta con elegancia y festivo humor, siendo parte de la efervescencia y locura que el réggiseur permite a los artistas y desarrollo mismo de la historia. La sucesión de escenas y cambios de elementos escenográficos sin cortes ni black out, agilizan notoriamente el desarrollo de la ópera. Solo advertir: La comparsa como elemento de apoyo a los cambios escénicos debe lucir mejor postura y firme caminar; de ese modo, no distraerá la acción primera.

La escenografía propuesta por el argentino Enrique Bordolini, cumple a la idea del réggiseur en términos lineales, permitiendo un trabajo ágil en cuanto a cambios, desplazamientos y funcionalidad. Los colores blanco, rojo y celeste-turquesa, bien escogidos y mejor apoyados por la iluminación. Eduardo Bravo, imprime a través del respaldo lumínico, una atmosfera liviana y fluidez visual a las diversas escenas y pasajes de la ópera. El vestuario diseñado por Renata Schussheim, se funde con la idea y croma escenográfica. Diseños elegantes de hermosa caída, líneas sobrias y colores expresivos. La textura utilizada resalta la figura de los cantantes, permitiéndoles un cómodo actuar, sin problemas a los requerimientos de la emisión vocal y los desafíos del movimiento escénico.

Isabella, rol interpretado por la italiana Mariana Pizzolato, nos deja entrever una hermosa voz, elegante fraseo y fina coloratura. Divertida y genial en su actuar, excelente actriz y notorio dominio del rol, el que le permite una entrega absoluta al personaje de la pícara y astuta Isabella. Una mezzo de porte mayor y dueña absoluta de la escena, resuelve sin dificultad cualquier ornamento o fioritura. Correcta y delicada interpretación del aria “Cruda Sorte ¡Amor Tirano!..” en el acto primero, seguido del allegro; más una soberbia interpretación vocal y actoral del duetto “Al capricci della sorte…” junto al barítono José Fardilha.

Pietro Spagnoli, de entrada compone un Mustafá muy bien resuelto en cuanto a tiempos y dinámicas actorales. Su aparición en “Delle donne L’arroganza…” deja de manifiesto la calidad vocal que posee. La transición de una emoción a otra la maneja de manera fluida y sin quiebres. La agilidad vocal que posee en su registro de barítono coloratura, le permiten abordar cualquier exigencia ornamental. La voz corre llenando absolutamente la sala. Mustafá entregado a los encantos de Isabella, realiza un excelente duetto junto a Mariana Pizzolato en “Oh, che musso, che figura…”

Kenneth Tarver representa al esclavo Lindoro, tenor ligero con facilidad para los agudos, agilidad vocal y buen fraseo; no obstante su voz pequeña, no corre con la facilidad que quisiéramos. A momentos no pasa mas allá del palco escénico, perdiéndose en las intervenciones grupales. Buena presencia y actuación comprometida. Su intervención en “Languir per una bella…” fue correcta y ajustada.

Patricia Cifuentes, posee un registro vocal parejo y evoluciona decididamente en forma ascendente. Sus agudos perfectamente audibles y fraseo bien resuelto. Sin embargo, compone una Elvira de poco lucimiento en términos de dramaturgia. Pensamos que faltó sacar partido al rol asignado. Hay ausencia de convicción en lo relativo a lo actoral; materia que la artista podría incorporar con una dirección focalizada.

Taddeo, representado por el barítono José Fardhila, hace gala de una sólida y excelente voz. Actuación convincente en todo momento, logrando mantener el personaje de principio a fin.

Claudia Godoy y Patricio Sabaté; Zulma y Haly respectivamente, se muestran comprometidos vocal y actoralmente durante el desarrollo y narrativa de la ópera.

La Orquesta Filarmónica de Santiago, conducida en esta ocasión por Rani Calderón, toma desde la misma obertura el tempo rossiniano - en un breve pasaje decae en cuanto a agilidad y velocidad, pero rápidamente se recupera - Musicalmente el concertante del acto primero concluye con brillo y gran sonoridad. Vibrantes el terceto “Pappataci” y el quinteto. El Coro del Teatro Municipal, que dirige el maestro Jorge Klastornick, luce las voces masculinas en “Viva il grande Kaimakan…” (Acto 2do.)

A modo de conclusión: La presente producción de la “Italiana en Argel” en el Teatro Municipal de Santiago, inclina definitivamente la balanza hacia el éxito. Es una puesta en escena soberbia, divertida y llena de humor que bien podría llevarse al resto del país con el objetivo de iniciar y captar nuevo público para este género musical.
Charles Benner
(Octubre de 2009

"Don Quijote"... locuras, ingenio y fantasías

2009-10-12T12:15:00.000-07:00

Ballet de Santiago en una escena de “Don Quijote”
Fotografía: Patricio Melo

“Don Quijote” representado este sábado 10 de Octubre por el Ballet de Santiago, conjunto artístico que dirige la connotada bailarina y coreógrafa brasileña Marcia Haydée; constituye un verdadero acierto para esta temporada de 2009 en el Teatro Municipal de Santiago. La actual puesta en escena bajo la firma de Jaime Pinto, tuvo como intérpretes a Natalia Berríos y Luis Ortigosa en los roles estelares.

La première mundial de este ballet vio la luz el 26 de Diciembre de 1869 en el Teatro Bolshoi de Moscú a solicitud de los Teatros Imperiales. La música, autoría del austríaco Ludwig Minkus y coreografía original del marsellés Marius Petipa; ambos, avecindados por aquella época en la Rusia zarista del siglo XIX; nos cuentan en parte sobre las aventuras, amores y desamores de Kitri, la hija de un tabernero y Basilio un joven barbero del pueblo; en tanto que Don Quijote, el iluso caballero de la triste figura y su fiel sirviente Sancho Panza, se visualizan a través de una serie de peripecias que giran en torno a la joven pareja de enamorados. El propio Marius Petipa revisaría este ballet en contadas ocasiones; posteriormente, el año 1900 el ruso Alexander Gorsky, reconstruyó la obra que se basa en el capítulo XIX del segundo libro de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha” de Miguel de Cervantes y Saavedra. Desde su creación este titulo coreográfico se convirtió en un suceso de proporciones mayores y a la fecha, muchos son los compositores de baile alrededor del mundo que han tratado este ballet desde su propia óptica. Lo atractivo y oreja de sus páginas musicales - aun cuando no es la excelsa composición musical - y la escasa pero picara temática argumental… seduce al mas versado creador. En esta ocasión, Jaime Pinto, laureado artista nacional y autor de exitosas creaciones bailadas; imprime su sello personal a la obra convirtiéndola en un mundo de fantasías, ingenio y locuras.

La concepción artística de Jaime Pinto es mágica, divertida y chispeante; cargada de pasajes humorísticos y agilidad en la narrativa danzada. Posee matices interesantes, riquísimos y de gran efecto desde la óptica visual y musical. Jaime Pinto logra un buen uso del espacio escénico empleando acertadamente las dinámicas en los ritmos 3/8, 6/8 y 2/4 del acto primero. Su composición es delicada, fina y de gran gusto. El mover escénico en cuanto a la masa grupal, es absolutamente diligente y bien resuelto. Las danzas características, son desarrolladas con alta precisión, exigencia técnica, brío y elegancia a la vez. El segundo acto gira bruscamente hacia el lirismo en la escena tercera, donde el coreógrafo agrega la danza de don Quijote y Dulcinea en su juventud. Este pasaje si bien no está en el original de Marius Petipa, no molesta ni distrae en absoluto; al contrario, se considera un aporte insertado en el relato danzado. Ahora bien, si lo relativo al desarrollo mismo de la obra y sus personajes esta lejano acorde la trama original del texto cervatino; bien podemos apreciar un buen relato conforme al pretexto argumental que precisa la obra bailada; ya que términos generales, la concepción de este ballet está más cercano al Grand Divertissement que a la dramaturgia misma contenida en el libro de Cervantes y Saavedra.

La escenografía y vestuario que ha propuesto el experimentado artista Germán Droghetti, nos invita a soñar, a maravillarse y deleitar en la multiplicidad de colores, texturas diversas y cromatismo bien temperado. Adentra al espectador en las plazas y campamentos gitanos de épocas pretéritas, creando una atmosfera mágica y real a la vez. El diseño lumínico de Alberto García, destacando los efectos de luz y sombra, es un fuerte aliado y mejor apoyo para el planteamiento escenográfico. Resalta fuertemente los momentos de gran algarabía en las danzas gitanas, íntimas como la danza de don Quijote y Dulcinea del segundo acto y brillantes como el Gran Pas de Deux y finales de la obra.

Jaime Pinto, en el rol de Don Quijote, exhibe una carga emotiva fuerte y contenida, imprime carácter y prestancia al personaje haciéndole creíble y cercano en su narrativa. Su fiel sirviente, interpretado por Pablo Aharonian, logra momentos de real compenetración y desarrollo expositivo del personaje, especialmente en la escena quinta del acto segundo.

Luis Ortigoza, tiene en este rol uno de sus mas fuertes y logrados éxitos. Aun cuando se ajusta más bien al tipo de bailarín noble de corte lírico; no tiene inconvenientes para desarrollar un personaje en la línea de carácter o demi-caracter. Es en definitiva, la amplitud de registro que el artista posee – en términos operático-musical, este aspecto le llamaríamos tesitura – mantiene permanentemente una línea artística de nivel superior, apropiándose con gran dominio de los asuntos técnicos de la danza clásica, sumado a ello, la madurez interpretativa a la cual ha llegado. Compone en “Don Quijote”, un personaje sólido, atractivo, lleno de sorpresas y picardía en el acto primero. Seguro y templado en el gran Pas de Deux del acto segundo, soberbio y brillante en la variación y coda final. Su interpretación de Basilio, el joven barbero de las páginas musicales de Minkus, deja la vara demasiado alta para los futuros sucesores del rol. Conforma junto a Natalia Berríos una pareja excepcional y de gran fiato en términos artísticos y estéticos.

¡¡Luis Ortigoza, una estrella en Chile y en cualquier lugar del mundo!!.

Natalia Berríos, bailarina en ascenso permanente y sostenido, quien tiene a su haber una hermosa línea y soberbio porte escénico. Elegante y fina en su danza, identificada por temperamento mas bien con los roles de corte lírico-romántico; no obstante en esta pasada, logra un muy buen desempeño en el rol de Kitri y las exigencias del carácter. Su oficio y gran profesionalismo, le permiten sortear con inteligencia aquellos imprevistos que suelen darse en escena, aun en los consagrados. Exquisita y atenta a la dinámica musical. Su desempeño durante el primer acto fue correcto y sólido. Es sin embargo, en el Gran Pas de Deux del acto segundo, donde entrega toda su capacidad y destreza técnica, digna de una prima ballerina. Solo decir: trabajar con mayor definición los épaulement en la variación del Grand Pas de Deux.

Maite Ramírez, como la gitana Mercedes desarrolla un buen personaje dentro de los parámetros técnicos en cuanto a danza, no obstante, faltó compromiso dramático en su exposición. Hemos vistos anteriores ejecuciones en ella donde compromete actuación junto a la gran técnica que la artista posee. No referimos a una ausencia histriónica en su rol, sino más bien a una cierta frialdad en la ejecución del mismo. Gabriel Bucher, posee hermosa figura y presencia escénica, resulta ser un buen partenaire para la bailarina, aun cuando su evolución solista resultara un tanto débil. La cerrada hermética de los pies en la V posición en el aire durante la ejecución del double assemblé en tournant, le asegurarán un mejor aterrizaje conservando la estabilidad. Gabriel Bucher, logra un mayor compromiso durante el “Divertimento Torero” junto a Carlos Inostroza y Miroslav Pejic.

Sergio Morales, compromete actuación en su rol como padre de Kitri. Por otra parte, Italo Jorquera, da muestras de una gran capacidad histriónica y acertada actuación de carácter en el personaje de Camacho. Su desarrollo es atrevidamente cursi y amanerado, absolutamente rococó y deliciosamente grotesco. De momento que Italo Jorquera aparece en la escena caracterizado en su personaje, no deja de llamar la atención. Su planteamiento y evolución esta completamente logrado. Agustín Cañulef, hace gala de su destreza técnica, compone un personaje atrevido, fresco y de gran templanza. Sus intervenciones en todo momento estuvieron llenas de aplomo y seguridad, aun cuando un pequeño tastabilleo lo saca de eje; pero atento al percance, concluye su variación con mayor brío. Esdras Hernández, gran seguridad en su saltos, giros y buen impulso para atacar el saut de basque, posee una técnica sólida y segura mostrándose aguerridamente en escena. Las amigas, grupo compuesto por 6 bailarinas del cuerpo de baile, se muestran limpias y ajustadas técnicamente luciendo correctas y coordinas en escena. María Dolores Salazar y Nicolás Caudullo realizan una muy buena exposición de los roles asignados (Dulcinea y Quijote de joven.) Aquí encontramos un cuadro de características lírico-románticas, que se ajusta perfectamente a los intérpretes elegidos. Fina, delicada y etérea María Dolores Salazar. Limpio, cuidado en su danzar y de hermosa figura Nicolás Caudullo, El cuerpo de baile en esta escena, sirve de marco y apoyo de forma correcta y ajustadamente sincrónico tanto en la escena de conjunto como en los lift sugeridos hacia el canon. Nina Zaera e Ingrid Fuchslocher, cumplen correcta y soberbiamente sus variaciones. Hay limpieza en el trabajo de pies, elegancia en los brazos y torso y finura en los petit pas par développé. Monserrat López y Deborah Oribe, cumplen las variaciones primera y segunda respectivamente del Gran Pas de Deux del acto segundo, ambas bailarinas lucen seguras, técnicamente limpias y linealmente hermosas.

La Orquesta Filarmónica de Santiago bajo la conducción de Santiago Meza, se constituye en un buen conjunto acompañante con cuerpo y solidez sonora, logra momentos de gran compromiso con los bailarines, aun cuando en el primer acto, ataca un 3/8 demasiado veloz para el seguimiento bailado del mismo; mas el solo de violín, que destempló brevemente al realizar un agudo en la línea melódica, no logrando componer los armónicos durante el Adagio del Gran Pas de Deux. A modo de conclusión: La compañía toda, conjunto que el presente año se encuentra celebrando sus bodas de oro, muestra un gran nivel técnico-artístico y excelente estado físico en sus filas. Línea, prestancia y donaire en el contingente masculino; garbo, elegancia y delicadez; más una cuidada figura en la tropa femenina.
Charles Benner
(Octubre de 2009)

Turandot, imponente escenografía mas un coro con sólida presencia vocal.

2009-10-01T20:09:00.000-07:00

Escenografia de Turandot

La magia y la belleza de la china milenaria hemos podido apreciar este viernes 25 de Septiembre, durante la puesta en escena de la Ópera “Turandot” de Giacomo Puccini, la cual cobra vida por estos días en el Teatro Municipal de Santiago. Título cautivante para los amantes exigentes de la lírica y el teatro cantado. Musicalmente, una obra compleja y bellísima a la vez, cuya refinada sucesión melódica de equilibradas disonancias, sumado a la generosa diversidad tonal; mas la majestuosidad escenográfica que exige el libreto de Adami y Simmoni; junto a la dramaturgia cargada de tintes exóticos y caracteres épicos, hacen de esta obra; una de las óperas más aplaudidas y solicitadas por los grandes teatros líricos. Dan vida a esta historia de amor, la vengativa y gélida princesa Turandot, el príncipe Calaf y la leal y desdichada esclava Liú.

La puesta en escena a cargo de la dupla compuesta por los artistas argentinos Roberto Oswald y Aníbal Lápiz - ambos de basta trayectoria y reconocimiento en el género - impacta por el colorido, sobriedad, y despliegue técnico. Bien tratado el uso de los recursos para un espacio no tan generoso como es el Teatro Municipal de Santiago, hablando en términos de metrajes para una monumental producción como lo es “Turandot”. Los creadores proponen acertadamente una solución inteligente, superponiendo planos y niveles que dan cuerpo y sentido de amplitud, grandeza y perspectiva a la vez. La iluminación logra momentos realmente hermosos, de gran plasticidad visual y compromiso íntimo de acuerdo a la narrativa expositiva. Resalta además lo escenográfico en los momentos álgidos de la historia; como así también, traduce eficazmente la textura, luz y sombra del vestuario diseñado. A momentos, la masa humana nos pareció un tanto agolpada y demasiado estática en el primer plano de la escena, no obstante en lo general, la régie de Roberto Oswald mueve y diseña bien la planimetría escénica.

La Orquesta Filarmónica de Santiago conducida por José Luis Domínguez, logra momentos verdaderamente comprometidos y de gran apoyo a los cantantes; sin embargo no es la constante en el desarrollo total de la obra. La partitura de Puccini exige una orquesta acompañante, pero resolutiva y proponente a la vez, a modo de destacar la fortaleza dramática y el lirismo íntimo que en ciertos pasajes requiere la trama. Hacia el tercer acto pudimos oír y apreciar en la orquesta, su mejor exposición en cuanto a sonoridad y timbre.

La princesa Turandot, rol interpretado por la soprano rusa Irina Rindzuner, cumple correctamente lo exigido especialmente en “In questa reggia”. Posee un buen caudal de voz, sumado a un centro poderoso y una clara nitidez y colocación en los agudos y sobreagudos. Quizás algunos ataques en los cambios de dinámicas no estuvieron logrados por ciertos golpes en la emisión, pero en el desarrollo general, logra una buena proyección de su voz que corre sin problemas por la sala, sobrepasando sin dificultad el tutti de la orquesta. Teatralmente su personaje es creíble, el cual mantiene durante toda su intervención en escena. En el tercer acto, notoriamente su cambio emotivo es traducido en la voz en los momentos que rinde su amor a Calaf.

Jose Azócar, posee buen material en su cuerda de tenor, no obstante sus agudos se diluyen tornándose opacos en comparación a su centro, el cual suena muy bien timbrado y con proyección. Su exposición del aria “Nessum Dorma” fue correcta. Ahora bien, en el aspecto actoral, lamentablemente no logra mantener el personaje del príncipe Calaf durante la narrativa total de la obra y ello es muy notorio. Por lo mismo se sugiere al artista, ocuparse de trabajar la interpretación teatral, a modo de que el personaje escénicamente no caiga, como así también, fortalecer sus agudos mediante un buen apoyo dirigido, los cuales sin duda creemos que podrían salir con cuerpo y brillantez.

La esclava Liú a cargo de la soprano Carolina García, conmueve a momentos por su compromiso teatral, sin embargo debe mantener la línea dramática. Su voz, sin bien esta en desarrollo carece de matices definidos y lo mismo la hace un tanto plana, sobresaliendo solo hacia el agudo. Hay un vibrato que quizás deba trabajarse con mayor atención; pues en ciertos momentos suena a voz gastada y no creemos que sea así. Un buen uso técnico de la colocación y respiración, tendrán como resultante una correcta emisión.

Un gran equilibrio y excelente desempeño entre lo vocal y actoral, logra el personaje del rey Timur a cargo del barítono-bajo Homero Pérez. Su interpretación y canto destacan fuertemente en esta representación. Hay madurez en la voz, la cual tiene personalidad escénica per se. Compone un personaje sólido, con fuerza y carácter.

Los tres ministros a cargo de Juan Pablo Dupré (Ping); Pablo Ortiz (Pang) e Iván Rodríguez (Pong) ponen la nota fresca y liviana con tintes de comedia en medio de la tragedia. Vocalmente resueltos y gran compromiso actoral. Sebastián Ferrada (Altoum) y Arturo Jiménez (Mandarín), ajustados y comprometidos en sus fugaces intervenciones que requieren sus personajes. Buen trabajo de apoyo el Coro de Niños a cargo de Laura Núñez.

A modo de finalización, debemos hacer notar que la gran fortaleza aparte de la escenografía en esta puesta en escena, es sin duda el Coro del Teatro Municipal de Santiago; conjunto dirigido por el maestro Jorge Klastornick. El coro suena maravillosamente en lo vocal, musical y atentos a los matices que requiere la partitura, el mismo se desplaza con prestancia por la escena y compromete actuación… Ello es excelente; pues no es un mero apoyo y acompañante. ¡¡Es un protagonista mas… y vaya que protagonista!!
Charles Benner
(Septiembre de 2009)

Verdi – Réquiem, un canto a la vida

2009-09-29T11:49:00.000-07:00

“Verdi – Réquiem” de Gigi Caciuleanu
Fotografía: José Luis Valdivia

El fin de semana recién pasado (25 y 26 de Septiembre), el Ballet Nacional Chileno reestrenó en el Teatro de la Universidad de Chile, la obra “Verdi – Réquiem” del coreógrafo rumano-francés Gigi Caciuleanu, la cual fuera creada el año pasado con gran éxito. El Réquiem de Verdi en los pasos del Ballet Nacional Chileno, constituye una verdadera paradoja. A diferencia de la motivación que tuvo el colosal compositor italiano Giuseppe Verdi, quien canta en su obra a una misa de difuntos; Gigi Caciuleanu, a través de su concepción coreográfica en “Verdi – Réquiem”, utiliza cada nota, silencio y armonía vocal de la partitura, para imprimir fuerza, energía y vitalidad más allá de lo inerte.

Partitura exigente que por su grandeza y extensión más bien nos parece identificada con la línea belcantista que a lo litúrgico dedicado a la muerte. La misma sin duda, plantea grandes desafíos a la hora de traducir al movimiento toda la mística y grandeza armónica de la página verdiana; sin embargo, vemos como la obra coreográfica funde correctamente los principios agógico y dinámico, válidos para ambas expresiones artísticas el cual se ve fortalecido además, por el ritmo plástico que el coreógrafo le imprime a las frases bailadas. Sin duda, la creación de Gigi Caciuleanu pretende mostrarnos la vida existente tras la muerte.

Una exposición de 24 cuadros nos da cuenta de un paseo que empieza en el seol y se proyecta a la vida eterna. Desde las tinieblas a la luz, pasando por el rojo purpúreo de la sangre que encierra en si la vida misma. Al inicio, sin bien la obra no tiene línea argumental, nos identifica inmediatamente con al acto de nacer a la vida, y una muerte presente en un segundo plano a través del grupo de bailarines, Los artistas entregan una buena actuación, limpia y compacta en términos técnicos, e interpretativamente comprometidos dentro de lo que la línea abstracta les permite entregar. Se suceden a través de los distintos cuadros, aspectos diversos de la vida como la soledad, sueños, poder, conflictos, luchas, amor y una nueva vida sin fin.

Vemos en el Ballet Nacional Chileno y sus integrantes una compañía sólida, con estilo definido y claro danzar. Al mismo tiempo el cuerpo de bailarines sabe traducir nítidamente la idea del creador. Cuadros realmente hermosos y plásticos se llevan a cabo con muy pocos elementos componiendo una gran danza. ¡Genialidad del autor coreográfico!

En la retina nos quedan en esta pasada: César Sepúlveda (Iniciación, Pájaros y Violencia), Rita Rossi (Iniciación, Palabra Susurrada), Alex Gauna (Sueños Perpendiculares, Dúo con Variaciones), Kana Nakao (Sueños Perpendiculares, Lacrimosa), Jorge Carreño (Cielo Cuadrado, Lacrimosa, Impulsos), Carola Alvear (Mesa del Silencio, Impulsos) y Vivian Romo (Dúo con Variaciones, Sueños). A futuro, el joven Valentín Keller promete proyección. La escenografía y vestuario de Dan Mastacan cumplen en la simplicidad lineal el objetivo del creador; los tres colores elegidos – negro, rojo y blanco – reflejan simbólicamente la muerte, la vida y la vida mas allá de la muerte. La iluminación de Esteban Sánchez, constituye un fuerte y decisivo aliado para el desarrollo y exposición de la obra danzada.
Charles Benner
(Septiembre de 2009)

Lupe Serrano, homenajeada en Festival Internacional de Ballet

2009-09-06T18:01:00.001-07:00

Lupe Serrano

Ex-primera ballerina del American Ballet Theatre

Por estos días, Lupe Serrano, ex - prima ballerina del ABT, American Ballet Theatre y posteriormente solicitada maestra por grandes centros de danza, será galardonada en el XIV Festival Internacional de Ballet de Miami por su trayectoria artística de mas de 30 años en escena. Lupe Serrano, chilena de nacimiento e hija de padre español y madre franco-mexicana, debuta profesionalmente en México y desarrolla principalmente su carrera artística en los Estados Unidos de Norteamérica.

El 7 de diciembre de 1930 nacía en Santiago de Chile la niña Lupe Serrano, hija del director de orquesta Luis Martínez Serrano, quien se encontraba de gira por Sud America y de Luciana Desfassiaux. En aquel tiempo su padre decidió radicarse en el país un par de años producto de una enfermedad que aquejaba su persona. Lupe Serrano sintió desde muy pequeña la pasión por la danza y el ballet; por lo mismo, fue inscrita en la Academia de Bailes de la entonces muy conocida profesora capitalina Sra. Maruja García, quien tenia su estudio en los altos del Teatro Cariola allá por los años 30’. A sus cortos tres años, Lupe Serrano ya se empinaba a la media punta y debutaba en una representación criolla del ballet “Scherezade”. Posteriormente ingresa a estudiar con el maestro Jan Kaweski, donde cumplió variadas presentaciones.

En 1943 la niña y su familia se trasladan a Ciudad de México y es allí donde comienza estudios sistemáticos para una carrera profesional. No fue fácil al comienzo, pues contaba para ese entonces con muchos errores en el aprendizaje, no obstante, el tesón y los deseos de avanzar pudieron más. A los 14 años debutaba en el Ballet “Las Sílfides” con la Compañía Nacional de Ciudad de México. Los siguientes 4 años fueron de crecimiento en cuanto a la técnica, nuevos desafíos, finalización de sus estudios académicos formales y bailar en la Compañía Nacional de Danza. Por aquel tiempo se constituía en la principal bailarina mexicana. Sin embargo, a la edad de dieciocho años, Serrano se unió a la trouppe de Alicia Alonso en una aventurada gira por Centroamérica. De regreso a Ciudad de México, se incorporó a una nueva compañía fundada por uno de sus ex – maestros. Esta agrupación de corte folklórico le permitió viajar, conocer mundo y ganar experiencia; pero el ballet continuaba en su mente. La compañía fue a la quiebra, el panorama se vuelve oscuro para sus intereses y es en aquel momento cuando toma la decisión de emigrar a Nueva York y probar suerte.

A su llegada a Nueva York en 1951, Serrano audiciona para el Ballet Ruso de Monte Carlo consiguiendo una plaza en aquella compañía. Con dicha agrupación viajo por todo Norte y Sudamérica debutando como solista. El destino nuevamente la regresa a Ciudad de México… ahora por la quiebra de los Ballets Rusos de Montecarlo. Lupe Serrano, abatida y desorientada se embarca en un programa estelar de televisión dedicado a las artes doctas, no obstante a poco andar... la Divina Providencia le sonríe y es solicitada por el American Ballet Theatre para probar suerte a sugerencia de el ex-administrador de los Ballets Rusos de Montecarlo, ahora trabajando para el ABT. De allí en adelante (1953 – 1971) se produjo un matrimonio indisoluble entre Serrano y el ABT (American Ballet Theatre). Durante su permanencia en el ABT, fue escalando gradualmente hasta llegar a la categoría de bailarina principal. Realizo mas de 50 roles diversos en los casi 20 años que duró su periplo. Todos aquellos roles del repertorio universal como “Lago de los Cisnes” “Giselle”, “La Fille mal Gardée”, “La Bella Durmiente del Bosque”, y otros de autores más contemporáneos como George Balanchine, William Dollar, Antony Tudor y Jerome Robbins fueron parte de su historia danzada. Su arte fue aplaudido por el público de la Unión Soviética, Europa, Norte y Sudamérica.

A los 41 años después de casi tres décadas arriba de las puntas, Lupe Serrano decide colgar la zapatilla y dedicarse a la formación e instrucción de nuevas generaciones de bailarines. Su primera plaza docente fue la Academia Nacional de las Artes en Illinois, le siguieron la Escuela de Ballet de Pennsylvania, el Ballet de San Francisco, El Teatro de Danza de Minnesota, el Ballet de Cleveland, El Washington Ballet, el Ballet de Cincinnati, el Ballet de la Opera de Roma, y el Ballet Nacional de México. En los últimos años de su carrera docente se involucró con la Julliard School y el American Ballet Theatre.

Este 12 de septiembre, el XIV Festival Internacional de Ballet de Miami, el mismo que en versiones anteriores reconociera a figuras mundiales del ballet, como Violette Verdi, Roland Petit, Alberto Alonso, Carla Fracci, Ekaterina Maximova y Vasili Vasiliev entre otros, rendirá un homenaje y reconocimiento a la trayectoria de Lupe Serrano, como figura destacada del ABT de los años 50 y 60.

Charles Benner

(Septiembre de 2009)

Mario Bugueño, un camino truncado.

2009-08-28T06:38:00.000-07:00

Mario Bugueño Pizarro

El ballet, la danza contemporánea y la danza independiente de Chile, ha perdido a un querido y respetado creador de los años 80’ y 90’ en nuestro país. Afectado por la enfermedad de Alzheimer hace un par de años, y durante el último tiempo por una complicación del mal de Parkinson; Mario Bugueño Pizarro – bailarín, maestro y coreógrafo chileno - falleció este sábado 22 de Agosto en la ciudad de Santiago a la edad de 62 años. Se caracterizó por ser un estudioso y poseedor de una personalidad soñadora e inquieta que lo llevó a emprender cruzadas artísticas en el área privada y así plasmar su trabajo creativo.

Su formación primera en el arte de la danza la recibió en Argentina de manos de Ana Marini (académico), Lizu Brodsky (Graham) y Pedro Sombra (Jazz), una vez de vuelta al país a mediados del año 79, Mario Bugueño toma contacto con la desaparecida coreógrafa del entonces Teatro Contemporáneo de la Danza, Ingeborg Krussel; quien lo invita a trabajar en su agrupación. Por aquel tiempo, el Teatro Contemporáneo de la Danza comenzaba a reformularse y al año siguiente se constituía en la Compañía de Danza Vértice, bajo la co-dirección de Magali Rivano e Ingeborg Krussel. Es en este novel conjunto de la época, donde Mario Bugueño comienza a consolidar su labor creadora. Contaba en la agrupación con un número considerable de bailarines los cuales venían de diversas corrientes estilísticas, no obstante rápidamente logran homogeneidad y Bugueño mostraba por aquellos años sus primeras creaciones en lo relativo a danza teatral. “Jazz-Quatro”, “Rapsody In Blue”, “Conflictos” y “Vivencias”; fueron algunas de las obras que creara para la citada agrupación.

Su creación coreográfica se pudo apreciar también en los musicales de TV Nacional por aquellos años y en las Compañías Independientes: Danza Tiempo; dirigida por Silvia Villablanca, Compañía de Danza – Teatro; dirigida por Vicky Larraín, además del Ballet del Teatro Municipal de Antofagasta; dirigido por María Eugenia Candia, que solicitó igualmente sus obras en algunas temporadas. Durante los años 1988 y 1992, respondiendo al llamado que hiciera Luz Lorca a los coreógrafos chilenos para montar sus creaciones con el Ballet de Santiago, Mario Bugueño crea “Mutaciones” (1988) y “Chungará” (1992). Concentró mayormente su labor creadora en su propia compañía - Ballet Contemporáneo de Santiago – la cual allegó gran cantidad de bailarines independientes. “El Ángel” (Piazzola),”Studio” (Mahler), “Stabat Mater” (Pergolesi), “Un Tranvía Llamado Deseo” (Ellington) y “Onírica” (varios autores), componen algunas de las casi cincuenta obras coreográficas de su autoría. Su fuerte sin duda fue la creación, no obstante la labor docente le permitió entregar sus conocimientos en el Instituto de Danza Malucha Solari “IDAMS”, Dancen Escuela Karen Connolly, Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, y Estudio Contemporáneo de Danza entre otras instituciones, como así también en Argentina, Brasil y Paraguay.

Ahora bien, Mario Bugueño durante su enfermedad recibió la ayuda de su familia y del Fondo Solidario del Colegio Profesionales de Danza (Prodanza), quienes se ocuparon de brindarle un mejor pasar durante su enfermedad, la cual hubo de cumplirla en un asilo. Esto nos trae a reflexión y nos preocupa; pues el artista de danza y todos los artistas en general, aquellos que laboran en el área independiente están verdaderamente desamparados en cuanto a previsión y salud. Si bien el Gobierno de Chile ha avanzado en cuanto a políticas de justicia social y salud, no es menos cierto que los trabajadores del arte siguen en la indefensión. La ley 19.889 (Noviembre de 2003) introdujo ciertas mejoras en lo relativo a la normativa laboral de los trabajadores del arte y el espectáculo; pero no es suficiente; pues la mayoría trabaja a honorarios, por funciones o temporadas; ello complica la continuidad para cotizar en el sistema previsional por cuanto no hay estabilidad laboral para el gremio. Ni hablar de jubilación y si por suerte alguien logró jubilar, este deberá vivir hasta que los fondos se terminen. ¡¡Horror!!... es nuestro sistema.

Nos preguntamos: ¿Y que hay de la entrega a la patria? ¿O de aquellos que trabajaron una vida entera para recrear el alma de un pueblo?. Son tantos y tantos los trabajadores del arte que laboran sin descanso; pues si lo hacen… no comen. ¡Es una realidad en este país! El artista es un ser llamado a crear, a mostrar y preservar el arte y la cultura de un pueblo o nación. ¿Es tan indigno aquel trabajo que no se les permite tener un reconocimiento económico al final de sus días? ¿O en el peor de los casos si le sobreviene una de enfermedad catastrófica?. Bueno sería, que los presidenciables incluyeran un gesto solidario para con los artistas de esta patria y legislar sobre la materia. Hoy los candidatos se muestran muy abiertos a debatir todo tipo de temas; incluso sacándose los trapitos al sol.... hablan de incluir a las minorías, un reconocimiento e inclusión de las etnias, hay voluntad para debatir sobre las uniones del mismo género y otros. Nos parece válido... pero ¿Qué que hay de aquellos trabajadores que contribuyen a engrandecer y mostrar el alma de la nación a través del arte y la cultura?

Charles Benner

(Agosto de 2009)

André Prokovsky, pasión por el drama

2009-08-22T18:41:00.000-07:00

André Prokovsky, junto a Sara Nieto

El fin de semana pasado André Prokovsky, destacado coreógrafo de origen francés e hijo de padres rusos, ex – bailarín principal del New York City Ballet; dejando su legado en el recuerdo de grandes intérpretes y entusiastas admiradores; es arrebatado por la muerte y parte de esta tierra a los 70 años de edad. De aquí en adelante, será responsabilidad de los fieles repositores perpetuar la obra de André Prokovsky en las grandes compañías mundiales del ballet.

Profundo pesar ha causado en el mundo del arte y la danza la partida de André Prokovsky, coreógrafo de alto vuelo y amigo de Chile, quien fuera invitado por el Ballet de Santiago en cuatro oportunidades. Durante sus visitas entre los años 1985 a 1991 montó algunas de sus más bellas creaciones con la compañía chilena. Inolvidable fue su puesta en escena de “Anna Karenina” con música de Piotr Ilich Tchaikowsky e interpretado magistralmente por la gran Sara Nieto en el rol de Anna Karenina allá por el año 1989, secundada genialmente por Gilles Maidon (Vronsky) y Edgardo Hartley (Karenin). El título se constituyó de inmediato en un éxito rotundo. El año pasado de 2008, el Ballet de Santiago puso nuevamente en escena la citada obra; esta vez, en la interpretación de Marcela Goicochea y Luis Ortigoza. Otros títulos de este destacado artista coreográfico interpretados por el Ballet de Santiago fueron “La Tormenta” (1985), Los Tres Mosqueteros” (1988) y una versión especialmente creada para el Ballet de Santiago basada en la historia del drama shakesperiano “Macbeth”.

El citado artista había nacido en París. Debutó en 1954 con la Comédie Française en una obra de Moliere. La obtención de una medalla de plata en un Festival de Danza Juvenil en Moscú selló su futuro. Durante 1957 fue invitado en calidad de solista por el London Festival Ballet y al año siguiente es nombrado primer bailarín de esa compañía. Posteriormente destacó como figura primera en el Grand Ballet del Marqués de Cuevas entre los años 1960 a 1962. Durante 1963 a 1967 se vinculó al New York City Ballet en calidad de primer bailarín; volviendo al London Festival Ballet entre los años 1968 a 1972; para posteriormente, crear su propia compañía junto a Galina Samsova, conjunto con el cual recorrió todo el Reino Unido, Europa, Lejano y Medio Oriente, América del Sur y Estados Unidos. Su exitosa producción coreográfica fue requerida por las grandes compañías de ballet, entre otras el London Festival Ballet, Ballet de Escocia, Ballet Kirov, The Royal Ballet, La Scala de Milán, Ballet de Australia, La Ópera de Paris, Ballet de Santiago, Ballet de Cincinnati y Royal Winnipeg Ballet.

En su labor coreográfica el creador se familiarizó con los grandes dramas de la literatura universal o las tragedias operáticas, las cuales fueron motivo de inspiración para su danza. Supo trasladar con equilibrio, éxito y sentido teatral el drama escrito o cantado al arte de las puntas y del movimiento. Las dificultades que pudiera acarrearle la ausencia de la palabra para el desarrollo y compresión de las obras tratadas, no fueron problema; recurrió a la pantomima fina, justa, elegante y necesaria para la narrativa a través de la danza. Otras obras de su autoría coreográfica fueron "Romeo y Julieta", "La Traviata", "Dr. Zhivago"; igualmente una revisión de la trilogía Petipa – Tchaikovsky “Lago de los Cisnes”, “La Bella Durmiente del Bosque" y “Cascanueces”

Hoy día, unidos en el arte y en la muerte, y en el recuerdo de los balletómanos… André Prokovsky, Eva Evdokimova, Ekaterina Maximova, Pina Bausch y Merce Cunningham, conforman un quinteto de glorias que a la fecha nos ha abandonado este año de 2009.
Charles Benner
(Agosto de 2009)

Matadero Alma, una radiografía al alma de los 80'

2009-08-17T20:24:00.001-07:00

Matadero Alma

La Compañía Danza en Cruz, dirigida por Rodrigo Fernández y Valentina Pavez, dio término este domingo último al “Ciclo de Danza Contemporánea” con la obra “Matadero Alma” en el Teatro Municipal de Santiago. Esta 1ª Temporada de danza contemporánea con obras de creadores nacionales independientes e invitados extranjero; se desarrolló en la Sala Arrau del Teatro Municipal a cargo de diversas agrupaciones tanto nacionales como foráneas entre los meses Junio – Agosto, acaparando la atención de sus seguidores. Entre ellas se presentaron City Dance Ensemble de Nueva York, Vicuña-Cáceres, Abundanza, Inercia Emergente y Danza en Cruz.

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Una micro, un recorrido, una urbe, son la ambientación y escenografía que pone el marco a esta muestra radiográfica al alma de los 80’; obra estrenada en el 2007 y repuesta este agosto último. Un logrado equilibrio entre la composición escénica, a cargo de Patricio Pimienta y la acertada coreografía de Valentina Pavez, dan vida a esta pieza de corte dramático, reflejado en crudas imágenes y fuertes remembranzas de un pasado que marcó fuertemente una época de la nación, y que aún hoy día, sigue latente negándose a olvidar. Una atmósfera potente, donde la brutalidad mezclada con tintes de ternura desconcierta. La fluidez de la narrativa temática, la dramaturgia danzada, los ritmos y dinámicas, adentran al espectador a las vivencias contadas por los bailarines, los cuales con un buen desempeño y despliegue técnico en cuanto al movimiento y hondo compromiso dramatúrgico, involucran al interlocutor a través de su danza. El espectador vibra y siente junto a los bailarines-actores aquellas emociones y sentimientos de terror, miedo, angustia, murmuración, persecución, risa timorata y paranoia que a veces raya en lo esquizofrénico. 10 bailarines en escena (6 damas y 4 varones) dan vida a este montaje de la “micro del terror” cargado de imágenes fotográficas, que en ciertos pasajes, nos pareciera estar frente a una proyección cinematográfica. La danza de fuertes contrastes en lo técnico, dinámico y rítmico, logra momentos de gran belleza en sus formas y teatralidad. No hay gesto danzado al azar, toda gestualidad tiene su correspondiente ascendiente en la dramaturgia. Todo movimiento tiene su justificación, no cansa, ni fatiga, aún con lo fuerte de la temática, cautiva y nos hace cómplice de un desenlace tristemente conocido. Los directores Pimienta-Pavez, no ponen filtro alguno a la obra, por lo mismo la carga generada en escena es tan potente como agotadora, pero necesaria para la comprensión de la narrativa.

La danza de los cuatro varones en determinado pasaje de la obra, luce en perfecto fiato y sincronismo. La interpretación contenida de los mismos, genera una atmósfera muy fuerte y potente desnudando la brutalidad a la que puede llegar el ser humano. Las bailarinas componen sus personajes con gran sentido dramático. El desnudo masculino, cargado de simbolismo en la lectura del abuso, el poder y la degradación del ser humano está bien tratado. La modelo en una faceta dual, compone y descompone su personaje con acertados matices y carga emotiva. En síntesis: Patricio Pimienta y Danza en Cruz, una apuesta exitosa, una dupla interesante que debe continuar con nuevos desafíos.
Charles Benner
(Agosto de 2009)

Nuevo golpe bajo para la danza nacional...

2009-08-04T19:56:00.000-07:00

La región de Valparaíso una vez más se ve afectada por la pérdida de espacio e instancia profesional para el desarrollo y fomento de la danza. En esta oportunidad, la Universidad Arcis Valparaíso cierra definitivamente la Carrera de Danza y Arte en la ciudad.

Es verdaderamente lamentable que el arte de la danza nuevamente se vea disminuido y fragmentado en esta región. Ya hace dos años y medio a la fecha que la Universidad Arcis Valparaíso abrió la carrera de danza en la zona, generando grandes expectativas en el medio local por cuanto muchos de nuestros cultores, ya no tendrían que trasladarse a la capital para estudiar este arte; aún más, se podría atraer a esta región estudiantes de otras ciudades del país y producir así, un movimiento de proporciones mayores…la oportunidad la teníamos a mano; no obstante a poco andar, sentimos que la cosa no iba bien encaminada, ya que a finales de 2006 una gran cantidad de postulantes regionales interesados en seguir una carrera de danza, igualmente emigró a las universidades capitalinas. ¿Cuál fue la razón para tal decisión? ¿Desconocimiento, falta de credibilidad, deficiencias en la malla curricular, falta de solvencia en el staff de profesores?

No es el ánimo cuestionar ni descalificar a nadie, pues esta es una situación que nos entristece y afecta a todos quienes cultivamos este arte; pero que algo no funcionó… ¡¡no funcionó!! ¿Como se entiende, que una carrera la cual fue abierta con una cifra no mayor a 20 alumnos en sus inicios, al año siguiente convoque una postulación menor a 15 alumnos, y el presente año un número inferior a 10 postulantes? Obviamente tal cantidad de alumnos no sustenta la carrera. Ello habla de graves errores en las políticas comunicacionales y de difusión. Se puede concluir que con lo sucedido por estos días en la Universidad Arcis Valpo… será un antecedente negativo para cualquier otra casa de estudios superiores que estuviere interesada en promover una carrera de danza para la región de Valparaíso.
Charles Benner
(Agosto de 2009)

Gala de Estrellas, 50º Aniversario del Ballet de Santiago

2009-08-04T07:43:00.000-07:00

Iniciales R.B.M.E

Fotografía: Patricio Melo

El Ballet de Santiago en pleno, se encuentra por estos días celebrando sus 50 años de vida artística. Un atractivo programa que incorpora al repertorio un título más del genial coreógrafo John Cranko y una gala de estrellas invitadas; hacen de esta compañía dirigida por la reconocida figura del ballet internacional, Marcia Haydée; un conjunto de proyecciones, excelencia y alto nivel artístico.

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La primera parte del programa cuenta con la obra “Iniciales R.B.M.E”, coreografía de John Cranko y música de Johannes Brahms. Originalmente esta danza fue compuesta para cuatro figuras del Ballet de Stuttgart - Richard Cragun, Birgit Keil, Marcia Haydée y Egon Madsen - la versión nacional está dedicada a Luis Ortigoza, Natalia Berríos, Marcela Goicochea y Esdras Hernández, quienes acompañados por la totalidad del elenco dan vida a esta pieza bailada de largo aliento y múltiples variaciones. Es danza pura, abstracta y sin línea argumental. Durante su exposición se suceden variados solos, dúos, cuartetos y conjunto de bailarines. El Concierto Nº 2, Op. 83 para piano y orquesta en si bemol mayor, entrega el marco musical para esta difícil y bella creación. La armonía y cromatismo musical es utilizado por el coreógrafo para resaltar las dinámicas y matices estructurales de la composición, traducidas en perfecta sincronía al movimiento. El propio Johannes Brahms estrenó al piano dicho concierto el 9 de Noviembre de 1881 en la ciudad de Budapest. Ahora bien, siguiendo con la estructura de la partita musical, el autor coreográfico desarrolla la obra con cuatro solistas para los movimientos que la partitura posee.

1º Movimiento Allegro non Troppo
Luis Ortigoza nos entrega una ejecución limpia, depurada y precisa de su danza. Sorprende una vez más con aquella capacidad para resolver todo tipo de evoluciones y pasajes complejos. La excelencia y dominio técnico a los cuales nos tiene acostumbrado este artista, es apreciada en su totalidad por el espectador. Musicalmente es ajustado y concreto, se puede decir de él, “que baila en la música”… a diferencia de: “bailar con música”. Incorpora con maestría a su danza, la precisión en los acentos musicales, así en el ictus como en el anacrusis. Sólo ajustar a los 6 varones acompañantes en este movimiento; que en ciertos pasajes, hacen gala de un perfecto canon fuera de tiempo. Las 12 chicas del cuerpo de baile, correctas, musicales y en buen estado físico para el lucimiento del vestuario diseñado.

2º Movimiento Allegro Appasionato
Natalia Berríos realiza una sólida y correcta interpretación de este movimiento. Da forma y contenido a la danza de corte abstracto. Acompañada por José Manuel Ghiso, logra momentos realmente bellos, luciendo ambos un fiato comprometido. Las evoluciones y fraseos coreográficos ofrecen bastante dificultad a su intérprete, sin embargo son correctamente resueltas y agradablemente bailadas.

3º Movimiento Andante
La entrada de Marcela Goicochea es efímera y fugaz. La ligereza de sus pies en el Pas de bourrées, son prácticamente inigualables por estos lares. Este movimiento en sugerente cantabile, permite mostrar toda la gama y cualidad lírica de esta bailarina estrella. Su técnica, interpretación y formas lineales son un verdadero regalo para quienes disfrutan del baile. Patricio Melo, un partenaire preciso para Marcela en esta coreografía, luce físicamente espléndido, dominio y manejo absoluto de los complejos lift, que parecieran nunca acabar, pues pasan de una a otra forma en un continuo sostenutto y difícil para el varón.

4º Movimiento Allegretto Grazioso
Una danza con alto contenido de batteries y salto pequeño de una pierna a otra, da vida al diseño coreográfico de este último movimiento. Tiene como solista a Esdras Hernández, bailarín sólido y ligero de piernas en el battu y agradable en sus formas; sin embargo, musicalmente algo desajustado en ciertos pasajes, lo cual le hace ver pesado. Asunto solucionado si el artista incorpora los tempos y acentos musicales de forma correcta.

Ahora bien, independiente del trabajo de los solistas, la compañía en general ofrece un excelente desempeño. Los varones lucen seguros y fornidos como partenaire de complejas tomadas, pues en ciertos pasajes, deben cambiar de posición a sus respectivas compañeras de baile, sin siquiera mediar punto de apoyo. La escenografía y vestuario de Pablo Núñez son un acierto para esta nueva puesta en escena del Ballet de Santiago. Alberto García ofrece una atmósfera comprometida en cuanto a iluminación; pues respalda el diseño coreográfico y rescata el espíritu de hondo contenido lírico de la partitura musical. La Orquesta Filarmónica al mando de José Luis Domínguez, ofrece una fiel interpretación del Concierto Nº 2 de Johannes Brahms, reflejando el espíritu romántico del compositor. Se logra en esta interpretación, momentos de intenso lirismo musical. El pianista Luis Alberto Latorre destaca en pasajes llenos de emotividad con los dolce-pianissimo y los forte-tutti. Una ejecución sobria, fina e investigada.

La segunda parte del programa nos ofreció dos dúos y cinco Pas de Deux del repertorio universal.

“Peony Pavilian”
Coreografía de Fei Bo y música de Guo Wenjing
Dúo interpretado por Cao Shuci y Xing Liang, bailarines principales del Ballet Nacional de Beijing. Ambos de bellas líneas, buen porte escénico y excelente desempeño técnico; quizás un tanto distantes pero sobrios en su ejecución. Estos mismos bailarines realizan más adelante en el programa, una delicada, fina y hermosa interpretación del Pas de Deux de Giselle.

“In the Middle Somewhat Elevated”
Coreografía de William Forsythe y música de Thom Willems
Dúo bailado por Aki Saito y Wim Vanlesse, bailarines principales del Royal Ballet
Interesante pieza coreográfica, la cual emplea los contrastes, encuentros y desencuentros fuera de eje, además de un particular fraseo de la síncopa. Fuerza y carácter imprimen a esta danza sus intérpretes. Los mismos artistas dan vida al Pas de Deux del Cisne Negro. Soberbia interpretación

Natalia Berríos y Joel Carreño en una bellísima y excepcional interpretación del Pas de Deux “Las Bodas de Aurora” de la Bella Durmiente. Joel Carreño, primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba, un danseur noble cuyo ballon precisa para el rol del príncipe. Natalia Berríos, logra en esta ocasión una real identificación con su rol.

Andreza Randisek y José Manuel Ghiso dan vida al Pas de Deux “El Corsario”, una sólida interpretación por parte de Andreza Randisek y algo más débil José Manuel Ghiso hacia los momentos finales de su variación; no obstante salen del paso.

Luis Ortigoza y Maite Ramírez en un vibrante Pas de Deux “Don Quijote”. Maite Ramírez con seguridad musical, carácter y ataque; equipara la soberbia y deslumbrante ejecución de Luis Ortigoza, bailarín más allá de toda escuela.

El Finale con toda la compañía e invitados especiales en una festiva interpretación con saludo coreografiado por Marcia Haydée, a los sones del Vals de “Eugenio Onieguin” de Piotr Ilich Tchaikovsky.
Charles Benner
(Agosto de 2009)

TRÍPTICO, tres danzas bajo una sola mirada...

2009-07-25T16:13:00.000-07:00

"Gente"

Una brillantísima y lucida actuación nos entregó este viernes 24 de julio el Ballet Nacional Chileno en el Teatro Municipal de Viña del Mar. Los artistas de la compañía dirigida por el prolífero creador rumano-francés Gigi Caciuleanu; hicieron gala de su arte y destreza captando la atención y aplausos de los asistentes a la sala, que se vio prácticamente repletada en su capacidad. El programa denominado “Tríptico”, el cual incluye las obras “Cuerpos”, “Solo” y “Gente” - partitas coreográficas aclamadas tanto en el país como en América Latina por su autenticidad - fueron del completo agrado de la audiencia, quien premió mediante efusivos y calurosos aplausos a los artistas de la compañía santiaguina.
Es deseable para los amantes de la danza contemporánea; que Ballet Nacional Chileno, compañía pionera del profesionalismo danzado en nuestro país, tenga a futuro una mayor presencia en el escenario viñamarino

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“Cuerpos”,
Coreografía de Gigi Caciuleanu y música de Philippe Agou.
El compositor coreográfico nos entrega a través de esta danza, una verdadera exposición fotográfica del cuerpo en sus diferentes facetas, una mirada bella y multiforme de la plasticidad corporal. Verdaderas esculturas en movimiento y mensajes sugerentes a través del volumen, masa, formas, dinámicas intensas y energías cautivantes; se suceden mientras avanzan los compases de una partitura cómplice a la idea del creador.

Hay momentos en que nos da la impresión de estar frente a una proyección cinematográfica por la pluralidad de imágenes y atmósferas lumínicas involucradas. El espacio es perfectamente utilizado y ninguna frase queda al azar. El coreógrafo recurre a todas las posibilidades que un cuerpo en “estado de danza” pueda lograr. Esta obra premiada el año 2003 por Altazor, tiene sus fieles exponentes en Carola Alvear y Jorge Carreño - bailarines excepcionales - secundados certeramente por Vivian Romo, Alex Gauna y Luis Baeza; más la compañía restante. Rescatamos en esta obra, la claridad en el desarrollo de los conceptos: vitalidad, energía, dinámica, corporalidad, volumen, forma, fluidez, conciencia corporal, síntesis y matices.

El cuerpo al servicio del movimiento, el uso expresivo del mismo como un instrumento capaz de entregar, entregarse y además fusionarse en la cinesfera. La obra tiene garra fuerte y cautiva verdaderamente hacia los momentos finales por el ritmo y fraseo. Involucra al espectador desde el primer momento, va en permanente crescendo. La narrativa no pierde fuerza ni ritmo durante los 40 minutos que dura la exposición. Excelente iluminación y bien escogido vestuario; el cual resalta las formas y belleza de los cuerpos mostrando la fuerza y fibrosidad lineal de los mismos.

“Solo”
Coreografía de Gigi Caciuleanu, bailado por Kana Nakao sobre la partita de “il prete rosso”, Antonino Vivaldi.
Una danza más bien construida desde los aspectos lineales del baile donde la exigencia técnica y virtuosismo están presentes. Kana Nakao, nos parece precisa y resolutiva en algunos pasajes complejos de su danza, logrando dominio y control de su cuerpo. Nos parece segura, plástica y musicalmente metronométrica; no obstante, algo débil en su aspecto interpretativo… asunto solucionable, si la bailarina trabaja su rol desde otras perspectivas. Una iluminación más íntima y cerrada, quizás nos aportaría una mayor identificación y comprensión para la idea relativa a lo terreno-espiritual y su equilibrio. Se piensa que el vestuario definitivamente no apoya a la idea tratada.

“Gente”
Coreografía: Gigi Caciuleanu y Collage Musical.
La última pieza que nos entrega El Banch, es una obra premiada por Altazor el año 2002. Sin respingos ni aspavientos, grandes de la música de todos los tiempos tales como Mozart, Rossini, Piazzolla, Pink Floyd y John Lennon entre otros, se dan la mano en esta composición bailada respaldando así, la idea creadora del multifacético Gigi Caciuleanu. Tienen tanta validez para la puesta en escena un “Imagine” de John Lennon – tema vinculado a las ligas pacifistas mundiales -, como un extracto del Réquiem del prodigio clásico de la corte de Salzburgo, Wolfgang Amadeus Mozart. ¡Verdaderamente un collage musical genial, para una genial coreografía!

Esta atractiva minuta musical de altisonancias y timbres diversos, se traduce al movimiento corpóreo de los bailarines, impregnados de ricos matices y dinámicas múltiples. Es una puesta en escena, fresca, lúdica, chispeante e imaginativa; donde la estrella máxima es la compañía toda. El coreógrafo y su particular mirada sobre la temática enunciada, echa mano a diversos recursos – todos válidos – su mensaje interactúa e incorpora al lector pasivo. Motiva y provoca diversos sentimientos en el espectador; lo insta a dialogar emocional y físicamente desde la butaca, a través de su creación con aquel mar humano sobre la escena derrochante de emociones y posturas desafiantes. Propone una danza rica en movimientos y contrastes pluripotentes.

La vitalidad y destreza de los bailarines, mantiene atento al espectador en un sentir casi hechizante; sobre todo, por la diversidad de estilos musicales utilizados. Una particular versión-arreglo de un pequeño trozo de la conocida Cavatina di Fígaro de Rossini, sirve de marco a un muy bien logrado fraseo coreográfico, el cual obtiene una exacta traducción de los tresillos al movimiento corporal de los bailarines. Se ve en este pasaje, un alto grado de fina picardía danzante. El cuarteto compuesto por Vivian Romo, Jorge Carreño, Cesar Sepúlveda y Alex Gauna para el tema de Piazzolla, logra una excelente resolución, carácter e interpretación de los fraseos bailados. Bellas imágenes de Carola Alvear y Cristian Contreras -ambos de formas grandes - dan solidez y cuerpo a un solo musicalmente bien traducido. Un festival de máscaras hablando desde las formas lo que no dice en sus rostros… interviene a través de los danzantes en compañía del pop music. Toda la riqueza de las formas, caídas, saltos y giros, espirales y congelamientos, amén de los movimientos pro natura, encontramos en esta coreografía, la cual llega a su clímax coreográfico en la compañía sonora de un extracto del Réquiem mozartiano. Liviandad y gravedad se contraponen en perfecta amalgama en estos pasajes. “Gente” no cansa, no satisface; al contrario… pide más y mucho más. El vestuario perfectamente elegido sin mayores exigencias, da naturalidad a la danza. El diseño lumínico tiene verdaderos aciertos en momentos específicos.

Es justo mencionar la labor de los maestros de baile Verónica Santibáñez y Renato Peralta; pues en “Gente”, cobra especial importancia el trabajo de refinada “limpieza”, reflejado en los 20 bailarines moviéndose al unísono. La coreografía es interesante y emplea un nutrido lenguaje corporal. “Gente” nos habla de una teatralidad en lenguaje danzado, o bien… un teatro coreográfico, donde el lenguaje se traduce al fraseo danzado.

A modo de conclusión: Pensamos que el Ballet Nacional Chileno, es una compañía proponente y cultora de la danza contemporánea con acertados logros y avances de manera ascendente, cuyo trabajo reconocemos y aplaudimos sinceramente; no obstante se piensa que: La apertura a nuevas propuestas en complicidad con miradas creadoras diversas, permiten a los conjuntos artísticos el crecimiento permanente y sostenido de sus integrantes. La incorporación de nuevos desafíos, consolida a los intérpretes y amplía la madurez artística de sus bailarines.
Charles Benner
(Julio de 2009)

Arte

2009-07-16T19:01:00.001-07:00

El arte, es una de las más bellas expresiones del alma humana para deleite y gratificación del espíritu. Encierra en sí mismo, variados mensajes involucrando el amor, la belleza, la libertad de pensamiento, la estética, la armonía de los sonidos, la multiplicidad de los colores, las texturas mixtas, el movimiento natural y elaborado, la profundidad de las palabras y otras muchas manifestaciones. En el arte no existen límites ni fronteras…. ¡Sólo libertad absoluta!

La inspiración creadora del arte nace como un sentir en el corazón del hombre, se elabora en la mente del mismo y es consumado en el espíritu humano con la ayuda, guía y sabiduría del Altísimo Sempiterno. La manifestación de arte en cualquiera de sus más variadas expresiones, géneros y estilos; cuya belleza y finalidad estética implica la sublime expresión del alma humana, constituye una fuente inagotable de gozo, placer y alegría para nuestros sentidos.

La expresión artística es sin duda, una dádiva de nuestro Supremo Creador, Soberano y Sempiterno Dios. El arte por cierto, es realizado a través de hombres y mujeres elegidos y guiados por su Espíritu… dotados de vocación, aptitudes y gran talento. Involucra además, una manifiesta sapiencia y vasto conocimiento, sólida disciplina y celo ardiente por la excelencia. Un rol fundamental en el arte es la humildad, la entrega genuina y la mística contemplativa; pero por sobre todas las cosas… un profundo y señero respeto a lo creado por Dios.
Charles Benner
(Julio de 2009)

Narciso, el extasiado

2009-07-12T16:00:00.000-07:00

Narciso, el extasiado

Compañía Abundanza

Continuando con el Ciclo de Danza Contemporánea en la Sala Claudio Arrau del Teatro Municipal de Santiago; correspondió este fin de semana (9, 10 y 11 de julio) la presentación de la Compañía Abundanza, dirigida y creada por la bailarina y coreógrafa Isabel Croxatto; artista nacional de reconocida trayectoria en el país e internacionalmente. La creadora nos entrega en esta ocasión una mirada analítica y sesgada sobre “Narciso”; el mito de la antigüedad, el cual mantiene vigencia en un mundo contemporáneo donde la competitividad y el exitismo personal hacen aflorar el “narciso” que todos llevamos dentro. Isabel Croxatto indaga, estudia e informa; sorprende con valentía, remece el consciente y revela el inconsciente, juega y provoca emociones encontradas tocando fibras algo crípticas; no obstante, latentes en todo hombre o mujer en alguna etapa o situación de la vida.

Lo más cercano al mito de Narciso lo conocemos a través de Ovidio y su tercer libro de Las Metamorfosis, escrito allá por el año 43 AC. La triste historia parte desde la misma concepción del niño, quien en la práctica es producto de la violencia sexual. Cefiso el dios-rio, después de raptar y violar a la náyade Liriope, engendra en la doncella a un joven varón de extraordinaria belleza, a quien darían por nombre Narciso. Una vez nacido Narciso; es consultado el oráculo por la longevidad del infante… Tiresias, el ciego y sabio vidente responde veladamente: “Sí, siempre y cuando nunca se conozca a sí mismo”.

En lo cotidiano, se designa el término “Narciso” a quien profesa enamoramiento y sobrevaloración de sí mismo o vanidad desmedida por la imagen personal. Desde el punto de vista del psicoanálisis, la estructuración de una personalidad narcisista, implicaría la detención en el tiempo o fijación de los aspectos evolutivos de la persona a etapas infantiles de profunda gratificación, o a una regresión del individuo a estos períodos, quizás por una incapacidad para asumir los retos y fracasos que la madurez y la vida conllevan con el pasar de los años. Fuera de todo aspecto psicológico, la terminología "narcisismo" y "narcisista" es también utilizado con frecuencia y despectivamente para indicar vanidad, presunción o egocentrismo. Por otra parte, hace referencia a ciertos grupos sociales, para enrostrar elitismo o indiferencia a las vivencias o situaciones complejas de terceros. En aspectos de conflictos, discusión o discrepancia; la terminología "narcisismo" o “narcisista” también es empleada para señalar paralelismos entre las quejas sobre comportamientos centrados en uno mismo.
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Narciso, el extasiado
Ahora bien, La coreógrafa enfoca su composición en cuatros aspectos determinantes para realizar su creación: la belleza, el cuerpo, el espejo y el mito. La creadora desarrolla la propuesta con delicadeza, elegancia, honestidad y sapiencia. Los cuatro aspectos enunciados actúan transversalmente dando solidez estructural a la obra. Lejos de ser una narrativa fiel a la historia mitológica, Isabel Croxatto va al trasfondo del tema exponiendo a través de su creación una serie de falencias o derroches implícitos en toda persona de la sociedad actual y del mundo contemporáneo en relación a los egos. Una serie de interrogantes plantea la puesta en escena, las cuales no todas tienen aclaración en la obra. Durante 40 minutos de múltiple información escénico-artística, el espectador es confrontado consigo mismo para encontrar las respuestas, incluso aquellas no contestadas por la artista.

La belleza, primer concepto tratado; actúa y fluye a través de las distintas disciplinas artísticas (danza, música, diseño del vestuario, atmósfera y ambientación del efecto lumínico), involucradas en la escena. Mabel Diana, bailarina intérprete en contraposición con la juvenil Javiera Alarcón, unidas en las emociones danzadas experimentan la belleza de las formas y el movimiento constante. Mabel Diana construye un personaje sólido, con aplomo y gran prestancia. El vestuario asignado a su personaje, habla de épocas pretéritas, da cuerpo y peso escénico al mismo. Su danza gira en torno a espejos diversos, los cuales no sólo retratan la belleza física, emociones e intimidades; sino también dicen el pasar del tiempo y la necesidad por retener y mantenerse en el mismo negándose a un futuro venidero que no quiere aceptar. Su danza es lenta y pausada, guiada y controlada, contemplativa y sugerente. El lado opuesto lo entrega Javiera Alarcón, quien llena de vitalidad y juventud, expresa el hambre por lo desconocido e igualmente complaciente de la auto imagen. Se mueve en una danza plástica y dinámica, llena de armonías y pulsos definidos. Es precisa y técnica. Su danza colmada de fraseos elaborados, dan lugar a la emotividad e interpretación correcta.

El cuerpo, entendido como vehículo expresivo y comunicacional, nos llega a través de diversas imágenes y soportes que la coreógrafa ha querido amalgamar y emplear en su escritura coreográfica. El espacio es utilizado en perfecta sincronía, mostrando al espectador una verdadera paleta de colores en toda su degradación y matices que el instrumento del bailarín (el cuerpo) pueda generar. Los músicos Luciano Taulis (Viola da gamba), Simone Caiasa (Percusión) y Camila Vaccaro (piano;) son parte narrativa de la danza; que sin ser técnicos, expresan su propio danzar o gesto corpóreo a través de los sonidos, timbres y alturas. Luciano Taulis y Javiera Alarcón, el uno desde lo sonoro y el otro desde el movimiento, se entrelazan brevemente en un duetto que nos evoca al joven Narciso y Eco la ninfa. En este pasaje, Luciano Taulis, construye en el silencio la línea melódica en viola da gamba, cargados de forte > < piano como un acto contemplativo de si mismo; quien es fielmente traducido en un eco por el gesto danzado de Javiera Alarcón.

Los espejos, nos traen de inmediato a la mente el juicio acusatorio de nuestras conciencias como elemento crítico y revelador de aquello que mantenemos oculto. Cumple un efecto multiplicador para nuestras virtudes, pero también para aquellos defectos profundamente arraigados y veladamente encubiertos. Otro aspecto detonante del espejo es la intimidad; aquella que no puede quedar en tinieblas obligándonos a romper y renunciar con todo lo que nos ata. Para ello, la creadora usa acertadamente en los pasajes finales de la obra; los efectos sonoros del vidrio roto. El espejo retrata y desnuda el alma, transformándose muchas veces en un aliado y cómplice; pero en otras… un verdadero enemigo y trampa mortal.

El mito contemporáneo tiene hoy tanta relevancia para Isabel Croxatto como aquellos narrados en la antigüedad. Por ello creemos que la artista nos deja el tema abierto a variadas formas de análisis conforme el espectador lo sienta. Los mitos presentes en toda sociedad y cultura, cobran vida en esta creación, permitiendo al respetable tener su propia interpretación. La esclavitud desmedida del yo y el culto de auto imagen, indisolublemente se dan la mano con la belleza, la vida y la muerte.

Finalmente decir: Destacable y acertado trabajo de iluminación compuesto por Guillermo Ganga, la concepción del vestuario a cargo de Anita López, ambienta y crea la atmósfera precisa para la narrativa de Isabel Croxatto. La música y efectos sonoros a cargo de la banda sonora de Pablo Contreras, respaldan la exigencia y realización de la composición coreográfica.
Isabel Croxatto, una artista que propone, sugiere y concreta. Su creación es un verdadero pasaporte para el arte danzado internacional.
Charles Benner
(Julio de 2009)

Pina Bausch, la psicoanalista del movimiento danzado.

2009-06-30T19:59:00.000-07:00

Pina Bausch

Sorpresiva y repentinamente Pina Bausch ha emprendido el viaje del cual no hay retorno; un cáncer diagnosticado hace tan sólo cinco días, ultimó la vida de la fundadora del mítico Tanztheater de Wuppertal, creado hace más de 35 años por esta carismática artista.

La coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch, una de las artistas más importantes y controvertidas de la danza contemporánea de los últimos tiempos - formada a mediados de los años ‘50 por Kurt Joos y Sigurd Leeder en la Folkwangschule de Essen y posteriormente en la Juilliard School of Music de Nueva York (1959) - se caracterizó por tener una postura rupturista, agresiva, frontal y confrontacional frente a la danza; siendo en ocasiones irreverente en su concepción del movimiento y la forma en que abordaba ciertos temas. Nadie pudo permanecer impávido ante sus propuestas, hablaba directamente al corazón del espectador, a su intelecto, a su psicología y a su emoción. Trató en sus obras aspectos importantes de la condición humana, confrontando al público consigo mismo en temáticas tan reales como la muerte, la vejez, el olvido, la nostalgia, la tristeza, el amor, la soledad, la frustración y el abuso y explotación del hombre por el hombre.

Con Pina Bausch, el espectador no se encontraba en posición de controlar sus emociones, obligaba al mismo a “vomitar” su sentir desde lo más profundo de las entrañas. Era capaz de conmover fuertemente al público con la crudeza de sus obras. Por esta misma razón se la amaba o se la odiaba.

Su danza, reducida a la mínima cantidad de movimientos; libre y exenta de todo canon preciosista de las líneas estéticas, encontró eco en los aspectos emotivos, abstractos y expresivos del cuerpo. Lejos de contar con cuerpos ideales, se interesó en la diversidad de las razas y variados biotipos; y lo que ellos le podían entregar. Allí estaba la riqueza de su composición, un verdadero laboratorio del movimiento corpóreo y emocional; la danza-teatro. Su obra llena de sonidos internos, colores en todas sus degradaciones, formas y texturas múltiples, palabras y silencios hablados; fueron la inspiración de su danza… la danza teatro o teatro danzado.

Hoy Pina Bausch se ha unido a la gran constelación de estrellas que un día danzaron en esta tierra. Su legado quedará en el Tanztheater de Wuppertal y en las muchas residencias que desde los años ’80 la artista realizó en diversas capitales del mundo. El año entrante, nuestro país tendrá la oportunidad de ver en el Festival Teatro a Mil, una creación hecha especialmente para Chile y recientemente estrenada en Alemania.
Charles Benner
(Julio de 2009)